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Nick Drake: "El trovador trágico de las mil estrellas" Parte 2

2009-01-31T13:06:00.001-08:00

Trovador de los bosques, perdido en la gran ciudad.

Ese mismo año, se traslada a Londres, decidido a afianzar su carrera como músico, pese a la tibieza con que fue recibido su primer albúm. Así, en la soledad de un cuarto de Londres empieza a componer las piezas de su próximo álbum, “Bryter Layter”. No obstante, intenta realizar una serie de conciertos para promocionarse, pero el intento fue en vano. Nick Drake, por esos tiempos, comenzaba una retirada hacia esa otredad que muchas veces condena a los genios o talentosos. En los conciertos que no fueron más de una docena, jamás levanto la mirada o dijo palabra alguna a su público. La imagen que los pocos concurrentes recuerdan, era la de un larguirucho sentado que de manera cansina, susurraba sus melodías mirando fijamente sus zapatos. Sumado a que Nick, utilizaba raras afinaciones en sus canciones y tocaba solo con una guitarra, entre tema y tema, perdía numeroso tiempo para lograr la afinación correcta de la canción a ejecutar. Todo esto, hice que luego solo realice ocho presentaciones en vivo, y luego no lo intente nunca más, hasta 1970. Muchos dicen que la parquedad de una megápolis como Londres, afecto definitivamente el débil carácter de Nick. Así, durmiendo en los pisos o sofas de casas de amigos, empieza a componer “Bryter Layter”. El disco, se compone de canciones que suenan optimistas, pero en realidad ocultan un claro estado de abatimiento respecto a la vida, y la manera con la cuál se construyen las relaciones y el amor. Por esos tiempos, Nick tuvo lo más cercano a una relación amorosa (reflejadas en parte en los temas “Hazey Jane I”, pero que en su timidez o torpeza expresiva, la misma rápidamente se trunco. Producido por Joe Boyd, y con una fuerte producción, que consta de arreglos de cuerda de todo tipo, sumado a la inclusión de instrumentos clásicos como el bajo y la batería. Nick deja el sonido orgánico de su anterior albúm, y sumado el aporte de John Cale, en los temas “Fly” y “Northen Sky”, elabora un disco que mezcla el Folk melódico con el cocktail jazz. Así, luego de ciertas disputas con su productor, finalmente termina el disco, el cuál es editado en 1970. Con sólo 21 años, Nick da cuenta de su bipolaridad incipiente en temas como “One of these things first”, con frases como, “I could have been a sailor, could have been a cook, A real live lover, I could have been, One of these things first”, (Yo podría haber sido un marinero, podría haber sido un cocinero, Un amante de carne y hueso, Yo podría haber sido, Una de estas cosas en primer lugar), o “Fly”, “Please give me a second grace, Please give me a second face, I've fallen far down, The first time around”, (Por favor, dame una segunda gracia, Por favor, dame una segunda cara, He caído mucho más abajo, Que la primera vez). En la tapa del disco, aparece sentado sobre una guitarra acústica de 12 cuerdas, quintaesencia de faz artística, mientras que en la contratapa, aparece de espaldas, en una suerte de caminata, empuñado su guitarra y un libro. “Bryter Later”, representa las visiones de un forastero perdido en Londres, que consciente de su talento para la música utiliza la misma, para dar cuenta de ese estado inestable que hace de los genios, incapaces para sostener situaciones cotidianas y afectivas simples. El trovador de los bosques, no puede sintonizar su cuerpo y alma frente a los muros de la gran ciudad y entonces debe pedir nuevas oportunidades para volar (“Fly” o “One of these things first”), aunque los vientos soplen a contramano.

Redención y ascensión, entre lunas y estrellas
La psicosis, según términos científicos, “se caracteriza por ser un desorden mental severo, con o sin un daño orgánico, caracterizado por un trastorno de la personalidad, la perdida de contacto con la realidad y causando el empeoramiento del funcionamiento social normal”.
Hacia 1970, Bryter Layter, debido a la arquitectura musical con que fue construido, parecía ser el disco que le iba a dar cierta fama a Nick Drake, pero ocurrió todo lo contrario: tibio reconocimiento de sus pares y una marcada indiferencia de la prensa especializada en música. Nick intenta nuevamente una serie de nuevos conciertos, para promocionarse. Finalmente en el Ewell Tecnichal Collage, el principio de la barranca asomo para Nick. Monosilábico, se retiro sin decir palabra alguna, mientras ejecutaba “Fruit Tree”, y cuando todos sus allegados fueron a preguntarle que paso, el simplemente alegó: “No valía la pena, no había conexión alguna”.
La frustración por no poder superar sus miedos a presentarse en vivo, fue acrecentada por la venta de Witchseassons records, (por donde había editado sus dos primeros albúms), de su productor y gran amigo Joe Boyd al sello Island Records.
Toda esta frustración, lleva a Nick a un estado de profunda depresión hacia 1971, y que lo invadiría constantemente hasta el resto de sus días. Así, luego de una visita corta al psiquiatra quien le receta tres antidepresivos diferentes, decide volver a la casa de sus padres en Tanworth in Arden. Con un sueldo de solo 20 libras semanales, se recluye de manera autista y pasa sus días, cabizbajo observando fijamente sus zapatos y de vez en cuando, sale a recorrer con su auto las carreteras sin rumbo fijo alguno. Incluso Sophia Ryde, lo más cercano que tuvo a una novia, (los temas “Hazey Jane I” y “Hazey Jane II”, Nick se los dedicó a ella), lo abandono debido a que sus diálogos eran cada vez más monocordes y delirantes.
Hay diferentes versiones acerca del origen de Pink Moon. Algunas señalan que Island Records, no quería ni deseaba, un tercer disco de un artista que no podía vender más de tres mil copias, y que estaba en un aparente deterioro físico y mental. Otros alegan, que Cris Blackwell, dueño de Island por ese entonces, apreciaba el trabajo de Nick, y que luego de pagarle unas vacaciones en la costa española, le recomendó que llame al productor John Wood, para que grabe un nuevo álbum.
Pink Moon, es un disco que se grabó en apenas dos días. El disco fue elaborado con una estructura esquelética, ya que sólo se escucha en el mismo, la guitarra acústica y la voz de Nick, excepto en la canción “Pink Moon” donde hay leves arreglos de piano.
El disco es claramente un preludio de lo que iba a suceder dos años más tarde. Nick Drake, era una suerte de romántico que en el viaje de la vida, perdió debido a sus propios temores la cuota necesaria de narcisismo para que esta le sea más leve. Así, ante cualquier brisa en contra, queda literalmente expuesto. Pink Moon, no es un disco fúnebre, sino por el contrario, un viaje plácido, intimista y sensual, dónde la decepción o tristeza, es mitigada, en diálogos confesionales con cuerpos celestes, campos y árboles. Nick, aún sintiéndose en las penumbras de la soledad, deja de lado todo infierno dantesco, y confecciona una obra, de total redención y aceptación de sí mismo.
Temas como “Pink Moon”, donde la letra dice “I saw it written and I saw it say, Pink moon is on its way, And none of you stand so tall, Pink moon gonna get ye all, And it's a pink moon, Yes, a pink moon”, (Lo he visto escrito y lo he visto decir, La luna rosa está en camino, Y ninguno estáis a tanta altura, La luna rosa va a alcanzaros a todos, sí es una luna rosa), hablan de esa necesidad de buscar en lo invariable de la naturaleza, un ancla, para compararse con los demás, y escaparle a sus graves problemas de socialización. “Place to Be”, habla de esa pérdida de ilusión con respecto a la magia que la vida en algún momento le otorgaría, con frases como “When I was young, younger than before, I never saw the truth hanging from the door, And now I'm older see it face to face, And now I'm older gotta, get up clean the place”, (Cuando yo era joven, más joven que antes, Nunca víi la verdad colgando de la puerta, Y ahora que soy más viejo la veo cara a cara, Y ahora que soy más viejo tengo que levantarme a limpiar el lugar)
Quizá el tema que representa esa aceptación de la estación otoñal de su corazón y sentimientos, se defina claramente en uno de los mejores temas de Nick Drake de toda su obra: “Things Behind the Sun”. La canción resulta un murmullo de pesar, que construida en la particular afinación de guitarra que Nick usaba, hace que su voz suene sensualmente mortificante. La frase, “Take your time and you'll be fineAnd say a prayer for people there, Who live on the floor, And if you see what's meant to be, Don't name the day or try to say, It happened before”, (Tómate tu tiempo y estarás bien, Y reza por la gente, Que vive en el suelo, Y si ves lo que se supone que hayNo nombres la fecha ni intentes decir, Que ya pasó antes). La tapa del disco, muestra siluetas grotescas como desprendidas de una suerte “Naranja-Queso”, en dónde la cabeza de un payaso tiene la forma de un corazón. La misma sugiere un fuerte contraste a las montañas y lagunas que se observan por detrás, quizá un símbolo del estado alterado mental de Nick, que por esos tiempos ya ni siquiera su amor por la naturaleza podía combatir. La contratapa, parece un epitafio perfecto. Un desdibujado Nick, camina de espaldas, pero sin guitarra o libros, seguido solamente por un perro. Si Bryter Layter, aún daba chance para sentir que el creía en la música como salvación, mientras caminaba por un bosque, en Pink Moon, la música solo sirve como banda sonora del hundimiento espiritual y físico que lo aquejaba por aquellos años.
Luego de prolongadas crisis nerviosas, con breves internaciones en neurosiquiátricos, Nick, finalmente fallece el 25 de noviembre de 1974, producto de una sobredosis de antidepresivos, en la casa de sus padres.
Así, como el fundador de los numantinos José de Espronceda, hablaba de su propia cosecha de la vida, como escudo frente las tempestades de amoríos frustrados, Nick Drake, retoma con su música parte de esa soliloquio romántico. Sembrando un legado dónde la música revivifica el tesoro universal de los poetas de mil estrellas, que en su paso por la tierra dejan una estela fugaz y eterna, ratificando que lo importante sigue siendo la nobleza de espiritual, ya sea en lo agreste o suburbano, en la dulce tertulia o en la decadencia de todo sueño romántico terrenal. Aún y a pesar del frenético y sin sentido “polstergeist espiritual” de los tiempos actuales, dónde la salvación pareciera estar más en el legado de las obras de héroes anónimos como Nick Drake, que siempre nos recuerdan porque es bueno mantener la aptitudes virginales, profundas y sensibles de nuestra alma, sabiendo que más allá de cualquier funesta consecuencia, siempre nos espera el resguardo misericordioso y eterno del cielo y las estrellas.

Nick Drake: "El trovador trágico de las mil estrellas" Parte 1

2009-01-31T12:57:00.000-08:00

El arte, y especialmente la música, numerosas veces, nos sirve como refugio de los miedos e inseguridades que atraviesan nuestras vidas desde pequeños. Nick Drake, a través de susurros musicales atemporales, pareciera ser una muestra del trágico poeta que nace con la mejor estrella, y que avizorando la extinción de la misma, elige ascender al mágico y celestial panteón de los románticos eternos.

Brotes de agreste romanticismo

“Batallas, tempestades, amoríos, por mar y tierra, lances, descripciones, de campos y ciudades, desafíos y el desastre y furor de las pasiones, goces, dichas, aciertos, desvaríos, con algunas morales reflexiones acerca de la vida y de la muerte, de mi propia cosecha, que es mi fuerte” (Jose de Espronceda en su poema Canto I).

Los románticos presentan dos características fundamentales: Primero, su constante necesidad de buscar nuevas experiencias o sensaciones y su particular relación con la naturaleza. Esto les da a lo mismos un carácter revolucionario e inestable a la vez.
Nicholas Rodney Drake, nació en Birmania en 1948, debido a que su padre se encontraba supeditado a cuestiones laborales por esos tiempos. Luego de una forzosa vuelta a tierras británicas debido a que el clima tropical perjudicaba su salud, despierta una temprana afición por la música, logrando a los 4 años componer su primera pieza musical en piano, titulada “Cowboy Small”.
Ya hacia mediados de los 60’, el fanatismo por los Beatles y Bob Dylan, obligó a sus padres a comprarle su primera guitarra. Pese, a ser un atleta dotado naturalmente y caer bien, entre sus pares, Nick gustaba de la soledad y la observación de cualquier elemento de la naturaleza, sean las estrellas, los árboles o cuerpos celestes. Luego de finalizar su instrucción primaria en el prestigioso centro público de Marlbourough, se traslada a Cambridge en 1967, para comenzar sus estudios de literatura inglesa. Así, entre días de soledad, incipiente autismo y drogas, Nick comienza de a poco, a hacerse medianamente conocido en el circuito folk. de Cambridge. A finales del 67’, se junta con Robert Kirby, quién empieza a colaborar en algunos arreglos de las canciones de Nick, muchos de los cuáles recién verían la luz pública, casi veinte años después en compilados como “Time of no Reply”o “Tanworth in Arden, 67-68”. Luego de un viaje alucinógeno a Marruecos, donde cuenta la leyenda, desafió en un duelo acústico de fogata y haschís, al mismísimo Brian Jones, conoce a alguien que iba a ser fundamental en su carrera para mal y para bien: el productor Joe Boyd. Dueño de la compañía Witchseassions Productions y joven veinteañero al igual que Nick, queda fascinado al escuchar sus canciones. Su particular uso de las afinación de la guitarra, sumado a los clusters tonales que utilizaba, daban esa sensación de una hipnótica delicadeza clemente y hosca a la vez, ya sea para describir el paso ineludible del tiempo a través de personajes o marcos naturales como las estrellas, ríos o árboles.
Hacia 1968, y con Joe Boyd, como productor, comienza a grabar “Five Leaves Left”. El albúm rastrea cierta influencia del “Songs of Leonard Cohen” y del “Astral Weeks” de Van Morrison, en el sentido de la intensidad confesional de las canciones. A nivel sonoro y estructura instrumental, el disco es claramente orgánico en su sonido. Los arreglos luego de una intensa disputa con Boyd, fueron grabados por su amigo Robert Kirby, excepto en la canción “River Man”, realizados por “Harry Robinson”. Los mismos suenan barrocos, a través del uso de violonchelos y contrabajos, y encajan perfectamente en esa climatología melancólica y agreste, que acompaña a las canciones del álbum.
En la portada, se ve a un joven Nick mirando hacia abajo por una ventana, y en contratapa del albúm, se encuentra el mismo en cierta actitud desafiante, mientras se apoya en una columna de la calle. Ya desde el título, “Five leaves left”, (cinco para terminar) Nick habla sobre su obsesión por el paso del tiempo que deja atrás los recuerdos puros y virginales de su adolescencia. Los personajes descriptos en las canciones (Betty,) quedan estancados en la duda eterna de las acciones a tomar y lo único que fluye con normalidad parecieran ser los ríos, las flores y las estrellas. En temas como “Day is Done”, menciona la lapidaria duda existencial que nos acecha una vez desprendidos del refugio uterino, “when the bird has flown, got no one to call your own, got no place to call your home, when the bird has flown” (Cuando el pájaro ha echado a volar, no tienes a nadie que te llame, no tienes ningún lugar al que llamar a tu casa, cuando el pájaro ha echado a volar). También hay lugar, para narrar, ese estado de consciente abatimiento que conllevaba, desde pequeño. Así, despreocupándose de cualquier intento de colgarse del circo de neón de los famosos en la música, Nick Drake, en “Fruit Tree”, y con solo 20 años, narra en la canción, “Fame is but a fruit treeSo very unsound, It can never flourish, Till its stalk is in the ground, So men of fame, Can never find a way, Till time has flown”, (La fama no es más que un árbol frutal, Así, tan inestable, Nunca puede florecer, Hasta que su tronco está en el suelo, Así es como los hombres de fama, nunca pueden encontrar un camino, hasta que el tiempo ha volado”). Nick, parecía ser consciente de que pasan los hombres y el éxito o no de las mismos, y solo quedan las canciones. El disco, representa en síntesis, una suerte de autoexilio romántico, paisajista y agreste, que pareciera marcar un viaje de ida y sin retorno, dónde talento y creatividad, lidiaban con la marea turbulenta de la inestabilidad emocional, aún no tan visible en Drake. Así, como el lado bueno de Joe Boyd, eran sus dotes como productor, el malo era su poca capacidad para lograr difusión y promoción con el disco. Con la decadencia de los estribillos del “Mersey Beat”, eran tiempos de canciones de protesta y los cantautores de Folk, llevaban las de ganar. Sin embargo, una vez editado el disco en 1969, no tuvo reseñas favorables de la prensa especializada, y el único que lo apoyo con mediano entusiasmo fue el Dj de la BBC Jhon Peel. Incluso fue tal el nivel de desorganización, que la funda del álbum tenía, el orden de los temas de manera incorrecta.
Bernardo Damián Dimanmenendez

Trovadores del lustro "K": Guerra de Almohadas

2009-01-31T12:41:00.000-08:00

1 ¿Por qué Guerra de Almohadas?
2. ¿Cómo definirían su música?
3. ¿Cómo se conforma la banda?
4. ¿Qué bandas les parecen interesantes en el plano local y en el plano internacional?
5. La mirada en su música, pareciera hablar de problemas de clásicos de juventud, como aburrimiento, desidia, drogas, incomunicación o anorexia sentimental. Frases como “Buenas noches a las 3 de la tarde, prefiero pasar el resto del día en mi cama” u “Horas de drogas y alcohol, picadas en la ciudad, 210 por hora, cuerpos muertos por hora ¿Para ustedes, los momentos de creación se encuentran más en estados de pasividad cotidiana, o en la aceleración de la noche, con sus consabidos estimulantes etílicos y toxicológicos?
6. ¿Hasta que punto ven hoy en día a la TV o Internet, como formadoras de un imaginario social, más que la experiencia de la vida misma, en el sentido de cómo se construyen ideas erradas sobre el rock, a partir de lo que rota por las grandes cadenas, acerca del mismo?.
7. ¿Cómo ven a la mayoría de los adolescentes que se acercan al rock, ya sea para escucharlo o practicarlo?
8. Esa especie de oda musical que practican entre el guiño irónico y la devoción, por el Manchester y su movida musical; ¿Creen que es posible que se desarrolle a nivel masivo, en un país tercermundista como Argentina, con lo rudimentario que se ha vuelto el gusto popular, producto de la decadencia económica y cultural?
9. ¿Cuáles son los planes o expectativas a futuro?

1.Teníamos una lista de nombres bastante particulares y al final quedo Guerra de almohadas, que no nos gusto mucho al principio, pero con el tiempo nos cabió. No tiene nada que ver con el planetario.

2.NO NOS GUSTA DEFINIR LO QUE HACEMOS, NUNCA PENSAMOS AL RESPECTO, Y NO NOS INTERESA SEGUIR UN ESTILO O UNA MOVIDA. LOS DISCOS QUE MAS NOS GUSTAN GENERALMENTE NO TIENEN CONCEPTO O UN ESTILO FIJO, NOS GUSTA MAS LA MEZCLA.

3.JUMA: guitarras, NAKA: bajo, PAUL: batería, TOMI: voces, teclados y demás. Últimamente lo invitamos a Santi, un amigo que nos ayuda con la percusión.

4.De acá y de ahora nos gusta mucho Babasónicos, El mató a un Policía Motorizado, Paralelos, Victoria mil, Los Reyes del Falsete… Y de afuera escuchamos MGMT, Strokes, Primal Scream… después cada uno tiene gustos diferentes.

5.El mejor momento es a las 9 de la mañana de un domingo, sin poder dormir por la resaca. Ahí salen cosas copadas. Pero la verdad es que no hay mucho laburo en la composición, las letras generalmente salen de frases que va rimando Tomás y después con el tiempo saco alguna interpretación, que va variando y depende el estado de ánimo. Esta bueno que no tengan un significado fijo y que cada uno piense lo que quiera. El laburo verdadero está cuando armamos los temas en la sala, y ahí estamos bastante sobrios porque sino pifiamos mal.

6.Los medios están ahí desde siempre, lo que proyecten solo te afecta si sos medio boludo o no tenés iniciativa. Debe haber mucha gente a la que la música no le interesa en lo mas mínimo, no nos preocupa eso a nosotros. Cada uno sabe lo que es el rock, y si viene Google y te dice que estas equivocado y le haces caso, bueno, pegate un tiro que se yo. A menos que Google tuviera razón.

7.Y, generalmente confundidos, sobretodo para practicarlo y escucharlo. Podemos decir que escuchar música y ensayar ayuda bastante. Si escuchas cosas buenas y tenes una mínima idea, no es complicado hacer algo bueno, pero tenes que ponerte y hacerlo en serio.

8.No, acá esas movidas no existen. Un movimiento implica una gran cantidad de personas y en Buenos Aires hay muy pocos que hacen cosas serias. Lo que a nosotros nos gusta de Manchester es la fiesta, el movimiento general no lo tenemos muy presente. Stone Roses es la única banda que escuchamos de la época. Lo que pasa es que Manchester es un titulo copado para un tema.

9.Estamos ensayando mucho porque en febrero grabamos el disco. Y a largo plazo, un river, un velez. Y después conquistar el mundo entero.

Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 4

2008-11-28T21:13:00.000-08:00

Opus Freak Final
Para aquél tímido freak de los 80’, llega finalmente el tiempo de distensión y aceptación de sí mismo. Así decide mudarse a París, juntarse y de paso porque no animarse a tener un hijo. Así, luego de diversos experimentos solitas, con “Relaxed Muscle”, colaboraciones junto a Nancy Sinatra , los franceses Air y en el film Harry Potter y el Cáliz de Fuego aportando tres tema e incluso actuando en una parte de la película edita su primer álbum solista en el 2006 titulado simplemente “Jarvis”. La canción “Disney Time”, quizá resulte la síntesis perfecta de este momento de aceptación de alguien que predestinado al polvo, supo bajar bien parado la escalera de las fama. “I feel so much better, since I learned to avert my eyes, Now It´s disney time”. (Me siento mucho mejor, desde que aprendí a cuidar mis ojos, ahora es el tiempo de Disney”).
Jarvis Cocker, pareciera la muestra de aquellas personas que haciendo de sus defectos algo perfecto, logran en la capacidad de visualizar en imágenes cotidianas y simples, elementos mágicos. Superando un supuesto magro destino, emigrando hacia un lugar de mérito y triunfo artístico y captando con fila ironía o luctuosa perversión en sus canciones los estados anímicos de personajes comunes o vivencias personales. Sabiendo que una vez que había llegado, la retirada estaba a la vuelta de la esquina. Sin necesidad de autoincendio personal, pero con la convicción de que las cosas marchan a su debido tiempo, y que en el fondo vale el intento de contarle al mundo anhelos y sueños personales, más allá de que este siga girando de la manera menos convincente y conveniente.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 3

2008-11-28T21:09:00.000-08:00

Peregrino en la cuesta

Toda fiesta tiene su final. Así en los supuestos días de gloria, la resaca anímica y espiritual es cuestión de tiempo.
Recaído por los excesos toxicológicos, Jarvis aún muestra muñeca para darse cuenta de la funesto y fariseos que parecen estos supuestos años de gloria.
Así, elabora con los suyos “This is Hardcore”. El cuál más allá de la crudeza que evidencia su título, representa un mapeo claro existencialista y terrenal, (al contrario de Radiohead que busca el escape por fuera de lo cotidiano), de que ese supuesto paraíso edénico y socialista británico de días brillantes, era solo un erupto de paranoico cocaimáno.(“Glory Days, tiene en un single del disco una versión de idéntica composición musical pero diferente lirica y titulada “Cocaine Socialism”.)
Desde el inicio, el álbum suena luctuoso, como defenestrando cualquier intento de idolatría, sino mostrándose como un hombre como cualquier otro, que siente miedo, compasión, arrogancia o vergüenza, y que “no puede convertir el agua en vino, sino solo lavar los platos sucios” (“Dishes”).
Quizá a los 33 años luego de haber buscado tanto el reconocimiento, el sabor degustado le pareció rancio, y en el fondo la desesperanza y tristeza nos invade a todos por igual. La letra de “TV Movie”, resulta contundente: “Without you my life has become a hangover without end. A movie made for TV: bad dialogue, bad acting, no interest”. “Sin querer mi vida se ha convertido en una resaca sin fin. A movie made for TV: bad dialogue, Una mala película hecha para televisión: malos diálogo, bad acting, no interest.actuando mal, sin interés”. Pese a los méritos musicales This is Hardcore, resulta un fracaso en ventas comparado con Different Class. El encuentro entre incultos y alta alcurnia llega a su fin, y bajando la cuesta solo quedan por el año 98’, los restos de la fiesta de la Cool Britannia.
La revolución carnal y espiritual del Brit-pop, no tenía bases firmes ideológicas, y con el tiempo solo quedarían cenizas de su energía inicial. Jarvis se encierra, cada vez más en sí mismo, viendo como llegar a las estrellas, es más que nada en el rock, aspirar gramos blanco de su polvo, bien cerca de la vanidad obsoleta y lejos del fragor heroico que cambie las cosas para mejor.
Así, decide cambiar de vida, volverse vegetariano, refugiarse en paseos campestres y dejar las limousines por paseos en bicicletas.
Esta especie de volver a recrearse para purificarse, lo lleva a componer “We love Life”, editado en el 2001 y producido por uno de sus referentes musicales Scott Walker. Un álbum que parece no inscribir bien a Pulp, en la presente década, y que termina otorgando algún que otro chispazo en la balada “Birds in your Garden”, o “The Trees”, que hablan del estado botánico anímico de sus sentimientos por fuera del circo del rock. Con bajo número de ventas, termina su contrato con Island Records y Jarvis, decide tomarse un respiro y separar a Pulp.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 2

2008-11-28T21:05:00.000-08:00

Laborismo y Turra revolución
“Nosotros, y el presidente Tony Blair, estamos haciendo todo lo posible para que las cosas cambien para mejor. Viva el Brit-Pop, viva el New Labour”. (Noel Gallagher durante la entrega de los Brit Awards en junio del 95’).
Luego de Separations, Pulp consigue firmar contrato con Island Records. Así, luego de una serie de compilados, en dónde afinan su sonido o en todo caso lo reactualizan, siendo uno de esos raros casos, dónde bandas de otras décadas se inscriben de manera plena y moderna en la actual.
Así, la estética que se define en los compilados como “Intro”, no solamente muestran a la banda estilizado en un retro “Kistch”, sino que sus temas ya empiezan a sonar a obras personales, modernas y frescas, tal es el caso de “Styroloc Nites of Suburbia”, “Razzmatazzz” o “Babies”.
Así, encontrando su lenguaje musical que los llevaría a la fama mundial, Pulp sintetiza en los 90’, el origen, auge y decadencia de la ya legendaria “Cool Britannia” de los 90’.
Luego de casi 12 años, de férreo neoliberalismo conservador, los jóvenes ingleses quieren despabilarse nuevamente, como ocurrió en los 60’ y en los 70’ con el punk.
Extasis, raves y extensas y febriles salidas nocturnas, son la conducta a seguir férreamente por los jóvenes de las islas en los primeros años de los 90’.
Jarvis capta el espíritú de época, y los Pulp, lanzan His’n’Hers, un álbum que elegante que capta las vibraciones que se sienten entre el neón de las noches, con las hormonas que despiertan la nocturnidad buscando doncellas para domar, como también los maneísmos y estereotipos de estas. El disco suena como si se tratará del inicio de un nuevo espíritu epocal y existencial para los británicos. “Do you remenber the first time”, es el primer que consagra masivamente a Jarvis y Pulp. Logrando describir una vivencia universal y común, de manera concluyente y melancólica a la vez, sobretodo en ese final que narra “You wanna go home” (Tienes que volver a casa).
Mientras Blur y Oasis, se peleaban por un supuesto trono de papel, Jarvis y los suyos sacan hacia mediados del 95’, Different Class.
Dicho disco constituye la síntesis perfecta de lo que fueron aquellos años dorados del pop Británico. Sin darwinismo social, depositados hacia un costado los ilustrados y la gente de alta alcurnia como modelo a seguir, lo popular adquiere un valor agregado simbólico, y que más allá de la demagogia que implique constituye un estereotipo inimaginable años atrás, alentado en parte también por la nueva política laborista.
El álbum suena a plena obra temporal y contextual. Ya desde el primer tema “Miss-shapes”, la frase “Oh really. Brothers, sisters, can't you see? The future's owned by you and me. We're making a move, we're making it now, we're coming out of the side-lines.” (Hermanos y hermanos no pueden ver, el futuro para mi y ustedes. Estamos haciendo un movimiento y lo estamos haciendo ahora. Estamos saliendo de las líneas laterales”). Gran Bretaña, se ponía de vuelta a la cabeza del mundo como barómetro cultural. El partido laborista, era joven como el Brit-pop, a la vez que estos no se jactaban de ningún tipo de ideología nihilista o revolucionaria, sino plenamente hedonista. Festejando a puro reviente el presente, ya no había ganas de diferenciarse, sino de encontrarse más allá de todo diferencia cultural o social.
Differentt Class, capta plenamente eso, a través de la utilización de la ironía de aquellos que fetichizan a la tradicional cultura trabajadora como una especie de mesías a seguir.
“Comon People”, trabaja con ese concepto, a la vez que otros temas como “Disco 2000”, “Something Changed”, hablan de esa necesidad de encontrarse con el otro, más allá de que uno no sepa bien quién es, ni de quién se trata el otro.
En síntesis, “Different Class”, es el claro resumen de aquellos días festivos, de excesos y alegría, del encuentro del británico intelectual y pudiente con su clase trabajadora, de Ewan Mc Gregor deslumbrando a modelos, de Kate Moss tendida a los pies de Liam Gallagher, del freak, ridiculizando cualquier concepto de mito intocable para la música, (Jarvis mostrando su trasero mientras Michael Jackson, ofrecía su show en los Brit Awards 96’).

Jarvis Cocker: "Entre las ganas de pertenecer y la decepción de la adopción" Parte 1

2008-11-28T20:55:00.000-08:00

En la historia de los deseos y la realidad, entre los sueños y lo concreto, siempre lo primero parece imponerse a lo segundo. La biografía de Jarvis Cocker, parecería romper con todo este presupuesto histórico. Desde su armazón de hierro en los 80’, como freak denostado, hasta su metamorfosis como dandy aclamado en los 90’, elabora una carrera artística como si se tratara de un gitano explorador de los sentimientos propios y ajenos.
Así en dicha búsqueda, menguando entre la pesadumbre y la consagración, entre el abatimiento y el hedonismo, describió en sus canciones una carretera de emociones cotidianas, narradas con sensualidad, perversión y emoción, teniendo bien en claro en su recorrido, que uno no es nadie cuando llega, y menos aún cuando todos se fueron.

Luces de Faro, entre rezagados.
Margaret Tacher, Conferencia sobre el neo-liberalismo , agosto de 1982:
“La competitividad es fundamental porque sirve para separar el polvo de la paja, a los hombres de los niños, a los competentes de los incompetentes..Su única finalidad es la de gestionar todo tipo de recursos, sean físicos, naturales, humanos o Es nuestro deber celebrar la desigualdad y asegurarnos de dar proyección al talento y la destreza de los dotados para que abunde en beneficio de todos."
La primera ministra británica discípula expresaba a partir de estas palabras un discurso de corte plenamente Darwinista. Su programa para amalgar a la sociedad británica de dichos tiempos, cansada de los constantes fracasos del Partido Laborista, podría definirse con estas tres siglas. “NHA” (No Hay Alternativa).
Nacido en la fabril ciudad de Sheffield, el 19 de septiembre de 1969, Jarvis Cocker vio desde temprana edad, a la música como un refugio para paliar sus miedos y vergüenzas personales, y a la vez como manera de autentificar mediante la música el malestar que lo acogía desde su adolescencia.
Así, entre los escombros de las fábricas abandonadas por la crisis del petróleo, decide armar su primera banda denominada “Arabicus Pulp”, para después rebautizarla simplemente como Pulp.
Así, a principios de los 80’, e inspirados en tibias melodías folk y New Wave, lanza en 1983 “It” sin ningún miembro, exceptuando a él, de la formación que lo consagraría en los 90’. Toda esa susceptibilidad de aquellas personas de inestable personalidad y que no detenta la fortaleza para someterse al salvajismo régimen cultural de la nueva era Tacheriana, parece afectar a Jarvis, en un disco que suena a deseo por escapar de sí mismo. Así, los temas narran luces que iluminan un camino a medias “My Lighthouse”, ardor por la impotencia de no ser querido “Wisful Thinking”, y otros irónicos como el folk, “Love Love”. Más allá de cierta influencia del grupo Wham!, el disco resulta neutro emocionalmente y bastante discreto musicalmente, por lo que salvo Jarvis, el resto de los miembros abandona la formación.
En 1986, con la incorporación de Russell Señor y Candida Doyle, la banda lanza Freaks mediante el sello Fire Records. .El disco parece una obra “post dark”, en dónde se describe toda esa otredad que Tachert y los suyos deslindaban como supuestas atrocidades de la humanidad y sin chance alguna para la recomposición. Así, describe los salones de belleza como anoréxicos de espíritu, (“Anorexic Beauty”), “amos del universo”, que en verdad solamente son paladines de la masturbación (“Master of the Universe”) y “Fairground”, una especie de pieza tribal mística musical, que sintetiza el concepto de grotesco oculto bajo las frívolas alfombras del gobierno de la Dama de Hierro. La experimentación musical de “Freaks”, no termina de ser fina, perdiendo las canciones impacto emocional, cosa que desde una óptica más sintética y efectiva, podían realizar grupos más disciplinados musicalmente como The Cure con su “Kiss me, Kiss me, Kiss me” o New Order en “Brotherhood”.
Decide momentáneamente dejar la música y se muda a Londres junto con el futuro bajista de Pulp, Steve Mackey. Alentados por una sorpresiva convocatoria de Fire Records graban Separations en 1989, incorporando a Nick Banks en batería. Así, graban un disco que suena tenue o monocorde a nivel ideas, pero que cuenta con dos piezas magistrales, “My Legendary Girlfriend” y “Countdown”. La primera provocó que definitivamente Jarvis vuelva a apostar a la música como profesión al ser mencionada como canción de la semana por la revista NME, y “Countdown”, a través de meticulosas programaciones de caja de ritmos, burbujeantes teclados y acelerada melodía, permite que la voz de Cocker, finalmente explote de mantera plena, aprovechando esos fraseos desesperados, seductores y pegadizos.
Parecería que en el “conteo final” de dicho tema, hay un cierre y apertura a la vez. Cierre de esa sensación de sentirse aplacado por un régimen escatológico que ya no disponía ni de apoyo popular ni simbólico y terminación de cualquier tipo de duda existencial que atravesó a Jarvis durante varios años. Apertura de nuevos tiempos, los británicos sentían la necesidad de un cambio no sólo político, sino también de reactualización de sus histriónicas normas culturales. Los desplazados querían volver a mostrar voz, sin miedo alguno y alentaban una revolución psico-dinámica, no política ni ideológica, sino directa, turra y carnal. La letra de “Countdown”, sintetiza la idea anterior: “Keep very still, for the strangest things are about to happen."Oh I was seventeen when I heard the countdown start, it started slowly.That this time it was for real there was no place to hide. Oh so it went for several years I couldn't stand it. They say it's all a lie and now and now it's coming down. Oh baby now”. “Mantengánse muy quietos porque las cosas extrañas están a punto de suceder. Cuando tenía diecisiete escuché que la cuenta regresiva empezaba lentamente. Por lo que fueron esos severos años que no pude soportar. Ellos dicen que es todo una mentira y ahora se viene todo abajo. Si ahora nena”.

"El Adrogué Después"

2008-10-30T23:42:00.000-07:00

Los Reyes Del Falsete, Viva Elástico y Mármol R, encabezan el “Adrogue Después”, metamorfosis, del recordado “Adrogué Sound”, de los 90’.

Zona Sur, con base en Adrogué, y localidades aledañas, detenta la función de “ghetto” de manera positiva. En los 90’, teñidos de hedonismo e imágenes localistas surge el “Adrogué Sound”, de la mano de la Nueva Flor, (luego Victoria Mil), Copiloto Piloto, Paoletti, entre otros.
Devaluación monetaria mediante y consecuente decadencia cultural, la jactancia y presunción que escondían dichos tiempos, hoy resulta un total imposible.
El famoso slogan hedonista de los Victoria Mil “pierdan la plata, después tendrán mucha” de la canción “Esta Época”, parece quedar en la actualidad, totalmente fuera de contexto estético, musical y filosófico.
Desplazada la “anglofilia” de los 90’, como parámetro de construcción artística, las bandas que núclea actualmente dicho sector del conurbano, no le temen a lidiar con las contradicciones y virtudes de elaborar música desde un lugar periférico y tercer-mundista. Así, el “Adrogué Sound”, es sustituido por la denominación “Adrógue Después”, que sintetiza el fin de cosmovisiones haladas y egocéntricas de los 90’, y el inicio de canciones que narran historias de raíz más criolla y popular.
Los Reyes del Falsete, retrotraen el famoso “sixty A capella” de los años 60’, leyendo de manera personal, el manual de la ironía que acaparo a cierto sector de lo alternativo durante los 90’. Su lenguaje musical pareciera una especie de “infanticidio”, en dónde las imágenes retratadas, hablan de un mundo doméstico, proclive al fastidio, (“Me caes mal, realmente mal”,), enuncia la letra de “El Gran Cohete”, o la ironía, (“el pelo se cayo, la cara se cambio de forma” en “La Fiesta de la Forma”. Ellos, afirman la importancia de las vivencias en comunión con amigos y otras bandas al decir: “Existe una relación con Adrogué y las bandas, que no tiene que ver plenamente con lo musical, sino con todo lo demás, ya sean chicas, birras, salidas, etc”.
Mármol R oriundos de la localidad de Mármol y Viva Elástico provenientes de Longchamps, aparentan brindar imágenes de reencuentro con espacios e imágenes sentimentales, que recuerdan a los mejores tiempos del rock argentino de los años 80’, cuando lo importante era cantar canciones que retraten hechos y personas, parecidos a uno, y no el “yoísmo” atroz, de tiempos actuales. Si bien en ambas bandas, hay rastros de elocuente romanticismo, la búsqueda de imágenes de Mármol, es claramente purgatoria. Su música conjuga lo “tropical” con el recordado “Manchester” de los 80’, logrando un romanticismo puramente biológico y enérgico. Al hablar de su música cuentan que “nuestra forma de crear, esta muy relacionada con el deseo no concretado y la insatisfacción. Por ende, las minas que nos rebotaron, nos rebotan y nos rebotarán”. Como ejemplo de esto, vale la letra de “Así no se mata a un criollo”, cuya letra narra: “Y yo me volví, deprimido hacia el sur, y yo me volví angustiado y sin luz”.
Viva elástico por su parte, construye canciones que muestran cierta búsqueda de reconversión espiritual, por fuera del actual desenfreno carnal y posmoderno. Canciones como “Imágenes de Amor” o “Las Motos” que narra: “Después de tanto tiempo, vas a ver a la muchacha que te gusta tanto, juntos se deslizaran tomados de la mano, y al caminar verán que todo pasa rápido”, toman una veta filosófica de ensoñación casi “Hemingwayana”, (en referencia al escritor Ernest Hemingway), en dónde la desesperanza a la vez, genera marcos de retirada hacia un horizonte infinito de nuevas posibilidades. Alejandro Schuster, su líder y cantante, dice que “Si existe una idea de revolución, esta pasa por el hecho de escaparle a la masificación en todas sus formas, liberar sensaciones y derribar mitos”.
Fuera de todo pretencionismo estético o artístico, el desafío para esta nueva camada, pasaría por dejar a un lado, la timidez o “snobismo” que históricamente envolvió a todo lo que se deposite sobre los laterales del gusto popular. Así partiendo de su universo espiritual y artístico, la búsqueda debería pasar por lograr que su música termine siendo representativa de cualquier estrato social y doméstico, para terminar de superar el estancamiento que el “rock chabón”, depositó en el imaginario de los jóvenes argentinos en los últimos 15 años.
Bernardo Damián Dimanmenendez

Rock Emo Argentino: "Entre Disney y el Punk"

2008-10-30T21:54:00.000-07:00

El rock históricamente funcionó como una expresión contracultural, caracterizada por el rechazo a normas y valores sociales establecidos. El exceso de información actual construye culturas virtuales, que buscando cierta insurgencia expresiva, terminan naufragando en el marketing de lo predecible.

“No me siento bien, hoy perdí la fe, la suerte juega con cartas sin marcar, no se puede cambiar” (Andrés Calamaro, “Cartas sin marcar”, 1988)

El rock Emo es heredero directo del hardcore norteamericano, de bandas como Husker Du, Embrance o Fugazi, hasta llegar a la actualidad, donde los referentes son My Chemical Romance o Fall Out Boy, entre otras.
El emo adopta la praxis estética y filosófica gótica con que el post punk intentó renovar el punk, con la diferencia que la virtualización actual de sus referencias y prácticas produce un efecto no tan creíble para sus reclamos.
En un país tercermundista, como Argentina, la cuestión del gusto y aceptación de modas nuevas siempre pareció chocar contra el arcaísmo del sabor tradicionalista y misógino.
Hoy en día, entre el exceso de información, la decadencia cultural, la gula de la violencia, los “emos” deambulan en Argentina, entre el mote de bichos raros, y el desconocimiento concreto, de cuál es, (¿si lo hay?), su reclamo expresivo.
El emo argentino, a diferencias de los orígenes de sus antecesores hippies, punks, darks o alternativos, no utiliza el espacio social terrestre como manera de imponer una moda. Son tiempos de Internet y “revolución de dormitorio”, por lo tanto, se dan a conocer a través de las redes sociales de fotologs y myspace.
Las primeros reuniones de emos, en nuestro país, datan de principios de década. Las mismas se sucedían en disquerías, como La Lupita ubicada en la galería Labond Street o Coffe Mug Records, del coqueto barrio de Belgrano. Sin embargo, la primera manifestación clara de de rock emo argentino tardo casi un lustro en aparecer. La misma puede deberse a la falta clara de diferenciación entre los patrones que hacen al punk teenager criollo y el mismo emo. Romeo Tragedy, es la primera banda a priori emo que logra cierto destaque dentro la escena. Oriundos de la localidad de Villa Ballester, y con una formación clásica para el rock, (dos guitarras, bajo y batería), sus estribillos siguen la línea de sus referentes anglosajones o norteamericanos.
Otras bandas como Sweater, han mutado del “scream emo” (el subgénero mas tajante del emo, a partir de sus letras suicidas y gritos desesperados), hacia el “emo progresivo”.
En la actualidad, dentro de la escena parecen destacar bandas como Jordan, Buzzer, ArdeHollywood, y los recientemente separados, My Wish. Todas estas bandas parecen marcar una metamorfosis de las originales, en relación a dejar de lado esos estribillos estridentemente anglófilos y reemplazarlos por temas cantados en el idioma local.
Los códigos la construcción del lenguaje de las bandas, busca tomar elementos geográficos que retraten un estado gélido y solitario interior, clásicos del pesimismo adolescente. Así, la mayoría de los nombres adoptados para las canciones varían entre “Dejame Solo”, “Ningún Desierto” o “Peces de Jabón”.
En síntesis, el rock emo argentino, parece desde su génesis, tomar a la tristeza como si fuera un “menú a la carta”, y no desde un profundo replanteo reflexivo y artístico.
El punk represento, más en la corporalidad que en lo musical, una manera de manifestar un profundo desencanto hacia el porvenir de las cosas. Los darks, por su parte, continuaron dicha línea, pero narrando desde los sonidos musicalizados un estado de abatimiento interior, sin necesidad de tanta gestualidad corporal. Luego el hardcore, en los 80’, busca una profunda catarsis a través de una idéntica explosividad enérgica en los cuerpos y acordes. Todos ellos lograban que el desencanto tenga cierta validez, al sostener sus actos en un nivel de contracultura expresiva que se movía en espacios reales, concretos y no virtuales.
Los emos, por su parte, hijos directos de la globalización y los cibernautas, si bien intentan manifestar un estado de cosas, numerosas veces (como les paso a los punks, los darks, y también el hardcore), parecieran no superar la dicotomía punk (necesidad expresiva visceral, fuera de toda norma o consecuencia) y la cultura disney (esa que vende felicidad y tristeza, como si se tratará de góndolas de piercings o tintura para uñas y cabellos), que hace de la tristeza un mero ejercicio mercadotécnico. En síntesis, en la dicotomía de enfilar hacia un lugar real expresivo o quedar anclado en la fetichización obsoleta, parecieran estar “las cartas a marcar”, de la música emo argentina actual.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Músicos en la radio"

2008-10-30T21:49:00.000-07:00

“La Guerra del audio” y “Este asunto suena raro”, conducidos por músicos devenidos en periodistas, intentan a su modo, acercar de una manera más cabal al oyente con los músicos consagrados y emergentes.

La radio históricamente fue un lugar de búsqueda y devoción al mismo tiempo para los músicos. Ya sea como lugar donde sus canciones encuentren reconocimiento ajeno, como también para escuchar nuevas tendencias musicales.
En la actualidad la búsqueda de la radio por parte de los músicos, se ha modificado con la inserción laboral de muchos de ellos dentro de la misma, con la idea de analizar la música partiendo de su propio gusto y experiencias artísticas.
Como ejemplo de esto, podemos mencionar la labor de Dante Spinetta, en su programa “La Guerra Del audio” que se emite por la Rock&Pop en la madrugada de los sábados de 4 Am a 8 Am. Acompañado por su hermano Leeva como co-conductor, intenta mostrar la metamorfosis que sufrió el hip hop a nivel local, a partir de del auge de este género a nivel internacional.
Luego de los ridículos Sindicato Argentino del Hip Hop, que en su intento de difundir el género a nivel local, solo lograron conjugar burdas copias del mainstream norteamericano, artistas locales como Mustafa Yoda, o Frescolate logran hacer del “Freestyle”, algo más respetable y creíble para los adeptos argentinos de dicho género.
A la vez, la idea del programa, es poner todos los sábados, un tema de algún artista emergente del hip hop local, e intentar dar cuenta de la jerga que guarda el mismo, o festivales como la famosa “batalla de gallos”, dónde se elige anualmente al mejor MC argentino.
Así, se clarifica en parte, la lectura de un género de aceptación incipiente, que lejos de ser una expresión artística misógina u homofóbica, brinda la posibilidad de expresión más allá de la condición social o económica, siempre y cuando las rimas o versos, expresen situaciones o vivencias creíbles para el ámbito local.
“Este asunto suena raro”, es un programa que se emite todos los jueves de 22 a 24 hs, por FM La Tribu y es conducido por el ecléctico músico Lisandro Aristimuño, acompañado por “el chino” Santa Cruz.
Si bien, no parecieran hablarse de nuevas tendencias musicales a nivel local, la idea es salir de esa línea de respuestas para “cassette”, que suceden en la mayoría de los programas de rock, y ahondar en el imaginario de los músicos, que hace a la construcción de su identidad personal y su posterior formación como artista.
Dentro un ambiente intimista, que hace recordar a pasajes del primer Alejandro Dolina, el músico invitado al programa, tiene la libertad de elegir cinco temas favoritos y comentar el motivo de su selección. Además, surgen curiosidades o anécdotas que rompen la línea vertical de conductor-reporteado, transformándose muchas veces el músico invitado en inesperado conductor del programa.
La idea que parece sugerir “Este asunto suena raro”, es demistificar esa especie de respeto demagógico, que suele suceder cada vez que se reportea a reconocidos músicos nacionales, llámese Fito Paez o denomínese Vicentico, y mostrarlos como seres que en su cotidianidad detentan las mismas dudas existenciales que todos tenemos.
La idea del músico reventado por el exceso, que actuaba de manera cínica frente a la prensa pareciera ser una imagen, que por suerte, ha quedado en la alcoba de los recuerdos. Hoy en día, los mismos músicos cumplen funciones de prensa, con el objetivo de difundir los géneros que les apasionan o cotejarse con sus pares a través de entrevistas, que den cuenta de su ideología humana, más allá de su veta artística. Con los músicos insertados dentro de los medios de comunicación ¿estará Juan Carlos Badía pensando en empuñar la guitarra y tomar por asalto los escenarios?

Bernardo Damián Dimanmenendez
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"Legados, ficciones y realidades"

2008-10-29T16:16:00.000-07:00

Rusia y Abducidos, harán las respectivas presentaciones de sus discos, en el teatro el Cubo el martes 28.

“Toda Generación consciente o no, debe de manera simbólica y práctica aplastar a la otra, como manera de renovar el rock, y también los modos de entenderlo”(Malcon Mc Laren, 1977)
Han pasado más de 30 años, y las palabras de aquél maquiavélico y romántico a la vez, estratega del punk rock, parecen perderse en el muro de confort ideológico que marcó a la mayoría de los músicos de la generación de principio de siglo
Accidental de la agrupación Rusia y “Abducidos”, de la homónima agrupación, parecen en sus respectivos, discos darle un respeto a fórmulas, que para el rock actual, actualmente parecen superadas, y en consecuencia, añejas y gastadas.
Ambos despachan a partir de la génesis musical que los determina, (Folk.-pop-rock), en el caso de Rusia y (Space-sample-rock), en el caso de Abducidos, temas de un linaje correcto, pero que se apegan lírica, musical y filosóficamente, a conceptos musicales que listan de ser renovadores para la actual cultura rock, lapidada por la mercadotecnia artística y la ortodoxia estética.
En el caso de los quilmeños “Accidental”, las letras definen un universo, en dónde los riffs de guitarra, arreglos de teclados, y fraseos de bajo, se resumen en el transcurso temporal que va de la new-wave de fines de los 70’, pasando por el brit-indie de bandas como Ocean Colour Scene, hasta llegar al sonido Nueva York, de principios de la actual década. Sin embargo, el protocolo sonoro, solo parece hacer pie en temas como “No Molestes” o “Una Imagen no es lugar”. El resto de las canciones, parecen centrarse en tibias melodías Folk, o esquemáticos riffs de guitarra, que uno pareciera intuirlos antes de que los mismos se ejecuten. Las letras, hablan de cierta necesidad de insurgencia expresiva, como la letra de “Objetivo” que dice, “Vamos a ir directo al objetivo, no estamos dispuestos a escuchar tu opinión”, pero que luego se recuestan en la ya clásica meseta metafórica alternativa que se escucha en frases como “Superman ya te vi, creías en toda la institución de todo hombre que lucha” o “Gigantes flotamos hacia el cielo, deseo estallar”.
Oriundos de Castelar y Padua, Abducidos es un dueto actualmente compuesto por Marcelo Gómez y Federico Maqui. Se sitúan musicalmente en el sonidismo del sample, que acompaña a muchos amantes del kraut rock, y que hacen de los sintetizadores y las programaciones su mayor virtud.
El disco, suena homogéneo a nivel de concepto sonoro,(Daniel Melero colaboró en la pos producción), pero el efecto del mismo parece arrimarse a la vereda de la pose snobista, a partir de la constancia lírica por narrar situaciones abstractas de abatimiento que fueron sumamente retratadas por el “dream pop” y otros, a fines de los 80’. Las atmósferas musicales parecen conllevar milimétricamente esas pausas rítmicas, que hacen recordar a bandas como Resonantes, con la clara diferencia, que Flavio Etcheto y los suyos, constituían en aquellos “años dorados sónicos”, una plena “avant garde” filosófica, apoyados tanto en lo musical y estético.
Frases en temas como “Inconcluso”, “Sin previsiones, sin funciones, lo inconcluso gira a nuestro alrededor” o “Utopías” “No hay imaginación, nos da igual, tal vez”, suena hoy en día, más cliché que a certero reclamo artístico. Abducidos, retrata consciente o inconscientemente, un mundo artístico, que toma como padrinos musicales a unos “dietéticos” Babasónicos. Así su consecuente bajada de línea, parece responder más a un “sample artístico premeditado” que a una obra personal autárquica en dónde se proponga, un mundo personal y fresco, que brinde “aires nuevos” para el rock nacional.
A partir de lo mencionado parecieran surgir ciertas ideas:
1. Es un claro error pensar que el hi-fi, con el que trabajan muchas bandas, pueda solventarles la calidad musical de un disco, pues la imaginación siempre vale más que los medios.
2. El rock y los músicos que la integran deben entender, que entre el exceso de información (mp3,myspace, etc), hasta la asepticidad ideológica que promueven los sellos multinacionales o festivales auspiciados por gaseosas y celulares, la chance de integración o aceptación popular, es un gran engaño, en dónde querer ingresar a la fiesta, es salir a los segundos por la ventana del baño.
3. Todos los que integran el mundillo del rock (músicos, periodistas, organizadores, etc), deben empezar a comprender que la música hoy en día, por si sola no importa, sino esta sustentada por un compromiso pleno hacia la indagación personal, que los lleve a todos, a una catarsis artística y de profunda reflexión.
4. No se debe negar el pasado, pero tampoco se debe detentar la obligación de respetarlo de manera castrense al mismo, ya que sino, nos quedamos sin historias nuevas y emocionantes, para contar.

Bernardo Damián Dimanmenendez

10 años del Movimiento de Obreros Psicodélicos

2008-10-29T15:51:00.000-07:00

A punto de cumplir 10 años, los Dchampions terminaron de grabar su próximo albúm titulado “La Fe”.

El amor es una especie de religión posmoderna individualizada que nos convierte en protagonistas de nuestra propia novela, y que logra transportarnos a una dimensión sagrada, alejada de la gris cotidianidad de nuestra vida. Nos sirve, de algún modo, como un dispositivo para escapar de la realidad, análoga a los deportes de riesgo, las drogas y la fiesta.
A punto de cumplir 10 años como banda, y superando todo tipo de avatares, los Dchampions, de la mano de Santiago Rial, han sabido captar la esencia del barrio, la urbanidad y el “soul” trágico y alegre, que enmarca al mismo, de manera fina y personal.
Demasiados urbanos para la camada alternativa de los 90’ y demasiados blandos para la camada de rock barrial de dichos tiempos, los Dchampions navegaron a lo largo de su historia, condenados a una injusta oscuridad de parte de sus pares musicales y escuchas del under.
Santiago Rial habla de sus inicios y dice: “Luego de desarmar Perdedores Pop, decidí armar los Dchampions. El origen del nombre no tiene nada que ver con que fui un campeón de la vida o algo parecido, sino que a lo largo, de toda mi existencia pelee por mantenerme en forma, ya sea desde mi proyecto musical, hasta en mi modo de relacionarme con las personas”.
Con solo un disco editado, “Para las Chicas” (2006), y numerosas gemas guardadas sin editar como, “Radio Champion”, “La Estética del matrimonio”, o “Free Pop” (editado solo virtualmente por Mandarina Records), las canciones elaboradas, se enmarcan en la musicalidad “slowcore” de bandas como Galaxie 500 o American Music Club, pero desarrolladas y trabajadas al ritmo del pulso trágico y caliente latinoamericano.
Canciones como “Alta Onda”, “Virgen de Monserrat”, “La Chica más linda de Adrogué” o “Invasión Divina”, lo delatan como un perfecto “voyeaur” de los comportamientos histéricos femeninos, a los cuáles retrata mediante visiones anárquicas y personales.
El mismo alega: “Uno escribe canciones de todo tipo, pero quieras o no, la mujer es lo más lindo que se inventó. Entonces es una obviedad que se me generen imágenes en mi cabeza sobre las experiencias que tuve con el sexo opuesto, y que como resultado de todo eso salgan canciones, que hablan de la mujer, pero no de manera sexista, sino como un elemento revolucionario, que rompe con la continuidad de la rutina, ya sea para bien o para mal”.
Utilizando al amor, desde un sentido fugaz y heroico, los Dchampions de la mano de Santiago Rial, construyen su dispositivo artístico para paliar la monotonía diaria, (recordar frases de sus canciones como “La calle esta dura, hasta que te para Paula y te saluda”. Así se convierten en narradores anónimos de voces, personajes, fetiches y tertulias del barrio, que pese a los excesos y el velocímetro posmoderno, aún siguen pasando delante de nuestras miradas.
La espiritualidad de su música pone nuevamente en comunión la relación banda de rock- vecindad, (como sucedía en los 70’, con Almendra o Manal), a partir de mitificar todos los elementos y personas que forman parte del mismo, sin necesidad de caer en los excesos de la cultura barrial que acuño el rock chabón con su slogan impune “Vamos los pibes”,
Así, en el “neo-romanticismo” de su mirada sobre las cosas, acabaron de grabar su último disco, titulado la “Fe”, del cuál comentan que “La Fe, resulta un disco más misterioso, y menos expuesto que “Para las Chicas”. Hay cuestiones que se superponen como lo religioso en el tema “San Cayetano” o lo celebratorio de la fiesta como “Rarísimo”. No es que sea menos “up”, sino que intensifica esa atmósfera de sugestión apasionada con las cuáles retratamos muchas de las cosas con las cuáles convivimos e inconscientemente nos marcan, sean mujeres, vecinos, amigos o desconocidos”.
Con la sobredosis actual de fórmulas tendientes a repetir el valioso legado de Andrés Calamaro sobre mujeres, excesos y tics criollos, los Dchampions partiendo de visiones ensoñadoras que nutren el empedrado y la vereda de cada barrio, representan todo un ejemplo de cómo la “jaqueca” e impotencia diaria que atraviesan nuestros corazones, puede ser narrada con autenticidad y elegancia, fuera de toda bandera o filosofía musical, que dicta el “mainstream” actual.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Retros y estetas"

2008-10-28T11:50:00.000-07:00

Banda de Turistas, editó “Mágico Corazón Radiofónico”, quizá uno de los discos debut más esperados de los últimos tiempos del under local.

En el rock, siempre hubo tres cosas que hicieron que una banda llegue a los primeros planos: El magnetismo estético de sus integrantes, un buen corte de pelo y obvio lo mas importante, buenas canciones.
Producido por Tuta Torres y los mismos Banda de Turistas, el disco fue mezclado por Mario Caldato jr, (productor de Beastie Boys, entre otros), en tierras norteamericanas.
“Mágico Corazón Radiofónico”, consagra la buena lectura del manual del esteticismo en la música (ese que en el plano local va de Los Gatos a los primeros Babasónicos), y trae bajo el brazo, canciones de raíz retro pero que pueden celebrarse en el presente.
Ya desde el primer tema, “La Máquina Favorita”, y arropados en una lisergia beat, dónde los arreglos de voces, guitarras y batería, otorgan esa sensación de densidad, caos y algarabía a la vez, que hace al magma de la música psicodélica y su geometría de composición.
Llevado a un plano más festivo, y moog mediante, aparece uno de las canciones más celebradas del disco: “Un Verdadero Cajón de Madera”, resuelto por la agradable melodía de voz y guitarras (Luis Balcarce y Tomás Putruelle), más algún que otro chispazo de sintetizadores.
Bruno Albano, bajista y vocalista en la mayoría de los temas, narra desde un lado narcisista, sus experiencias de juventud, decorando estas con alguna que otra referencia al sol o elementos naturistas, como brisas, hojas y árboles. Así, delinea una cosmovisión que tanto trabajo la generación de los 60’, pero trayendo mañas de los tiempos actuales.
Como ejemplo de esto “La Máquina Favorita” narra: “Su odio matutino, su segundo nombre, y algún sueño vencido, lo acompaño muy bien” o en “Sueño O”, que dice: “Y luego creí ser el hijo del Sol, y le juré y regale el día de hoy. El me nombró dueño de toda flor”.
Dentro del panorama musical de “cancionata beat” matizada con atmósferas lisérgicas, también hay momentos para retrotraer algo del “kraut” de su primer ep “Cóctel de Instantáneo” (dónde muestran la influencia de bandas alemanas como Cluster o Neu!), a partir del tempo “motorik” de la batería y el bajo, como aparenta ser el instrumental, “El asombroso Misterio de la No Materia”.
Ese resabio de densidad musical, pero llevado a un plano más uniforme partiendo de melodías más gratas para el oyente, produce quizá los dos puntos más altos del disco como la antes mencionada “Sueño O” o “Mágico Corazón Radiofónico”, donde el narcisismo lírico suena un poco más áspero, bien logrado también por los arreglos de guitarras, que resuelve el tema con esos punteos que parecen extraídos de películas de “spaguetti western” dirigidas por Sergio Leone. Así, entre el clima apacible y alucinógeno del tema, el narcisismo lírico de Bruno Albano, adopta una postura más pícara que se sintetiza en la parte que dice: “Una chica distinta a la que soy yo, me explica algo de su interpretación y mi estadía en su habitación”.
Más allá, de algún que otro exceso de forzada madurez, como resulta la letra de “Todo Mío el Otoño”, (“Yo Creo que necesitas alguien que te aterrice el vuelo”), que pareciera ir a contramano de esas visiones personales y narcisistas, narradas en la mayorías de los temas.
Sin embargo y pese a esto, Banda de Turistas en su primera expedición sonora discográfica, parece arribar a buen puerto a partir del caudal para componer canciones agradables para el oyente, sin necesidad de recaer en parámetros excesivamente fetichistas o cómodos como suele suceder con la mayoría de las bandas de hoy, sean “indies” o populares. ¿Será “Mágico Corazón Radiofónico” una buena y definitiva lección para entender que la música es mucho más por si misma, que un buen corte de pelo y ropa llamativa?

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Tangueros Cósmicos"

2008-09-30T15:09:00.000-07:00

Poseedores de una música que mezcla la desolación cotidiana, con la fantasía que fluye por nuestras mentes, Prietto viaja al Cosmos con Mariano, emprenden su vuelo rumbo a tierras mexicanas, dónde serán soportes de Cansei de Ser Sexy, en el DF.

El sueño roto y el viaje más allá del inconsciente como almohada frente al dolor, pareciera ser las dos herramientas fundamentales con las que Maxi y Mariano, construyen la identidad artística de su banda.
Luego de sacar su último Ep (titulado homónimamente), y a partir de temas como “Verano Fatal” y “Avenida Corrientes”, las historias tangueras que narraban estados de insatisfacción permanente parecieran actualizarse en las letras de Maxi Prietto.
Por otro lado, no es un bandoneón, como ocurre con el tango, el que acompaña las historias, sino una guitarra y batería, que se mueven dentro de un espectro artístico escapista. Así, en la fuga, aparecen descripciones urbanas, simples y profundas a la vez, como narra Avenida Corrientes: “Noche de sábado en capital, fui a enterrar lo que seré, caminando por corrientes los tontos se mordían los dientes, y yo en soledad”. El día y la calle del festejo típico argentino, narrado desde el otro lado. El de la soledad, el desamor y la congoja por no poder ser parte de la fiesta. Las miradas urbanas de Maxi, actualizan las visiones que Manal, realizó con “Avenida Rivadavia”. Ya no hay felicidad hippie, “ni tiempo para “dormir al amanecer” como narró Cerati en los 80’, sino una voraz incomunicación que describe la profunda desolación posmoderna.
Respecto a la Ciudad como lugar de hábitat y fuente de inspiración Maxi cuenta: “Las letras no son buscadas, ni pensadas. Avenida Corrientes, la escribí en 5 minutos apenas cerré la puerta de mi casa. Lo que esta en los ojos influye y obviamente de algún modo eso se nota en la música. A la vez, que no es lo mismo, la ciudad para un pibe de 20 años, en los 70’ u 80’, que hoy en día.”
El tango reflexionó mucho acerca del paso del tiempo, esa mirada desgarradora sobre el paso del tiempo y el efecto destructivo que genera sobre las relaciones, las cosas o la vida misma, es claramente apropiada por Maxi, como manera de manifestar cierta impotencia contextual y expresar el “dolor de ya no ser”. Un ejemplo de esto podría ser la letra de “Verano Fatal”: “Los días duraban años, las noches duraban siglos, entre tus gritos y el mar, fue un verano fatal, con las resacas y borracheras, y yo me enamore de vos” o en quizá uno de los mejores temas de la banda denominado, “Divagando en el Salón Cosmico” que contiene la contundente frase: “Ahora me drogo con gente que no conozco, ni soporto, ahora me drogo pero no con vos”.
A la vez, la música que acompaña las letras, se construye a partir de un cierto “vuelo natural instrumental” de los dos músicos, sin que allá alguna forma astronómica predeterminada en sus sonidos. Esto se diferencia claramente, en la manera que tenía de cotejar sus miedos e inseguridades la vieja guardia de sónica de los 90’, en dónde constantemente se hacía referencia a geometrías surrealistas, “Cabeza de medusa, su boca es invisible” o superficies etéreas, “Yo siempre pude ver un mundo en que no estoy, son pájaros de miel”.
La transición que uno escucha en los escapes musicales de la música de Maxi y Mariano se acompaña de balbuceos que no representan ningún idioma, ni tampoco ponen en juego, situaciones o personas descriptibles, sino solo su cosmovisión personal, como manera de auto escape de ellos mismos y la realidad que la rodea.
En síntesis, entre la crudeza de la realidad, y la fantasía de elevarse a través de su música, Prietto viaja al Cosmos con Mariano, parecen comandantes de una nave musical que planea por terrenos musicales que podrían ser una suerte de “tango espacial”, renovando con sensible picardía, los parámetros para abordar al rock y tomando como musa inspiradora al arrabal de la vida misma.
Bernardo Damián Dimanmenendez

"Himnos musicales para la juventud"

2008-09-30T15:02:00.000-07:00

El Mato a un Policía Motorizado, comenta como fue su evolución musical desde su inicios a la actualidad y sus opiniones acerca del estado actual de la escena under.

Hacia el 2003, la escena del rock local, se encontraba frente a interrogantes de acción de todo tipo. Por un lado, la transición de los grupos del nuevo rock sónico había quedado definitivamente truncada. Por otro, la nueva generación musical no podía enhebrar parámetros de construcción artística para lograr arrimar su música a niveles medianamente populares.
Así, el indie-rock, veía como su exceso de languidez, era aprovechado por el rock barrial, de manera contundente y diversas bandas se ponían al frente de un exceso sin retorno que llevaría al ya consabido fatal desastre de Crogmañon del año 2004.
El mato a un policía motorizado, utiliza un lenguaje musical indie, pero enfocado plenamente hacia lo emocional de las canciones, esas que agitan brazos y aceleran la sangre de los corazones.
A casi un lustro de la formación de la banda, afirman que la principal evolución fue “conocer una especie de espíritu central que nos une, y que a la hora de componer o tocar en vivo hace que todo sea más productivo, armonioso y divertido”.
Con la edición de “Navidad de Reserva”, (continuada luego con “Un Millón de Euros”) iniciaron una trilogía musical que habla sobre el nacimiento, la vida y la muerte. En vistas del esperado cierre de la misma anticipan el título de su próximo disco, denominado “Día de los Muertos” y nos comentan como surgió la idea y cuál es el concepto central que atraviesa dicha trilogía musical. “La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio. A la vez, readaptamos la idea de esos tiempos al contexto actual con una estética mas argentina, de calor, decadencia y amor violento”.
En relación a la manera en que han logrado reconvertir esa idea de abatimiento que agrupaba a la escena indie en los 90’, logrando que su música logre arrimarse al gusto masivo y popular, sin caer en el chauvinismo, su líder Santiago Motorizado alega: “No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala. Creo que en los 90’s Radiohead, gran banda de la cual era muy fan, marcó a muchos y seguramente la tristeza que sentía Tom Yorke, contagió a todos, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes”.
Intentando encontrar el hasta ahora imposible punto “G” del rock, ese que haga unir el gusto del público por las bandas “maisntream” del rock argentino con bandas de la nueva escena, opinan al respecto: “Quizás en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Quizá Babasónicos, a pesar de estar cada vez más súper prolijos, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie. Más allá del under o no under, hay gente que hace un arte hermoso y genial. Uno por ejemplo va al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ve algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos o Prietto, que separan claramente las estupideces que te pasan por los canales de música”
En síntesis, El Mato a un policía Motorizado marca varias pautas de redescubrimiento artístico para el rock argentino (como el Kraut-rock), y arenga a toda una generación joven a construir musicalmente fuera de todo cliché anglosajón que históricamente tiño al rock local y quizá lo mas importante :
La sensación de que es posible formar una banda con amigos, y hacer de la misma un producto artístico personal y sumamente valioso, que marqué toda una era. Algo que los fanáticos de la música como ellos, anónimos o yo personalmente, siempre anhelamos y soñamos desde chicos.
Bernardo Damián Dimanmenendez

"El camino de la canción melónama"

2008-09-30T14:52:00.000-07:00

Les Mentettes, lanzo su primer Lp, “Let´s Mentettes”. Con ángel propio para la sutileza melódica, el disco se construye de manera personal, sin obligación alguna de mostrar formas novedosas para el rock, sino con el objetivo de resaltar que lo importa son las canciones empalagosas para los oídos, que nutren al rock desde hace más de 50 años.

En los últimos años, el rock ha navegado en una intransigencia por descubrir nuevos mapas sonoros, a partir del fin del disco como concepto artístico y comercial en la música, el auge del mp3 y la proliferación de estilos poliformes, más allá de un género determinado. De este modo, la ideología de los músicos ha pasado por releer los casi 50 años del rock, para que a partir de su melomanía, puedan definir patrones de composición.
Numerosas veces la indulgencia y soberbia de los mismos, produce obras excesivamente pretenciosas, en lugar de discos frescos y personales.
Producido por Mariano Esaín, quien posee la justeza para llevar a un sonido “hi fi”, las ambiciones sonoras de las bandas “indies” de la escena porteña, sin afectar por esto, la esencia musical de las mismas o depositarlas en un plano, dónde el sonido sea más importante que la arquitectura personal de las canciones.
Si bien desde el vamos, el disco de Let´s Mentettes no intenta cambiar o revolucionar el actual panorama de la música, su relectura de diversos géneros musicales, como el Folk., el new romantic, el cocktail de salón y el brit-pop, convierte a sus melodías en respetuosas y amigables para el oyente.
A partir de un cuidado de cirujano de las armonías vocales, y los arreglos de teclados y piano, sumado a elementos que adornan vistosamente la canciones, (como lo pueden ser el xilophón o el Kazoo), la banda retrotrae esos paraísos de elegancia sonora iniciada allá en los 60’ por los hermanos Davies de los ya legendarios The Kinks, y que en los 90’, fue continuada, entre otros, por el líder de los Divine Comedy, Neil Hannon.
Conjugando perfectamente el pulso rítmico de la música de salón, con la estética dandy que pregona el mismo, aparecen piezas musicales como “Hold On”, “Tell Me” o Earth Inc.
Y esto es quizá lo más destacable de Les Mentettes, la flexibilidad para construir canciones, que fluctúan entre la seducción bailable, y la melancolía fina y con altura, que permiten que sean escuchadas en una pista de baile, como en una reunión amena entre amigos
También, el retro-folk modernista que trabajo Beck en discos como Mutations, es aprovechado por esos paisajes relajados, que se escucha en las voces, y en los arpegios de guitarra, de temas como “Folky” o “I Got No Money”.
También hay dejo para el soul meláncolico de bandas como The Specials, que funciona como contrapartida de la algarabía social y el cocktail del salón del baile, es decir la soledad y reflexión “post fiesta”, que asoma claramente en temas como “Mona” y “1953”.
En síntesis, el primer Lp de Les Mentettes, resulta un disco que va mucho más allá de un concepto estético o sonoro de época, sino que representa una obra dónde lo nuevo, deja paso a lo “neo”, para intentar mantener la frescura de la canción, fuera del cliché “flogger” de formas y contenidos, que tanto viene caracterizando a las mayorías de las bandas de la escena under porteña. Sólo como observación negativa, podría mencionarse ese intento “internacionalista” de cantar todas las canciones en inglés, cuando por capacidad propia y dotes musicales naturales, podrían llegar a ser unos dignos narradores contemporáneos y vernáculos de historias criollas, que tanto escasean hoy en día por estas tierras.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Indie-pendiente"

2008-09-18T00:33:00.000-07:00

El sello independiente Laptra es una clara muestra de esa disputa que se libra dentro de la industria de la música para preservar la libertad artística de los lineamientos dictatoriales que termina por deformar la originalidad de los músicos y sus respectivas obras. Una batalla que empieza a nivel local, en los años 60 con el nacimiento del sello Mandioca, toma nuevas formas con el auge de lo “indie” en los 90’ y que en la actualidad con Laptra Discos, ofrece un panorama donde la esperanza y la pasión, chocan contra la ingenuidad y los límites presupuestarios.

Hacia 1968, Pedro Puyo junto a Jorge Álvarez impulsa el nacimiento de la discográfica Mandioca, primer sello independiente de nuestro país, con el objetivo de “impulsar la edición y difusión del rock de artistas nativos con formatos diferentes a los establecidos por las grandes compañías
Muchos de ellos con el transcurso del tiempo se transformarían en hitos del rock nacional, como Manal, Vox Dei, Pappo o Tanguito.
En los 90’, la palabra independiente vuelve a adquirir vigencia a través de la intensa movida que se vivió en la primera parte de dicha década, mediante espacios como la revista Ruido o el sello Plot!( integrado entre otros por Sebastián Carreras, actual responsable de Indice Virgen) y movidas que se gestaban en lugares como el Cine Cosmos, La Aceituna Psicodélica, Ozono o Sarajevo. Sin embargo, el destino de los independientes de ese entonces concluyo con un rotundo “Ni”, entre los problemas para hacer de ese circuito “collage”, (integrado por universidades, sellos pequeños, centros culturales, músicos, managers y organizadores de festivales), una conglomeración efectiva que logre desarrollar de manera eficiente los canales de distribución, para que los artistas lleguen a un público masivo, como ocurrió con la escena “indie” norteamericana de los años 90.
La Plata parece estar relativamente cerca de ese universo collage antes mencionado. Ya sea, bajo la bandera del rock férreamente sanguíneo (los Redondos), o de la elegancia (Virus), su escena musical, siempre supo evolucionar haciendo que las propuestas suenen actuales en relación con los tiempos que corren.
La Ciudad platense, presenta una estructura dinámica social particular, debido al fluido contacto que hay entre los universitarios y el rock. Además son numerosos los chicos del interior fans del rock, que van a la ciudad a estudiar (recordemos que la banda de culto platense Las Canoplas, estaba totalmente integrada por estudiantes del interior que se conocieron en La Plata).
Hacia el año 2000, Cobra Discos era un pequeño sello de La Plata, sin ninguna expectativa de bofetazo para despabilar a la escena musical de ese entonces. Sin embargo, y luego de la primera edición de los discos de El Mato a un Policía Motorizado, Cobra Discos se convierte en Discos Laptra.
Su denominación no obedece a ninguna razón en particular. Sus tres principales responsables artísticos Santiago Barrionuevo, Javier Ripoll y Shaman Herrera, aseguran que “buscaban una identidad pseudo corporativa, con una sigla y un logo genéricos, que cumplan una función de parodia”.
El contenido artístico es definido bajo la clara normativa de “Libertad Total”.
Con un catálogo disponible de 18 artistas, los discos que deciden editar, asegura Javier Ripoll (cerebro y alma de los 107 Faunos), “lo realizan a través de una charla con los que empezaron el sello, y después se vota como una junta directiva aleatoria, sin jerarquías”.
En Laptra tampoco sucede, (como ocurre con muchos artistas de los sellos multinacionales que son obligados a deformar su identidad con el único objetivo del beneficio económico), modificando su contenido y estética original. “Los artistas de nuestro sello determinan de manera independiente el contenido y estética del albúm, con plena autarquía y libertad. Lo que importa es la actitud”
Los artistas de su catálogo, aseguran los tres, “en su mayoría son descubiertos en primera persona o compartiendo escenario”, desdeñando la fangosa tarea de andar lidiando con terceros, que termina por lo general, complicando las negociaciones. “No somos cazatalentos, somos artistas que buscan lazos fraternos con bandas que nos llaman la atención”, comentan al unísono.
Generalmente en la historia del rock, los pequeños sellos de un contenido uniforme y respetable, terminan siendo absorbidos por las grandes corporaciones discográficas (recordar el famoso caso de Factory Records, que acabo quebrando y otorgando por “monedas” su catálogo a London Records.
Para evitar estas magras consecuencias, muchas veces los sellos independientes apelan a subsidiarias, para que los ayuden en las tareas de distribución o ampliación de recursos económicos. Los tres al mismo tiempo, responden con ofuscación y sinceridad alegando que “La idea es mantenernos alejados de los grandes sellos. Los sellos grandes, agarran a un artista, tratan de exprimirlo en el momento y después lo patean. Mas allá de las dificultades de financiación, la idea es trabajar a largo plazo. De todas formas, nadie vino nunca a ofrecernos nada”.
Entre los artistas descubiertos recientemente y sobre los que reposan importantes expectativas mencionan a “Los Reyes del Falsete, Minicomponente, Aviones del Futuro, Viva Elástico, Saurus Breton y Tengo un grupo Musical”.
Luego del fracaso de los 90’, la escena “indie” cambio sus rasgos originales “Sodaesteristas”, que hicieron que muchos la tomen como un lugar para el alarde de snobs o intelectualoides de poca monta, por un discurso mas directo o laxo, en sus formas estéticas y de contenido. Con el acercamiento a sectores mas populares, ¿Seria posible hacer del “Nuevo Indie”, una plataforma hacia un real encuentro con bandas populares como La Renga o Los Piojos?
Con humildad y cierta ingenuidad, responden que “No es un objetivo del sello lograr la masividad, si que nuestra música circule por la mayor cantidad de canales posibles, pero sin una estrategia de marketing definida. No estamos en condiciones de cambiar la indiosincracia del publico argentino, y tampoco es un objetivo”. Si alguna de nuestras bandas llega a ese supuesto punto de encuentro será una casualidad, no una búsqueda deliberada, incluso a veces pasa que bandas de “ghetto” como Los Redondos, fueron masivos luego. Todo es una cuestión de azar”.
Bernardo Damian Dimanmenendez

Trovadores del Lustro "K":El Mato a un Policía Motorizado

2008-09-16T23:42:00.000-07:00

1.¿A un lustro de la formación de “El mato”, cuál fue la principal evolución de la banda durante este tiempo?

Creo que principalmente conocer mejor una especie de espíritu central que nos une, más allá de los gustos particulares de cada uno, eso hace que a la hora de arreglar y darle forma a las canciones sea mas productivo y armonioso. Después en vivo también todo es mas cómodo y divertido.
2. ¿Cómo surgió la idea de realizar una trilogía que hable sobre el nacimiento, la vida y la muerte?
La idea nace de querer hacer discos con personalidad, que el álbum sea en si una obra, con cierta armonía en el concepto principal. Lo primero que salió fue la idea de un disco de navidad, yo estaba escuchando bastante Elvis y Beach Boys, y veía como en una época era un recurso comercial casi obligatorio, salían cosas muy buenas y mucha basura, claro, pero como siempre. Esta buena la idea de hacer eso ahora, fuera de contexto, con una estética más argentina, de calor, decadencia y amor violento.
3.¿El rumbo musical del cierre de la trilogía con el próximo álbum a sacar, respeta lo anterior o van a experimentar nuevos caminos musicales?
Siempre la idea es que cada disco tenga su personalidad, que corresponde básicamente a esa temática disparadora de cada parte de la trilogía. El nuevo disco habla de la muerte y del fin del mundo. Así que en lo musical la idea fue seguir ese rumbo.
4.“El mato” para muchos pareció reconvertir esa suerte de pose lánguida que acuño el indie en los 90’, por una faceta más popular. ¿Qué opinan respecto a esto? ¿Qué recuerdan de las bandas de dicha época?
No recuerdo mucho, porque era mas joven y mi memoria es mala, pero en La Plata siempre fue un poco así, todo mas ocasional, desde las producciones de recitales hasta en la postura de los músicos, con tranquilidad. Creo que en los 90s Radiohead marcó a muchos, gran banda de la cual era muy fan, y seguramente Tom York tenía problemas y sentía tristeza, seguro, pero como que todos empezaron a sentir tristeza, lo cual está bien, porque es contagiosa, pero después de llorar mucho en el pecho aparece un poco de alegría de contraste, que es la mejor, y entonces te dan ganas de salir a festejar con los pibes.
5.¿Es posible lograr un punto de encuentro entre bandas provenientes del nuevo indie, y las bandas del maistream popular?
Quizas en el pop mas puro, hay similitud, en el rock no lo veo. Por ahí Babasónicos, a pesar de estar cada vez mas “super prolijos”, mantengan en sus canciones un poco de espíritu juvenil y rock indie, me cabe la canción que dice.. “me gustas tanto, quisiera aprenderme tu nombre”… alto hit.
6.¿Qué título va a llevar el álbum que cierra la trilogía?
Día de los muertos
7.¿Han girado recientemente por Brasil y Chile, tienen previsto girar por más países de Latinoamérica?
Nada concreto por ahora, pero claro que nos gustaría y ojalá que salga algo
8.¿Cuáles son para ustedes y debido a qué motivo las bandas que últimamente más proyección ven que pueden tener dentro de la escena “under” local ?
Te puedo hablar de bandas, pero que son geniales, y más allá del under o no under. Gente que hacer un arte hermoso y genial, pero genial de verdad. Por la tele ves a My Chemical Romance y después vas al Club Alumni, un sábado a la madrugada y ves algo bueno en serio como Viva Elástico, Los Reyes del falsete, Marmol R, Minicomponente, 107 Faunos, Prietto viaja al cosmos con Mariano, Shaman y los Hombres en Llamas, La Patrulla Espacial, Go Neko!, Mujercitas Terror, Reno y Los Castores Cósmicos, Demencia, Telephone y muchas mas, por suerte para todos.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Trovadores del Lustro "K": Atico

2008-09-16T00:38:00.000-07:00

1¿Qué es la música para ustedes?, ¿Un lugar de escape del contexto en el cuál se enmarcan, una extensión del mismo, o una mezcla de las dos cosas?
Digamos que es un soporte dinámico. Pues se extiende en el tiempo. Nos permite reposar sobre ella, siendo que a la vez te pasa por encima. Funcionamos como “caño” por donde baja esa música. Todo lo que pasa” arriba” pasa “abajo”. Electricidad sentimental-espiritual, si así lo preferís . Un elemento revelador. La materialización del yo transpersonal (abstracto) como hecho, descarga.
2¿Para muchos escuchas del disco, de la manera que están trabajadas las guitarras, recuerda a cierto pasajes o conceptos sonoros de otras décadas (como podrían ser el “noise” de fines de los 80’ o principios de los 90’ ). ¿Podría entenderse su disco como un relectura personal y actual de esas décadas o nada que ver?
“El trabajo de la guitarras recuerda a….”, después de hechas las cosas suele pasar esto que nos preguntas.Que recuerda a algo.
En los momentos de creación (que son variados) se trabaja con lo conciente y lo inconciente. Si bien hay búsquedas claras, bandas o sonidos que se toman de “ejemplo”
hay cuestiones que están hechas con las limitaciones de cada uno y de ahí lo personal. Por ahí antes de tocar algo ya lo ténes en mente y te avalanzas sobre la búsqueda.
O en medio de una búsqueda(ensayo) se te van apareciendo esbozos que vas modelando. Las influencias están ahí. Vos ves hasta donde se hacen parte tuyo.
Lo de relectura me suena muy formal para la forma en que se fue generando esto. Pero va bien.

3. Con relación a las bandas sónicas de los 90’, ¿Qué piensan acerca del destino de las mismas en los 90 (exceptuando el “triunfo traicionero” de los Babasónicos, devenidos en “Babacínicos”,), ¿Porqué piensan que bandas como DDT, Peligrosos Gorriones, o Suárez no llegaron en su plenitud a un público masivo en aquella década? ¿pueden atribuirlo a causas culturales como el menemismo y la dinámica de lenguaje más laxa del “rock chabón” u otra cosa?)
Y , estas bandas que mencionas parece que no pudieron con su propio yo. Cuánto mas talento hay reunido en una banda mas difícil se hace la combinación de partes. No imposible si difícil. Quizá en algunos casos la”lima”, la desconstrucción de formas que proponían (más los peligrosos) se va transformando en una cosa heavy, pesada para sostener. No podes estar toda tu vida machacándote de lo lindo, deformándote y deformando tu arte. Siempre dejas algo a cambio, el cuerpo, la mente , tu gente, no se; siempre , y mas en estos casos vas dejando al tuyo a cambio, y ese algo quizá no lo querías perder. Y ahí saltan un par de fichas.
Lo del contexto de esa época debe haber sumado, por ahí necesitaban mas tiempo para ser masivos.
Igual acá, como en la mayoría de los centros urbanos lo que prima no es lo que esta estilizado, o como lo quieran llamar,(música hecha con el corazón). Es normal. El caldo cultural de la argentina de los 80´s se derritió y lo que quedo en el piso , es del piso.
¿Como haces para ser “Los Brujos” 20 años? ¿Vos te la aguantas?

4. Si bien hay puntos de coincidencia en lo musical con respecto a algunas de las bandas nombradas. Las letras describen un mundo rupestre más reconocible en sus letras como por ejemplo el tema “Amarillo”, en dónde la letra dice: “Esta ciudad padece un fantasma, La novedad, es que “el bondi no pasa más, nada más”. ¿El concepto de hedonismo (o rock igual a drogas, exceso y lujuria), no es una meta, como si soñaron muchos de la generación sónica vernácula de los 90’ , sino que su música¿ puede ser concebida como una reacción a la emergencia y crisis de valores que lapida todo sueño lujurioso o vanidad desde el principio?

Tiene que ver con lo que estamos conectados y con lo que no queremos conectarnos. Hay cosas que duele verlas, saberlas, hechos prácticos de la vida en una ciudad. Si hay cuestiones rupestres. También es una reacción como bien decís.
Reacción a ciertas cuestiones que también pueden ser bellas al verlas o sentirlas, como que tu ciudad padece de un fantasma, o estar sin agua un mes y medio. O esperar que vuelva alguien. Es cierto que salen desde un lugar en el cual no importa mucho si va primero esto o aquello. No hay muchas “reglas”, formalidades, en cuanto a las letras.
Símil a lo de las guitarras.

5. ¿Cómo fue el proceso de construcción y producción del disco?
Entretenido. Después de grabar el Ep Autopistas vimos que se venia un disco.
Ya había unas cuantas canciones dando vueltas, y se fueron arreglando en los ensayos.(largos y muchos sin horario, de a dos , de a tres)
Al tener unas doce hechas decidimos ir a grabar a lo de Alfredo Calvelo (Ep autopistas) ,pero al tener poco dinero lo que hicimos fue ensayar unos meses como si estuviésemos en el estudio. Le calculabamos 10 horas de estudio. Poco, eso es muy poco. Pero bueno.
Grabamos 8 canciones y un track en 10 horas. Calvelo nos decía,” son unos pungas, esto no se hace así”. De ahí no fuimos a lo de Shaman herrera. El ya hace unos años nos había dicho que le interesaba grabarnos o hacer algo juntos. Y así fue. Se integro a la banda. Productor artístico lo que se dice. Nos alentó mucho, canto un poco y entre todos fuimos mezclando y dándole rosca al disco, esos meses con Shaman fueron geniales. Cualquier persona que lo conozca te va a decir que es un tipo increíble, con un corazón enorme, muy conectado con el ser.
La grafica la fuimos armando con Fran (batero) y de ahí a la fabrica.

6. En La Plata y zona sur (adrogué, turdera, temperley, lanús y longchamps), parece haber una dinámica diferente en las maneras de trabajar y acercarse al rock de las bandas. Esto se debe a que hay una mayor fluidez entre las bandas, o que en el post-cromagñon, en Capital Federal, generar movidas esta cada vez más complicado?

Y si, acá no se dejo de tocar, y como es un cuadrado en el que todos se van conociendo se van armando pandillas que se juntas y separar según las estaciones del año. Buena Onda. La envidia al talento ajeno es una estupidez enorme. Hace nana.

7. Otra diferencia marcada, es que el indie rock, siempre conllevo un concepto de “ghettismo”, o sectarismo que implico cercenar posibilidades de llevar dicha género musical a un mercado masivo. ¿Qué opinan ustedes del camino iniciado por El mato, en relación de llevar dicho tipo de música a lugares más populares?. ¿Coinciden con este tipo de filosofía práctica o piensan diferente?
Coincidimos, somos otra gene esta claro. Pero si, ellos se dieron a la ciudad sin mucho preámbulo de nada ni enrrosque. Genial. El pueblo rockeando.
8. ¿Cuáles son las bandas locales que están escuchando o que más les interesaron últimamente?
El otro día escuche el ultimo de Juan stewart, muy bueno, se viene el tercero de el mato , el de Sr tomate, Shaman y los hombres en shamas, la patrulla , 107 faunos.
Banda de turistas.
9. ¿Cuáles son los planes a futuro, luego del reconocimiento mediático positivo del disco?
Estamos disfrutrando del disco y lo que eso provoca, es lindo ver que podes hacer subir a alguien. Y como decíamos al principio también estamos juntando las partes que fuimos perdiendo en este camino, reciclando el tiempo y seguir tranquilos. Se vive a un ritmo muy veloz últimamente,eso… viste…

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Campeonato, competencia y petulancia"

2008-08-31T20:31:00.000-07:00

En el marco del Turdera Fest. 3, se demostró que la competitividad, (sana y no tanto), es buena cuando de rock se trata. Así, entre las cinco bandas que se presentaron, la victoria dentro de este mini-torneo musical, fue para el regreso de los D-Champions, que brindaron un show corto y directo, en dónde su “neo-romantic suburbano”, le sacó brillo a cada rincón gastado y oxidado del Club Alumni.

El Turdera Fest. fue originado con la idea de que los festivales de música, vuelvan a respirar ciertos aires ideológicos de contracultura, y romper con toda hibridez o timidez actual, sin pensar en que las heridas emocionales, sean de complicada sutura y curación. En síntesis, el Turdera Fest., propone desde su humilde lugar, una vuelta a que el encuentro entre músicos y oyentes, dispare sensaciones de pertenencia, y que en la socialización de los mismos, el término escena y sueños nuevos, no parezca un cartel de alguna publicidad mercadotécnica para “púberes tvdependientes de Sonny Channel”.
La música y el rock más precisamente, necesitan recuperar ese “halo ideológico”, para separar, (incluso rozando la bravuconada beligerante y purgadora, que siempre marcó a emergentes escenas musicales), para que nuevamente tengamos una visión eficaz y clara, que haga distinguir fácilmente al público de rock, la paja productiva del polvo estéril e infecundo. En síntesis, para delimitar bien, lo que va de lo que no va.
Así, entendiendo desde un concepto contracultural y tomando lo ideológico, desde el concepto clásico que sirve para visualizar un marco de acción, y luego ir armando un plan para cambiar el status quo imperante, (en este caso sería el “mainstream musical”), el Turdera Fest., desde su marginalidad de medios y periferia simbólica, constituye de manera imprevista, un lugar de peregrinaje mágico para bandas que encuentran un lugar para cotejarse con pares en similares condiciones materiales y de medios en pos de que sus voces se escuchen.
Lejos del “ghettismo” filosófico que implica un “autoapartheid” para su arte, y aún más lejos de la “dietética actitudinal y disciplinaria” que implica, “la palermidad”, con Niceto como cónclave de todo, el Turdera Fest., sin querer y casi de manera espontánea, entre lo ridículo de su denominación y el misterio y lejanía que implica la localidad de Turdera (casi una comarca hobbit, en medio de zona sur), hace que el magnetismo y la fascinación (a veces exagerada), igualmente aporte a la leyenda de este Festival de Emergencia Musical (en el sentido de la necesidad expresiva que impera cada vez que toca alguna de las bandas).
Casi después de más de 8 meses, los Dchampions en apenas seis temas, se llevaron todos los aplausos a partir de esa voz de perversión misógina que exhala Santiago Rial, apoyado en el impecable trabajo de su bajista (Mauro) y baterista (Emiliano).
Es imposible que haya soul, en los Dchampions. Hay demasiada ideas permeadas bajo los paisajes neblinosos de la lisergia, y también del pictoricisimo agreste y decadente del conurbano, (no cosmopolita). Así, su música es una visión personal de romanticismo, entre lúdico, sexópata, candoroso y fastidioso, en síntesis, música “neo-romantic”, sin glamour de ropas, pero con la elegancia de lo que el alma y el corazón puede aportar, según la temperatura que dicten las venas.
Así, abren con “Invasión Divina”, haciendo “medley” con “La Chica más linda de Adrogué”. Le siguen “Free Pop”, “El Aguijón del Escorpión” y cierran con “Drogada Legal”.
La Copa de Oro, de este Turdera fue para ellos, a través de la capacidad simple escénica de Santiago Rial, para contar sus secretos galácticos tercermundistas, de una manera que lo emocional se dispara hacia dimensiones de fantasía y emoción, reconocibles para cualquier persona que haya podido superar los “fileteos” del corazón, y seguir pese a todo, creyendo en algún tipo de sentimiento profundo, ya sea el amor, la amistad, el perdón y la reconversión.
El segundo lugar, fue para los Mármol R. En su mejor actuación, del año, y haciendo que la densidad de ciertos temas, que por momentos se estaba volviendo pasmosa, a partir de un mayor vigor en los mismos recupere una elasticidad mucho más pegadiza para el oído, sobretodo en temas como “Me Molestan” o “Así no se mata a un Criollo”, para en la diversidad de sonidos (pianika, guitarras y teclados), encontrar que su sonidismo logre abrochar conceptos de canción de rock, claros y simples, como ocurrió con la nueva “Así Como Estas”.
Los demás participantes fueron parejos. Viva Elástico, no estuvo en la mejor de sus noches, con excesivas pausas entre tema y tema, y una tendencia a hacer un manifiesto de cada tema, que termina restándole sorpresa musical a la banda.
Los PerroDiablo, empezaron con todo su repertorio de dardos musicales venenosos, como “Todos los No” o “Malas Preguntas”, pero lo excesivamente largo de su repertorio, hizo que por momentos toda su furia, se pierda en pasajes de cierta densitud actitudinal, restándole a la sorpresa a esa ola de furia y toreo, que normalmente resulta la banda.
Los últimos en participar fueron los 107 Faunos. Comandados por Gato, empezaron a destilar sus hits, de euforia y anfetamínica, como son esas visiones oculares estroboscópicas que resultan “Calamar Gigante Nº8”, “Pequeña Honduras”, y también la gragea sonora pequeña pero potente que es “Muchacho Lobo” y el himno, hacia un espíritu más jovial y actual, para todo lo que acuño el “indie” históricamente que narra la canción “Días Dorados”. Finalmente entre el amontonamiento de la gente arriba del escenario, su show dio por concluido, antes de que la nube de excesos toxicológicos, (que recubría a gran parte de la audiencia) termine por abrir la manguera de alguna de las venas de los concurrentes.
Así, paso la tercera edición del Turdera Fest. En dónde Festival de música, significa que este debe ser, (más allá de excesos ideológicos o de praxis), un lugar dónde los sonidos de las bandas y músicos ejerzan su propia dictadura, para que todo lo que regodea para mal los oídos sea desplazado. Sin abrazos de “judas hippies”, sin cadenas constipantes de mercadotecnia, sino solo música. Sólo música, que siempre en realidad fue lo que importó. Lo demás es decorado o narcoticismo de “tosca ilusión”, y eso lo sabemos hace rato todos, con el repertorio de festivales de celulares, con el que han robotizado, nuestra alegría, ira, miedos y virtudes.
Bernardo Damián Dimanmenendez

"Buenos días rock, y hasta mañana"

2008-08-31T16:35:00.001-07:00

Soundblazter se presentó en el local de Pura Vida, el pasado sábado. En un show dónde el manejo del “timing” escénico junto con la mecánica “tecnovilla” de la banda, dieron lugar a un show, dónde se pone de manifiesto que modernismo sonoro=gorilismo artístico, es un eufemismo vacuo, mientras la dosis de intuición y práctica artística de los músicos sepan convivir y estilizarse con el contexto en el cuál se crearon.

En el local de Pura Vida siempre brilla la armonía (más allá de lo naif y obviamente prosaico de la frase). Con el sonido a cargo del local, el no cobro de alquiler, sumado a la excelsa atención a los músicos, solo es cuestión de que los músicos traigan los equipos y enchufen en un clima de relax que ayuda al desarrollo artístico. Esto es de suma atención para los dueños de la Capital Federal “xenófobos inconscientes de la contracultura” que implica estar embaucados en la cultura rock ( integrada entre otros, por músicos, periodistas, managers, groupies, dueños de locales, etc) y que en el post-cromagñón en el intento de querer hacer de las bandas del under un lugar monetario redituable, han cercenado las posibilidades de proyección de los músicos, y ni que hablar de llegar a crear un imaginario de escena para los mismos.
Pero por suerte, la década más estéril del rock como elemento de gatillo cultural para separar la paja del polvo artístico, esta cursando sus dos últimos años, y esperemos que los 10’, sean un lugar más creíble y real para el mismo.
Soundblazter con casi 10 años de carrera, demuestra en sus shows, todo lo que la asepticidad del rock de comienzo de siglo XXI, dejo de lado.
Desde el inicio del show, la presencia de Soundblazter, conjuga un desafío corporal y de sonidos. Denomínese “Tecno-Villa” o “Rock Sample Collage”, los blazter, consiguen que su música suene bailable y hormonal a la vez.
Comandados por Cristián, acobijado bajo un look de pintor de cielo raso, los dibujos corporales y melodías que expulsa su voz, (que suena a “punkitud rapera” altivamente desafiante), nos demuestran que aún es posible gente que sepa conjugar la palabra rock de manera correcta, actual y práctica.
Arrancan con “Los Olvidados”, luego le sigue la bailable “Radio Studio Dance”y cierran esta primera parte del show con “Shannon Tweed”.
Luego les sigue, un tema clave para entender la indiosincracia musical de Soundblazter: “Wild Wilde”. Los samples musicales, se van escalonando, con ese lunfardo irónico y pegadizo, que rastrea en parte la alternatividad de los 90’, pero desde un lado que reclama auxilio en plena emergencia de valores y chances para los artistas, fuera de todo aire de hedonismo que tiñeron a los músicos alternativos o sónicos durante los 90’. Wilde paraje de zona sur, aparece descrito como un lugar salvaje, suburbano y sin necesidad de caer en repetidas fórmulas, para narrar la pesadumbre y monotonía del barrio suburbano, al que nos han acostumbrado las bandas del ya casi, extinto “rock chabón” (purista y regresivo para el escucha medio argentino de música)
Luego le sigue, esa especie de carnavalito tecno que resulta “Amanecer de los Valles”, dónde los arreglos de teclados y voces, hacen de dicha canción, una suerte de confesión de arrabal actual, modernista y surrealista a la vez.
Soundblazter, reúne todos los condimentos, para llegar a un público masivo. Primero por presencia escénica desafiante, segundo por la capacidad de metamorfosis musical de la banda, y tercero por la “bailable crudeza” de su música. Capaces de otorgar la adrenalina que necesitan para mover el cuerpo los adictos al rock, y también la vitamina que hace despertar, a los que se encuentran en un show, de manera fortuita o casual. En síntesis, ni tan lánguidos como muchos de la camada actual pos-sónica, ni tampoco, religiosos “ghetistas”, faltos de sensibilidad para hacer del rock un elemento de comunión popular, más allá del rango social de cada individuo.
Finalmente cierran con la cabalgata que sirve como flash fotográfico de estos tiempos alienantes (donde irónicamente evangelistas, te salvan de la fruta del pecado, que hay en cada zócalo del conurbano, aunque sea por un rato), titulada “Vía Circuito”. El tema en cuestión refleja esa “bandera guerrillera” tecno, modernista, grotesca y kitsch, que se podría sintetizarse perfectamente en la frase de la canción que dice: “Y yo soy del conurbano, y vos sos controlado”. Demarcación clara, (General Paz mediante), que en Capital, algo paso con el rock, y la manera en que se quiere concebir a la música y los músicos también y que desde hace años, las propuestas más desafiantes pasan por otros lares, como zona sur (Adrogué, Turdera, Temperley, Lanús, Longchamps o la Ciudad de La Plata). El rock es revolución en el sentido que demarca concepciones filosóficas que separan lo que va de lo que no, de las personas con las cuáles compartiste y alimentaste desde chico miedos, ilusiones y fantasías, a través de una canción.
Delimita que tipo de verdad buscas para tu vida, (aunque en el fondo mande el color del billete), siempre hay modos y formas más válidas y desafiantes de conseguirlo, no es lo mismo un rugbier jugando a ser rockero, que un chico construido bajo un hálito artístico, dónde la comodidad doméstica, sexual y sentimental, siempre escaseo.
Quizá esa búsqueda de Soundblazter arriesgada, que no tuvo lugar en esta década acéfala y de ideología dietética encuentre un reconocimiento en los tiempos que vienen. Parodiando la frase de “Amanecer de los Valles”, estaría bueno que bandas eclécticas, dinámicas y pegadizas para el oído, logren desplazar al cúmulo maisntream del rock, (sea pop, chabón, etc), más que nada porque los oyentes, se podrían subir a una “sensación de crecer”, que no ocurre desde hace años en un rock argentino, que a nivel masivo, pareciera caminar con muletas y muñón.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Obrero psicodélico del amor S.A."

2008-08-31T16:21:00.000-07:00

El pasado martes los Dchampions, brindaron su segundo show del año, luego de su vuelta a los escenarios en el Turdera Fest III. A punto de cumplir una década de vida, la agrupación de Santi Rial, luego de algunos cambios en su formación, se muestra potente y en un senda sonora de gratificante energía. Así, son los Dchampions, campeones morales eternos a la hora del reconocimiento, pero vencedores lapidarios en contarle al mundo historias teñidas de arrabal posmoderno y suburbano dónde arrebatos de misoginia y arrepentimiento romántico.

Cuando corrían los últimos tiempos de bienestar para la clase media argentina (mediados de los 80’), cualquier integrante prototipo de dicha clase, te apretujaba y te decía: ¡Vamos pibe que vas a ser un campeón!.
Con el correr del tiempo, la vara de valores que el mismo modifica, produjo que la manera de sensibilizar a los hijos de la histórica clase social argentina, fueran en su mayoría lapidados por la falta de inserción social, el estancamiento en lo que respecta a su movilidad social, y recortados hacia un autismo sentimental, convirtiendo el augurio de ese abrazo que nos daban de chicos, en eterna promesa.
¿En que lugar de todo esto entran a jugar la filosofía y praxis musical de los Dchampions?.
Sintéticamente Santiago Rial, construye micro-mundos domésticos, posmodernos, utilizando mitos clásicos argentinos, ya sea para definir estirpes sociales, sexuales e ideológicas.
Así, en la catarsis musical, la furia sentimental es descripta con milimétricas dosis de romanticismo esperanzador o alaridos de misoginia resentida, según lo sugiera la ocasión.
Entendiendo que lo “Heavy del Amor”, es en realidad, creer una y vez, en este, más allá de lo ridículo, frágil y afligidamente adictivo que dicha sensación implica.
Su romanticismo, aparece como identidad y forma de emergencia para narrar la desesperación y ansiedad por devorar pedazos de imágenes fotográficas que lo curtieron como hombre
Ni tan ganador, ni tan perdedor, o en todo caso, que la derrota sentimental sea colorida y casi mitológica, (tal vez, con esta descripción encuentre un sentido más certero el nombre de su anterior banda, “Perdedores Pop”).
Así, embaucado de lleno en la cultura rock, y con un concepto claro de “background” social y latiguillos verbales extraídos de la universidad de la calle, abraza una postura de “voyeaur” psicodélico de las imágenes del mundo que lo rodea, a las cuáles constantemente recurre en sus canciones.
Así, repasan entre otras canciones, “Alta onda”, “Heavy del Amor” y “Para leo”
Comunista de su propia religión, narcisista por decepción y guerrillero léxico, conceptualiza, que en el cambalache de la vida misma y el rock, “del dicho al hecho hay un trecho”, y que el poder de la palabra, siempre marca la diferencia, ya sea para aportar, como también decepcionar.
Ideológicamente toxicológico y kamikaze, parecieran ser la mayoría de las frases de sus canciones “free pop” (música para que vuelen a las masas, y no para las mismas). En síntesis queda claro que para Santi Rial, la estela de la caída debe ser gloriosa, o en todo caso, estar anestesiada por alguna que otra sustancia “non sancta”.
Uno de los temas ejecutados durante el show en Circa “Invasión Divina”, da cuenta de un “neo romantic”, (entre la promesa del amor eterno y la escatología del peor sexo casual), de alguien que entrado por la ventana, le otorgamos seducidos el trofeo de nuestro corazón, para luego darnos cuenta que una vez más, le entregamos la preciada medalla a la persona equivocada.
El “free pop”, sugestivo y gustoso al oído en temas como “Alta Onda”, denso y bailable como en “Virgen de Monserrat”, y también más directo y visceral, como en la canción “Iluminación de Emergencia”, es en realidad una interpretación, personal, actual y de vernáculo contexto, de cómo jugar a ser romántico, puede ser mostrado ofreciendo gusto por la canción pegadiza.
Su praxis musical utiliza de manera ácida la parodia, para desplegar metáforas del corazón como bandera para describir historias, que rozan la pasión, la adicción y obviamente su “yang”, la desesperanza.
En síntesis, en un formato, más plano y directo, (la formación cuenta con solo dos guitarras, bajo y batería) los Dchampions, nos siguen contando historias desde una visión dónde lo común y rupestre, aparece descrito desde una vara lisérgica y anarquista a la vez, (recordar la frase de la canción “Amamé”: “El fascismo en las pistas, en Al-Qaeda hay artistas”) logrando que el arrabal intrincado, dulce y violento, que implica hablar de amor y las consecuencias que este conlleva, navegue por aguas cristalinas y creíbles, y no derrape en el fango de egoísmo y pose “yoísta”, al que la cultura cosmopolita, nos ha acostumbrado en el presente.
Así, lo entendieron los concurrentes de Circa, que vieron como la baja temperatura, fue elevada con la ventilada eléctrica de “neo-romantic” de los Dchampions, que con canciones que recorren la temática que envolvió a los artistas, desde tiempos milenarios, y alguien alguna vez simplemente lo denomino amor, aún sirve como escudo para los que no cayeron en la trampa totalitarista de la “cultura shopping” y el “Polstergeist de la silicona”.
Bernardo Damián Dimanmenendez

"El Mono Gattica toca la guitarra"

2008-08-27T14:26:00.000-07:00

En el local platense de Pura Vida se presentaron las agrupaciones Viva Elástico, Mármol R y 107 Faunos. Nutridos en clima de fervorosa algarabía y auténtica comunión, los aplausos más fuertes se los llevo Viva Elástico de la mano de un Alejandro Schuster inspiradísimo, mostrando que la corona de ángeles, puede transformarse en cuestión de segundos en dolorosa corona de espinas. Aquí va la crónica de los sucesos entre realistamente etéreos y también surrealísticamente caóticos.

Pura Vida, es un pub boliche, de la Ciudad de La Plata, que si sabe tratar a los músicos. Tal como se desprende en su cristalino concepto de entender a la vie’, los músicos son agasajados con pizzas y cervezas, y el sonido corre por cuenta del lugar. Solo hay que llevar los equipos y enchufar, lo demás es todo gratis. En síntesis como debería ser para que la tocata para los músicos sea un lugar redituable y armónico para expresarse.
Vamos por partes: Bien los Mármol R, intensificando y delimitando en sus canciones, el “groove tropi madchester” que los recorre. Así destacaron, dentro del manual lírico de resentimiento e iracunda sexualidad, “Siempre Hay rincones”, “Me Molestan”, y el que pareciera por emocionalidad y fuerza musical, el hit de la banda: “Así no se mata a un Criollo”.
Los 107 Faunos comandados por el Gato en guitarra y voz, brindaron un show “ultrapunk”, demarcando claramente esa manera festiva, realista y pulsional, que intenta brindar nuevas maneras de filosofía emocional para el “indie” rock vernáculo. Así destacaron “Muchacho Lobo”, “Calamar Gigante Nº8” y la añoranza fina y agradable de “Días Dorados”.
Antes que los Mármol y el cierre de los 107 Faunos, la apertura de la jornada fue realizada por cuenta de Viva Elástico. Dueños de una poesía, dónde las imágenes nutridas de posmodernismo son descriptas como si se hablase desde un plano voyeaur o de eterno caminante que se pierde en las tinieblas y bondades del amor. Alejandro Schuster, alma y voz de la filosofía de los Viva y con apenas 21 años, es capaz de ofrecer retratos fotográficos de los tiempos actuales, como si cada canción fuera una expedición “hemingwayna” (en referencia al escritor norteamericano), y al mismo tiempo una manera de brindar paisajes de acción y hábitat de manera plena y real, a diferencia de las narraciones actuales de hoy, repletas de exabruptos fácticos que narran la mayoría de los grupos de hoy.
Así, es la poesía de Alejandro Schuster, un romántico y un trágico a la vez, en síntesis.
Así pasaron “Imágenes de Amor”, “Somos tan Felices”, “Volvió a Casa”, entre otros, con un manejo de escenario, claro y contundente, (sin caer en esas pausas etílicas y prolongadas entre tema y tema que a veces nos acostumbran para mal los Viva’).
Todo un repertorio musical comparable al de esos boxeadores que saben deslumbrar a puro justeza de “punch”, y teniendo la cintura para poder darle pie a emociones profundas al espectador.
El show de Viva recortó toda una manera trágica, profunda y de vibra magnánimamente fina, a la vez que entre el ardor etílico post-show, toda esa capacidad que tiene para enamorar a propios y ajenos, también mostró que no siempre los románticos, detentan los modales de cabal “Don Juan”.
Pero esto no hace más que contribuir al mito de los talentosos, (bipolares, sensibles, fastidiosos, educados y también violentos por doquier). Capaces de generar la tipología mitológica de antihéroes de la vida, y generar toda una hipnosis, que para los que las pueden vivir en tiempo real, parecerían encontrarse imprevistamente en un film de Buñuel.
Así como el Mono Gattica era capaz de generar alabanzas, amores y devoción con sus puños, y también caer en la pos-cruxifixión del exceso de mujeres, drogas y alcohol., Alejandro Schuster recorre esas sendas de toboganes ilustrados y ciénagas profundas, mezclando canciones de plena y autentica emoción, con escapadas hacia lo más profundo del descontrol. Así como al Mono Gattica lo aplaudían en el Luna Park y a los dos horas no lo dejaba entrar por sus excesos, a Alejandro Schuster, (parodiando el nombre de su banda), lo vivaron en Pura Vida como luchador romano, para luego negarle la entrada para evitar que el lugar se venga abajo.
En síntesis, en una época dónde el concepto de “Adonis o Mesías del Rock”, pareciera una rídiculez, es bueno que existan personas como Alejandro Schuster. Dueño de una juventud y un talento a explotar y pulir, y también arrastrado en la marea de “jaqueca humana espiritual”, que a todos nos recorre. Así era el Mono Gattica con sus guantes, así es Alejandro Schuster con su guitarra. Personajes talentosos, contradictorios, al borde de la gloria y del barranco también, pero sobre todas las cosas, capaces de mostrarnos fantasía carnal y práctica, de esa que solo los elegidos pueden otorgar al resto de los mortales.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Contexto, tiempo y arquitecturas sonoras"

2008-08-27T14:18:00.000-07:00

En Adrogué el pasado sábado se presentaron las agrupaciones Top Manta y Viva Elástico. Capitalinos los primeros y del conurbano los segundos, la música de cada agrupación muestra claramente, como el contexto dónde se criaron, influye en la dinámica musical de cada uno de los conjuntos.

La noche era fría en Adrogué y las cepas invisibles de gripe, flotaban peligrosamente para quiénes se habían animado a desafiar la baja temperatura invernal.
Muchas veces uno se pregunta si el contexto, hace a la producción artística o esta es independiente del mismo. La respuesta es que ineludiblemente el contexto influye de manera directa y plena en toda arte practicada.
De hecho si hacemos un trabajo de principiantes antropólogos musicales, vamos a sacar como conclusión que no es lo mismo el rock, que se respira, en la parte sur del conurbano, que en la parte norte, u oeste de la provincia de Buenos Aires. Tampoco es similar la forma de inmiscuirse en el mundo de la música, para los jóvenes de la Capital Federal que de otros lugares.
Como ejemplo vale, que es más probable que bandas como Victoria Mil o Travesti, salgan de Adrogué, Turdera o Temperley, que de Laferrere o Mataderos, (más propensos a producir una tipología de bandas que tienen más que ver con el clasicismo de estas tierras, llámese La Renga o denomínese Los Piojos).
Así en la noche del sábado, el telón fue abierto por los cosmopolitas Top Manta. Adictos al rock de guitarras norteamericano de la costa oeste, (Queen of the Stones Age, Stone Temple Pilots), plantean a partir de un muy vistoso trabajado dueto de guitarras (a cargo de los hermanos Matías y Nicolás Gómez), como parte de ese frenesí que se respira en la Ciudad, es inconscientemente o no absorbido por la banda.
Las canciones van a adquirir una velocidad frenética, en dónde la ganancia para el espectador se va a dar por esas sudestadas eléctricas de guitarras, ( especialmente, en temas como un “Chasquido por La Paz” o “Como la Gente). También aprovechando la ductilidad instrumental, su maniobralidad se va a dar apoyada fuertemente en dicha virtud, para darle formas personales a su arte, como se noto en las “tarantelas rockeras”, “Chau” y a “Prueba de Muerte”).
Así puede verse como la agrupación capitalina, si bien tiene devoción por la canción, flota de manera pareja y auténtica cuando pueden poner los volúmenes a todo motor, casi como si estuvieran musicalizando en esos bramidos de guitarra, bajo y batería, toda esa postal furiosa y acelerada que resulta ser la Ciudad de Buenos Aires.
Viva Elástico, por su parte, confluye con la música buscando la sintonía de la canción melancólica, sutil y de milimétrica construcción. Así, a través de diferentes temas como “Las Motos”, “Imágenes de Amor” o “Somos Tan Felices”, guiados por la voz, purgadora de su cantante, ofrecen canciones que narran, la espiritualidad antigua de bonhomía y esperanza, que tiñió históricamente al trabajador ya sea de aquí, de Londres o China también. Ofreciendo en las canciones una sensación de “voces” de héroes anónimos y atemporales, como en otros tiempos lo eran las manos de Menocchio, o la lapicera vigorosa de Gonzalez Tuñón, y su lupanar de poesía urbana y mágica.
Viva tiene otra conducta, más displicente, (quizá por inexperiencia y falta de pulido aún de su repertorio musical), pero así y todo, su arte, resulta en otro ritmo y forma de expresión, válida como la de los capitalinos Top Manta.
Así, como por x motivo, (no sabemos si será la comida, las mujeres, el clima o el mismo aire), los mejores jugadores de fútbol, son históricamente argentinos o brasileños, resulta claro que el aire, comida, paisajes y mujeres, que nutre la góndola artística de Top Manta y Viva Elástico, esta compuesta de estructuras y paladares diferentes, mostrándonos, (esta vez en un lado positivo), que las diferencias, dentro de las actual cultura globalizada e híbrida, muchas veces son interesantes, para mostrarnos con que grados de relevancia los artistas van a diseñar la arquitectura de arte, de acuerdo al lugar y tiempo, en el cuál están inscriptos desde pequeños. Sino pregúntense, ¿Por qué un rústico como Schillaci, jamás sería el 10 de Argentina, y porque Italia nunca pudo ni va a tener un talento de la talla de Maradona?. En fin, comida, mujeres, olores, clima, el contexto siempre, pero siempre influye para bien y para mal también.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"La eterna Enfant"

2008-08-19T09:40:00.000-07:00

La carrera de Rosario Bléfari pareciera ser una pequeña muestra del sueño cándido que vivió lo genéricamente denominado alternativo en los 90’, hasta su olvido, y luego metamorfosis, en algo aséptico contra-culturalmente y redituable mercantilmente, “vintage” mediante, de anteojos de sol, del “flúo”, y de la falaz “cool-manía” de lo figurativo por sobre el contenido.

Ya desde su primer disco y junto con su banda Suárez, Rosario Bléfari se para en un costado particular y valioso de lo alternativo. No parece haber ningún tipo de febrilidad generacional, “En Hora de no ver”, a diferencia de lo que pasaba con bandas como Babásonicos, Los Brujos o Peligrosos Gorriones.
Rosario rondaba ya casi los 30 años (exactamente tenía 29), y más allá de la influencia sónica epócal, su marco de referencia creativa, se construye a través de su particular mirada sobre el mundo y obvio, su voz. Dueña de unos agudos, cuál grito de ángel, pareciera buscar a través de una paisajista y edénica poesía minimalista, una manera de ascender al cosmos, fuera de todo abismo terrenal (escuchar en el Lp debut, “Morirían). Así en “Hora de no ver”, hay referencias a fenómenos atmosféricos, (lluvias, niebla matinal), momentos temporales o cuerpos celestes. Así trasladado a un plano filosófico, parecerían ser estados de transición personales afectivos, frente a al menospáusico tracto diario. De hecho “la niebla matinal”, encontrará un “ionizante” punto de encuentro, cuatro años más tarde, en “La niebla”, canción alojada en “Excursiones”, un tema dónde la agrupación cocina geométricamente su pop experimental, en el molde de la canción épica y catárticamente pegadiza.
Pero no nos adelantemos, al año siguiente sale “Horrible”. Un disco que define, la quintaesencia de “low-fi” alternativo argentino de aquellos años. Ya desde su denominación pareciera filtrarse el concepto nieztcheano (en el sentido de lo feo, como forma de reconversión existencial). “Horrible”, esta construido en un universo contextual paralelo, al que se vivía por ese entoncs, en la Argentina. Consumo compulsivo del uno a uno, los desposeídos estéticamente y culturalmente, quieren lo mismo que el “argento solvente y ganador” (“pizza con champagne”), nadie quería el tilde de “feo”, en lo que respecta a su aspecto.
Quizá aquí aparece lo genial de dicho disco, que representa toda esa “otredad” de las fauces menemistas; Músicos y público daban forma a la camada del nuevo rock argentino de ese entonces, conjugando más allá de los matices económicos que lo separen, “un universo de escena”, dónde lo espiritual simbólico de pertenencia, eliminaba toda posibilidad de vínculos por fuera de la experiencia concreta, ya sea a través de discos o recitales, (internet no existía aún) y generando un lugar de digna representación y originalidad creativa.
Al mismo tiempo, ambos dos, eran condenados al anonimato o ridículo demagógico, que sentaba las bases del “rock chabón”, y miraba incrédulo todo lo que se genere por fuera de su patrón de reconocimiento. Así, a través de canciones de trazo fino y volátil, (plenas de viajes y saludos desde el más allá),como “Algo difícil” ( en colaboración con María Fernanda Aldana, bajista de “El Otro Yo”), o “Saludos en la Nieve”, u otras como “Porvenir”,(canción cansina y de genial resolución, dónde el intermezzo esta musicalizado por el tema que abre y cierra la película “Taxi Driver”) o“Falso ladrido”, plena de pudoroso repliegue sentimental
En síntesis Horrible, sienta las bases de una estética y concepto artístico que con el correr de los años se irá auto-fagocitando a sí mismo, inclinando la balanza hacia el lado del cliché, más que de lo meritorio artísticamente, terminando atracada dicha ideas por la MTV latina, la falta de recursos y obviamente la decadencia cultural vernácula).
En Galope, tal como lo indica el nombre, la cosa viene más al “palo”, ya sea desde la musicalidad de los temas, y por el histrionismo neurótico de las letras. Así la poesía de Rosario Blefari se tiñe de extravangantes imágenes de urbanidad cosmopolita, (“Camión Regador”, “Asesina”, o “Natación”). Incluso en su desplazamiento en las letras hacia etéreos encuentros con los astros, la música suena febril y más cruda, como lo puede ser “Estrella Solitaria”.
Desde el inicio con el “adiós, adiós”, y el “cambió, cambió”, que se escucha en “Río Paraná”, Excursiones pareciera marcar el fin de una etapa en la carrera de Rosario Bléfari. En un recorrido de plena poesía “litoraleña”, la banda simplifica fórmulas de armado de los temas, y la voz de Bléfari toma ganancia en el formato de la canción simple y agradable. Así entre “hondanadas”, “ánguilas” y río, la poesía de sus letras, busca una geografía más descriptiva, y en “La Niebla”, dónde parecieran volver ese desplazamiento a sensaciones volátiles, los estados de transición espiritual de la cantante, parecen superados. La niebla, (como dice el tema se disipa), a través de “construcciones multicolores” positivas, y todos los “inviernos sentimentales”, parecieran definitivamente cerrados.
Así cierra su participación con Suárez, dejando un legado único y fortuito. Primeramente redefine la inscripción de la mujer dentro del rock argentino, fuera de todo ironía paródica, (Fabiana Cantilo, “Viudas e Hijas de Roque Enrroll”, o mesianismo, (Patricia Sosa, entre otras). A la vez, que en su particular poesía, jamás hay un dejo de jactancia, solo sensaciones de “eterna-enfant”, agridulces, que en su intento por plasmarlas al mundo deja la sensación de que, para el legado de lo bello, siempre es mejor la insinuación que la trivial fanfanorrería de lo explícito.
Disuelto Suárez, maternidad de por medio, y luego de exorcizar, todo eso de alguna manera, a través de un disco “ambient”, (Caras), Rosario Bléfari pareciera dar cuenta a través de sus otros discos “Estaciones”, “Misterio Relámpago” y “Versiones Relámpago” (reversiones más eléctricas de canciones de los dos discos antes mencionados, más un tema de Suarez, “La Copa”), que para ella ya no hay ningún excursión o paseo, por fuera del “habitáculo de la cotidianeidad”, sino por el contrario temporadas definitivas que hacen referencias a imágenes de redención sentimental (“Lobo”), transeúntes perdidos en toscas realidades filosóficas, (“Vidrieras”) o pertenencia identitaria perdida (“Cuaderno”).
Luego del encuentro (“argento”-“groncho”), cuya metáfora perfecta sería Araceli Gonzalez, rindiéndose a los pies de Chayenne. Los pudientes económicamente purgan sus fantasmas de que quedar mal parados socio-dinámicamente, a través de la electrónica y luego buscan, (flogs, internet y ringtones mediante), cierto interés por fetiches de la “cultura pop”, (Warholianos, cinéfilos y musicales), que en concreto son anoréxicos cayendo más en las formas que en el contenido. Así, surge “la moderna Palermidad”, y Rosario Bléfari, es adoptada como madrina de todo eso, y sus vórtices también.
En la vorágine, aparece “El Buen Día”, que vendría a ser una especie de “Woodstoock del consumo vintage”, en dónde el acceso simbólico se festeja como un lugar, de pertenencia, sin intento de cotejar o desbordar la realidad contextual, (a diferencia de lo que ocurrió con el sueño “despedazado por mil partes”, de la ya lejana “alternatividad” de los 90’), generando un discurso fariseo y excluyente, o en todo caso un “ring-tone” de ideales rotos.
Más allá de cierto “guiño”, a todo esto, que se denota en la tapa de “Estaciones”, (su cuerpo aparece sugerentemente, ostentando cierta mirada altiva), para luego abortarlo rápidamente con la mirada cabizbaja, que aparece en la portada de “Misterio Relámpago”,queda bien en claro, que su papel en todo esto es referencial, y no como “ideóloga inconsciente”, dando cuenta de que el real problema es la mala lectura del legado inmortal y único, que construyó con Suarez, durante los 90’.
Algo de esto parece teñir a bandas que intentan seguir sus pasos, (como “Rosal”, entre otros), olvidando que la música de R.B., más allá de que tienda a filtrarse en un público de necesario “back-ground cultural”, nunca hizo “vana gloria”, de esto, ni levanto bandera sobre algún tipo de “educación sentimental o pedagogía creativa”, de hecho, en las letras que recorren toda su carrera, jamás hay referencia alguna a conceptos o fetiches de la cultura contemporánea, sino sólo imágenes de la construcción de su verdad y sensibilidad en el planeta tierra.
Pero en fin, como dice la letra de su tema, “Cuadernos”: “Las ideas son vueltos perdidos, que jamás quedan en los bolsillos. Que no digan nada después.”

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Entre lo permeable y lo auténtico"

2008-07-31T00:52:00.000-07:00

Hay discos que parecieran cumplir la función de ante-ultimo hormigón antes que la arquitectura de la escena musical sea redefinida nuevamente. Dichas obras vienen a paliar un cierto estado de diálisis actitudinal, determinado por la ceguera de oyentes, músicos y medios de difusión inclusive.
“Compañía de la agrupación Ático, busca el dial de antiguos discos foráneos que sirvieron para demarcar nuevos modos prácticos y filosóficos musicales, como pueden ser el Doolitle de los Pixies (1989) o el Daydream Nation de Sonic Youth (1988) y en el vernáculo como lo pueden ser el Don Cornelio y la Zona (1987) de los tutelados por Palo Pandolfo, o el Fin de Semana Salvaje (1992), de los Brujos.
Todos estos discos, se paran desde un lado lateral, para constituirse primeramente, como cierta opción contracultural artística y estética de lo que los medios masivos hacen rotar por radios y TV.
“Compañía” se inscribe en un contexto local donde la lujuria hedonista, o las sensaciones de parquedad sentimentales,(según fueron comprendidas en los 80’ y 90’) son desplazadas y lapidadas por la emergencia económica y de variables culturales, (no es lo mismo jugar a ser romántico o pseudo vanguardista en dichas décadas, que en la actualidad), siendo muy delgada la línea que separa lo auténtico de lo ridículo.
Así, los 2000, entre una mirada multigenérica y pluriabarcadora, determino que el ensanche de opciones, choque contra una importante falta de background musical y estético, tanto por parte numerosos músicos, como de sus mismos oyentes.
El camino iniciado por El Mato a Un Policía Motorizado allá por el 2003, como redescubridores del Kraut, y un real espíritu proto-punk, hoy 5 años después clarifica en parte, quiénes parecieran estar más cerca de algún tipo de idoneidad, dentro de un rock que perdió todo tipo de respeto.
Ático, platenses al igual que “El Mato”, recorre de manera certera todo ese manual de efervescencia sónica, a través de las famosas quintas machacadas, y la disonancia de riffs constantes y de abrupto corte, acompañadas la base constante y encendida en bajo y batería. Así aparecen desde una línea de composición retro y correcta, temas como “Caras manufacturas”, “Baqueano” o “Paisaje”.
Sin embargo, el verdadero valor de la banda es cuando funde dichas estructuras musicales con cierto espíritu mitológico y denso de post rock (apoyados en los minimalistas arreglos luctuosos de teclado), que empapó a bandas como Suicide, o Manicured Noise a fines de los 70’.
En temas como “Estadios” o “Amarillo”, la música de Ático alcanza un “travelling” emocional, que dan la sensación de canciones construidas como si se estuviera intentado ofrecer imágenes culmines de algún buen film de suspenso. No solamente, la emocionalidad viene de los sonidos, sino que lo personal musicalmente, termina ganándole al concepto retro de armado musical, antes mencionado.
Por otro lado, en dichos temas, lo lírico demarca el territorio de la irritabilidad actual, dejando en claro que la realidad es otra en el 2008, comparada a la desesperanza de los 90’ y los 80’.
Así, en un contexto de parquedad, carencia y resignación, las letras narran hoscos panoramas contextuales, que cualquier joven de cualquier ciudad del país, puede fácilmente reconocer. En “Amarillo”, la letra dice: “Esta ciudad padece un fantasma, La novedad, es que “el bondi no pasa más, nada más” o “Estadios”, que dice: “Un estado insoportable, la simple combinación de las vivencias, surge de mí una constelación difusa, narrar algo con una potencia brusca y excitante, ya que todo tiende a fastidiarme”.
Ahí claramente desde un personal lenguaje musical y lírico, Ático, delimita inconscientemente o no, un concepto donde lo nuevo, es desplazado hacia lo “neo”, en relación, a que su arte, es actual con el contexto, y retoma a su manera, elementos o legados que sembró la cultura rock con el paso de los años. En dichos momentos, cuando lo plenamente auténtico, le gana a ciertas filtraciones obsecuentes de esteticismo y melomanía, la música de Ático se despliega plenamente, y con un alto rédito para el oyente.
Más allá de ciertas licencias de porosidad compositiva, el disco resulta plenamente satisfactorio, debido a que el concepto de “obra personal” y los dotes que de la misma se desprenden, esta claramente definido en la mayoría de los temas de “Compañía”.
Si el Ático, es el último edificio de un terraza, solo le faltaría a los platenses, animarse a pegar el salto hacia un lugar, dónde todo preconcepto musical que funciona como base, termine cediendo lugar hacia un territorio artístico, dónde ellos por cualidades interpretativas, serían unos dignos terratenientes musicales, que ejercitarían una jugosa “dictadura musical”.
Como dice Palo Pandolfo, en la letra de “El Rosario en el Muro”:“Si ya estas en la azotea salta, si ya estas en la azotea salta, después de esta vida loca, para que seguir así nene, salta”.
En síntesis, el futuro bienaventurado, pareciera estar en sus manos, siempre y cuando, el brinco musical próximo, determine una esbelta cabriola y no una repetida y tosca caída artística, a las cuáles últimamente los escuchas, pareciéramos estar resignados a acostumbrarnos.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Colonos de una nueva religión"

2008-07-27T21:18:00.000-07:00

En Adrogué y a pleno candor musical se presentaron las agrupaciones Mármol R y Soundblazter. Con la capacidad de otorgarle a su música una dosis personal que apunta a visualizar gemas emocionales de visiones diarias, palpables y febriles, la cáscara de cómo se descubrió al barrio y el conventillo que el mismo genera en los 90’, cambia de forma y color a través de sonidos y narraciones más contemporáneos.

El rock es un género musical, y como todo arte expresada, esta tiene mayor o menor validez según como sus practicantes puedan ostear horizontes no esperados. Así, como Cólon descubrió América, hoy en día, parecen pocos los músicos que detenten una actitud colónica a la hora de conquistar nuevas tierras musicales.
Si bien todo pareciera estar hecho en el rock, siempre hay margen y nunca se debe perder la esperanza desde un plano de “retroacción”.
Así, dentro de la situación de emergencia que vive un país cada vez, más sumido en la tosquedad de tacto e imaginación, (producto de la pauperización económica y cultural), por lo general se termina recayendo, en dos posturas en la música: la demagogia purista de la repetición de formas, o en la indulgencia que termina generando agentes encubiertos de la SS, sonora, lejos de lograr un producto que mixturize la “picaresca” criolla, con atrayentes universos sonoros foráneos.
Mármol R y Soundblazter rompen con todo este presupuesto de blanco o negro, comprendiendo que en la música, la poliformidad creativa debe tener primacía.
Si hace tan sólo 7 años atrás el grito de Cristián Aldana: “La Cumbia es una mierda”, quizá ofuscado por no poder marcar el nuevo rock argentino noventero, a toda una generación que termino levantando banderas laxas y populismo de bajo calibre, era un caballito de batalla digno para la post alternatividad, hoy las cosas han cambiado rotundamente.
Primeramente, si la alternatividad se nutre de cierto background musical anglófilo, es de tener en cuenta para los músicos locales, que muchos de los “song-writers” británicos, forman parte del típico inglés que no replantea mucho su existencia filosófica, ni sus consumos culturales, sino solo hace música porque es lo que más atrapa en la vida, (tenemos el caso de los Happy Mondays, Stones Roses en los 80’ y de Oasis en los 90’).
Entonces la dicotomía cumbia o popular, igual retrógrado o grasa, queda nulificado porque cada expresión tiene un contexto para decodificarse. Así, si uno abre la imaginación, no pareciera haber mucha diferencia entre la manera de sentir la vida de un integrante de Flor de Piedra y un mientro de los Happy Mondays o Stones Roses.
Utilizando ese concepto de que lo popular forma parte de una manera auténtica de expresar un estado de cosas, pero llevando al magma de su corazón de sonidos y vivencias personales, Mármol R, lapida todo cipayismo foráneo y todo chauvinismo nacionalista, a través de un “Tropi-Madchester”, que narra, canciones de furioso desencanto sentimental como “Así no se mata a un Criollo”, serenatas entre densidad e ironía como “Rita” o “Siempre hay rincones”, y también hay lugar para la canción “Beach” (siempre en la clave ochentera madchester de orientar sus ondas sonoras), como “Me Molestan” o “Qué Otra Función del tiempo”.
La electrónica con las raves de inicios de los 90’, y su evolución en trip-hop, o Drum and bass, logró que la energía de “punkitud” del grunge también pueda practicarse sin necesidad de tantas guitarras. Así, Prodigy, evolucionó y en sus primeros Lps como “Experience” o “Music for the Jilted Generation”, ya definía un universo cyber punk.
Soundblazter, oriundos de Lomas, platenses por adopción, pareciera gestar, a través, de una relectura del dub electrónico, del regio rock experimental y porque no también del Drum and Bass, una patología creativa dónde ser periférico y del conurbano, es expresada a través de energéticos samples collages musicales.
Así, orientados a que la electrónica es un género popular, pero sin hacer de esto un unicato de solemnidad, logran conjugar un mundo propio, que mezcla la emergencia de ser desplazado, con un “Kitsch” escénico visceral, directo, y sin pausas, dónde la puerta a lo festivo o “el agite”, está abierta a cualquiera que pueda entender la música por fuera de líneas puristas y sin necesidad de falsa congratulación hacia el espectador, sino por el contrario, asaltándolo todo el tiempo, sin otorgarle respiro alguno.
Así, entre otros, pasan como dinamitas hormonales “Play”, “Vía Circuito”, “Radio Studio Dance”, hasta llegar al final con “Visiones de Pablo”.
En síntesis, Mármol y los blazter`, son retazos positivos, de una comprensión del rock que ya no busca la jactancia de la novedad por la novedad, sino que desde un concepto “neo”, metamorfosea su identidad, para que el gusto criollo, suburbano, barrial y palpable para cualquier joven o persona que transita la universidad de la vida, no quede huérfano de referentes musicales que viven un presente tan impredecible como ellos mismos.
Para ello, la función de colonizar nuevas maneras de comprender a la música, es la expedición obligada de Mármol R y Soundblazter, para que una nueva “América Musical”, puede ser disfrutada por todos, y a la vez, perderse en un discurso, que no discrimine géneros musicales, ni estéticos.
Bernardo Damián Dimanmenendez

"Cae la Muralla del Punk Disney"

2008-07-24T12:11:00.000-07:00

En el inicio del ciclo Opus Rock Dei, en la localidad de Adrógue, se presentaron El PerroDiablo y Viva Elástico. Con distintas maneras de aportar energía a un show repleto de problemas técnicos, la filosofía virulenta de los perro, pone en jaque conceptos de desborde emocional y estético del lánguido “old-indie”, a la vez, que su fuerza, también es interrogada por sutilidad y delicadeza, que caracteriza a los Viva Elástico. Así, en el contraste de marcos de acción, la cosa para los perro y Viva fue un digno empate, en el compromiso de que el arte se hace con tacto, garra y pasión.

El frío en junio ya se hace sentir plenamente, más en los suburbios de zona sur como Adrógue. Así, en el Bar Circa, antiguo lugar de hidalgo culto a la música, despotricado actualmente por el mal gusto “new rich” de tosco reggaeton, el ciclo Opus Rock Dei, intenta buscar la fertilidad de que el buen paladar para el arte, y las voces escondidas, de numerosos músicos actuales, tenga su pequeño lugar de gritar presente, en los días actuales.
¿Nunca se preguntaron porque lo feroz y atronador, causa tanta conmoción que en su impacto nos atrae quizá por magnetismo, o tal vez por que detenta una vitalidad y fortaleza que en la diferencia percibida, nos sentimos diminutos, casi inválidos con piernas?.
PerroDiablo, insmicuido en una propuesta de utilizar a la música, como remedio caústico visceral, para paliar el desacato “naif” de floggers, y rockeritos de pelos de algodón, y sólo logran enraizar una nueva filosofía de vida, que pareciera querer narrar un chiste verde de “Jaimito” en plena Isla Maciel.
Lo diétetico, el perdón, no entra en la construcción de tormento emocional que pregona El PerroDiablo, y así, como nos asusta y a la vez, hipnotiza un trueno, Doma, (voz de los Perro), causa similar impresión. En su sagacidad por intentar desbordar al espectador, realiza un uso del teatro interpretativo “New Dadá” de los 60’, en dónde, el actor, (en este caso el cantante de PerroDiablo), logra un lucro redituable para con el “acting”, al lograr que el juego paródico de emisor-receptor, se torne paródicamente agresivo para el oyente, pero simbólicamente depositando el concepto de que el rock vive, siempre que de alguna manera incomode.
Asustadas, las “ovejas groupies indies”, el cacique Doma, recorrió a pura gestualidad todo rincón del Bar Circa, mostrando que los fortines de comodidad, siempre pueden ser incinerados, más allá del contexto o lo que el dueño del rancho dicte. Así a puro aguijonazo envenado de guitarra, repasaron temas como “Rebote”, “Todos los No”, hasta el beligerante “Malas Preguntas”, (el del ya archimencionado estribillo “Esto esta lleno de putos”). Así, algo quedo en claro, si bien los desbordes que caracterizan a los perro, a veces pueden causar malestar con dueños de equipos técnicos, su actitud de despreciar el “vampirizaje” de “abrazo de judas”, y que todo “está bien en el rock”, en realidad es una cruzada paliativa para separar lo que “si”, se nutre de sangre vigorosa, del “no”, de aquellos corazones que solo parecen bombear vinagre, para que el público de vez en cuando, pueda despertarse de su médium como escucha, y pasar a posarse en un plano de mayor desafío con la música y consigo mismo.
¿Para causar estupor, siempre es necesario el bisturí o, la fineza y sutilidad también puede generar un lazo de reconversión y nueva existencia para el arte?.
Acá, como contraste aparente en musicalidad y energía, pero en plena paridad en el compromiso de conllevar un discurso decente, personal y auténtico, aparecen los Viva Elástico.
Encabezados por la voz melancólica y de grito enraizado entre la desesperación del ávido de conocer nuevos mundos, pueblos, destinos y amores, los Viva, cumplen bien el protocolo de entregar algo del vuelto de humildad, dentro del espectro del rock, de contar historias románticas, suburbanas y de cierta ensoñación terrenal.
Así, repasaron temas como “Somos tan Felices”, “Imágenes de Amor”, “Las Motos” y “Volvió a Casa”. Así, las antes “ovejas groupies” asustadas, y que tanto aparentan gustarle el amor, pero en los hechos, solo suelen molerlo a palos, se arrimaron al escenario, atraídas por la música “hemingwayna” de los elástico, pero sumidas en el placer de la seguridad, aunque en el fondo su capacidad de comprender el desafío de aprender a volar, aterrice plenamente en la constipación mental.
Algo hay que entender con los Viva, se trata de lindas canciones, si obvio, pero de una construcción que figuran claramente en el apéndice de lo desgarrador, fuera de todo artilugio estético, que hacen al “Punk Disney” de hoy.
Entre el trueno y la brisa, entre la aparente paliza y la deliciosa caricia, no hay diferencia, solo son diferentes maneras de contar una verdad al mundo. Así, en las narraciones que en realidad son simplemente canciones o pedazos de un actual mundo asustadísimo por el compromiso o los riesgos serios, tanto los perro, como los viva, navegan siempre a buen puerto, ese que se encuentra en cada acorde de sus canciones y en cada arteria de sus corazones.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"El esteticismo musical bien leído"

2008-07-17T08:22:00.000-07:00

Un turista es un viajero, que ávido de conocer nuevos lugares, se somete a la excursión e investigación de un hábitat desconocido. Banda de Turistas pareciera indagar de manera personal, auténtica y hasta lujuriosa, todo el manual del sonidismo “Kraut” y también los desbordes de lisergia musical de fines de los 60’.
Ya desde el primer tema “Las Casas de Brian”, y a través de intensos usos de cámaras en las guitarras, la banda despliega una bajada musical auténtica y personal, buscando siempre que la batería cruzada, los deposite en una especie de incesto tribal sonoro.
Incesto, porque hoy en día, con lo trabajado que están la mayoría de los géneros de la música, pareciera que la lectura personal de los Turistas, es plenamente hedonista, lujuriosa o jactanciosa, sin caer afortunadamente, en la perorata que actualmente acarrea al “kraut políticamente correcto” argentino. Así, autodidactas, y con la comprensión exacta del esteticismo aplicada a su música, reportan además (inconcientes o no) un manual archileído de tácticas para atrapar y deslumbrar al oyente.
La constancia “Motorik” de batería, permite que el trabajo de los teclados, guitarras y el bajo, hagan surgir estalactitas de preciosas melodías, utilizando la parte más cándida de sonoridad que sembraron 40 años atrás, el “Ralph and Florian” de Kratwerk, ciertos pasajes de “Cluster II” y el proto-punk denso y abrasivo de Neu! (escuchar los temas “Cóctel de Instantáneo” o “Mantrax”).
Investigando el mapa del antiguo “Adrógue Sound”, en el plano vernáculo, enhebrado en su momento por Victoria Mil, a través de “beat lisérgico”, cierran el disco con piezas ácidas, como si fueran fotografías de universos estroboscópicos, psicodélicos y de envoltura mitológica como resultan “Tema Final” y “Tema Final Segundo”.
Si bien Cóctel Instantáneo, representa un ep de 6 temas, que la banda grabó para el cortometraje “Oh Carola”, del realizador argentino Roberto Llauró, hay todo un alfabeto inscripto en el álbum que dejan en claro que lo personal, valioso y auténtico siempre va de la mano de la calidad, sino es imposible arribar a buen puerto o que la excursión sea eficaz, ya sea para el oyente o los mismos músicos.
En su expedición como revisionarios de géneros musicales como el “beat lisérgico” o el “kraut”, Banda de Turistas, no remiten a imágenes campestres, como mucho se ha dicho sino por el contrario, a una poliformidad sonora, que hace a su desenvolvimiento y corazón creativo. En síntesis, se trataría de “Kraut Hedonista” como si fuera una peregrinación repleta de musicalidad, interpretada desde un concepto “neo” para practicarla, pero desde el cúmulo nervioso que dictan sus cerebros y empalaga sus endorfinas, para placer de ellos y porque no, de nosotros también.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Pócima para despabilarte"

2008-07-17T08:12:00.000-07:00

Travesti realizó su primera presentación del año en el teatro El Nacional. Así, entre los sonidos de su laboratorio musical alucinógeno y su capacidad de performers “deformes”, la satisfacción de volver a verlos pasa, por ver como los travas conjugan pócimas musicales novedosas y redituables para los oídos.

El viernes en el Nacional, la puerta se rodeaba de apenas unas 50 personas, las cuáles esperaban ansiosos el primer recital de Travesti del año.
Si la pócima es el conocimiento medicinal de materiales vegetales, la pócima de los travas, pareciera ser la capacidad de hilar en sus fórmulas musicales, una resolución vital y eficaz, para que el espectador no termine desvirtuando su atención o aburriéndose.
Abren, con ese extracto de music hall de desidida urbana, que resulta ser “Juventud Residual”, para luego pasar al nuevo “Rumbo al Brujo”, tema dónde el comienzo de Floxon susurrando palabras va creciendo hasta lograr un acertado tono de
“Rock episcopal”, haciendo que esa especie de liturgia que parecen recortar los recitales de Travesti, siga por la buena senda.
Más tarde, repasan temas como “Bloody Marie”, intercalando ese efectivo uso del “noise”, al que Floxon nos tiene acostumbrado, y bien apoyados por los sonidos pesados y tenebrosos de los sintetizadores de “Gauchito sónico”.
Luego, pasa la versión punk industrial del tema de los ácidos camboyanos, que readaptan dentro de su filosofía musical que es “No estudies”.
La energía de Travesti, resulta oscura, pero no por lo maligna, sino por la manera en que encara la vibra de su música, hacia lados de extrema densidad para el oyente, como si se tratará no de un recital, sino de una suerte de “Protesta Humana” musicalizada.
Así, en esta especie de ritual musical, “caversónico”, luctuoso y misterioso a la vez, da luz a una especie de “Happening maquiavélico”, en dónde lo espontáneo lleva al oyente a una ruta sin retorno, de esas que con km metro recorrido, lo depositan en una densidad de sensaciones poliformes, que lo dejan dudando, si esta siendo sometido a un ridículo escabroso, o una obra de arte genial y futurista.
En esa especie de trance al que lentamente es sometido el oyente, los travas, despachan un añejo tema y que en un sentido es una fidedigna muestra de cómo pueden unir, “shoegaze” con bases de tecno industrial o gótico.
El resultado de todo esto, es “En/trans”, un tema que entre el homenaje a los personajes pictóricos de la Factory Warholiana de los 60’, muestra una fuerza contundente, que termina despabilando a puro bofetazo a los espectadores.
Así, cierran los Travas, su primer show del año, dejando en claro que su compromiso con la vanguardia honorable y ridícula, tan valorada en otros tiempos, sigue firme e intacta y con la enjundia de que el mayor desafío que les espera pasa por la capacidad del público de saber interpretarlos.
En esa disputa, emisor-receptor, entra en juego la genial obra de Travesti, y en el mismo juego, no hay vencedores ni vencidos, sino un rol o papel que lucha por romper con toda estructura o molde constipante y regresivo.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Paso a paso, preparando el salto final"

2008-07-13T22:09:00.000-07:00

El Mato a un Policía Motorizado, se presentó el sábado en el local de Petecos. En un show, directo y corto, lo que queda ya por destacar de El Mato, (dentro de los miles de elogios que cosechó en los últimos 3 años)sería, que iniciados dentro del indie con una visión particular de la música, esta misma puede llevarlos a punto de encuentro masivo, sin ninguno tipo de traición o jactancia chauvinista.

La noche era rotundamente fría, quizá la más gélida en lo que va del año. La concurrencia en el circular boliche de Petecos, era variada, desde “chongofílicos”, hasta los abonados clásicos, a “todo me da lo mismo”.
El mato a un Policía Motorizado, es la banda que le puso oxígeno al rock local, hace casi 4 años, con la salida de su primer Lp, titulado homónimamente. En una época donde las nuevas bandas se había acomodado a un discurso “exi naif” (por la torpe filosofía existencial que pregonaban), el mato recuperaba toda una línea musical, que siempre emano fuerza desde el lado de la sutilidad, (como lo es el “kraut-rock”), pese a que practicarlo hoy en día, sea políticamente correcto, más que un desafío práctico-artístico en sí.
Su fuerza moral, claramente esta nutrida de canciones emocionales, pero por caminos de particularidad, ya sea desde como se cruzan las guitarras, hasta el sentido lírico minimalista de Santiago, (esos cantantes que miden milimétricamente las frases para no terminar “enchastrando”, las canciones).
Así, a fuerza de himnos la banda, si bien parte de un discurso musical “indie” (son platenses obvio), la superación que han logrado, hace que desde un gomero fanático de la cumbia, pasando por un “punkeke” ortodoxo (adicto a “ataques musicales”), hasta un ortodoxo del rock clásico, (esos de la remera de V8), lo escuche con respeto y porque no, obviamente gusto.
Abren con ese himno, que termino por definir su estilo “Navidad en los Santos”, para luego pasar a temas como “Viejo Ebrio y Perdido”, “Amigo Piedra”, o “Sábado”.
Sin sobresaltos, claramente exponiendo un universo musical, didáctico, amiguista y contagioso, la capacidad de sobrellevar un show, con altura y soltura, en jóvenes que promedian los 25 años, es realmente notable.
Finalmente y luego de la ironía clásica de Santiago para cerrar el show, “Bueno, me tengo que ir, mañana tengo que cubrir un partido del ascenso”, se despachan con una versión al palo, de un cover de “Jesús and Mary Chain”; “Head on”, pero versionando en castellano, la que los Pixies realizaron, (o sea el cover del cover, ya que el tema es de Jesús, pero la versión tocada remite a la hecha por los Pixies).
Para finalizar podemos hacer un racconto de los ítems que destacan en la banda, y el desafío máximo personalmente que les espera.
*El mato, resulta ser el sueño hecho de realidad, de que cualquier joven melómano de veintipico de años, que siempre deseo tener una banda con un sonido personal, y que marque un territorio de fantasía y pasión, sin necesidad de jugar a ser una “estrella de rock bananera”.
*Con “Navidad de Reserva”, en el 2005, despabilaron para siempre a una generación que parecía sumergirse en el “néctar venenoso de los lánguidos”.
*Si bien, no hay muchas diferencias entre las dudas filosóficas que puedan partir de jóvenes reflexivos de ciudades cosmopolitas como La Plata o Buenos Aires. La diferencia parecía pasar por que los platenses más capaces y menos vergonzosos para entender la naturaleza del ser humano, (falible, no exenta de error) y asumirse a partir de todo esto, como “aprendices de las miserias propias y ajenas”, hace que su práctica se ponga en un plano práctico mucho más redituable. “Viejo Ebrio y Perdido” y “Amigo Piedra”, son un claro ejemplo de lo mencionado.
*Toda banda tiene que ofrecer un mundo particular, que los recorte dentro del mundo del rock. Con la trilogía, que iniciaron con “Navidad de Reserva”, continuaron con “Un Millón de Euros” y cierran este año, lograron que el sentimentalismo pretencionista, se deja de lado, por visiones terrenales que afectan a cualquier persona con un mínimo de aprecio por las cosas hechas con garra y pasión, desde bien adentro del corazón.
*La crisis de identidad del rock anglosajón y norteamericano, hace que no haya una escena visualmente identificable, como siempre ocurrió para los músicos del rock vernáculo. El camino que muestra el mato, es inspirador a miles de adolescentes que secretamente rasgan sus primeros acordes defectuosos, desde cualquier habitación anónima aún del país.
*El rock, como género ha perdido capacidad contracultural, por eso mismo desde la raigambre de su nacimiento, El mato, jamás pareció tenerle respeto a esto, como manera de lograr una suerte de reconversión de rituales o estereotipos mediáticos y estéticos.
Entonces a partir de esto, el desafío para El mato, personalmente podría ser:
En base, a una musicalidad personal, contagiosa, furiosa, y descarnada, su lugar dentro del indie, debe llegar a niveles masivos, (con las traiciones que ello puede implicar), pero pese a esto, es hora que luego de casi 15 años de “semi-anónimato”, de todo lo que agrupo al “indie rock”, el mato debe animarse a niveles de figuración populares.
Casi como un alarido final que sirva de reconversión a miles de oyentes que esperan algo que los mueva de su asiento de una vez y para siempre. En síntesis, El mato sabe que puede crear nuevos evangelistas del rock, ya sea que estos provenga de religiones en apariencia, (no en contenido de catarsis sentimental), tan disímiles como La Renga, Los Piojos o Los Redondos.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Días Dorados"

2008-06-27T08:29:00.000-07:00

El pasado jueves las agrupaciones 107 Faunos y Los Reyes del Falsete, se presentaron en el local platense, Pura Vida. En la música desprendida de ambas agrupaciones, la noche fue feliz, especialmente por la sapiencia para conjugar palabras, sonidos e imágenes que hacen de la juventud un momento dorado. Así sangre, alegría y emociones brillan con el grato resplandor de que lo mejor siempre esta por venir.

El jueves el frío en la Plata era intenso, como suele ocurrir por esta época en la localidad de las mil y una diagonales.
En el bar Pura Vida, pasadas las 2 de la mañana, era tiempo para que los 107 Faunos y los Reyes del Falsete, apacigüen la baja temperatura y calienten los cuerpos música mediante.
Los primeros en presentarse fueron los 107 Faunos. Agrupación que acaba de editar su reciente LP, denominando “Cumpleaños”, y en dónde a través de melodías festivas bien trabajadas a través de las guitarras, continúan el legado indie, iniciado en los 90’, por bandas foráneas como Pavement o Yo la Tengo, y que tuvo su aggiornamiento en el plano local, a través de agrupaciones como Suárez, entre otras.
Así, a través de letras plenas de imágenes de recuerdos de momentos altivos para el espíritu humano, abren con “Helicópteros”, para luego continuar con el cover de la agrupación Koyi Kabuto, “Pelícanos”, “Jhon Henry”, y cierran esta primera parte del show, con “Micrófonos”.
Si bien pareciera haber una continuación del legado indie, (o mejor dicho actualización ), en la música de los Faunos del legado de filosofía slacker (ese que habla del abatimiento espiritual, tirado en la camada mirando tv constantemente), hay sugerentes indicios de que el brillo catódico del televisor, se vería modificado, por los destellos radiantes del Sol, y su luz natural, enmarcando las emociones y vivencias en un contexto de búsqueda más armónico y de menos agarofobia doméstica, (quizá la excepción pareciera ser la letra de “Jhon Henry”).
En “Días Dorados”, el homenaje al joven y suicida poeta platense Francisco Lopez Merino, es un claro ejemplo de esto, al mostrar en la melancolía y ganas de que los tiempos del poeta idealista vuelvan. Los “pinos bioluminiscentes”, que describe la letra, son una clara referencia al lugar, en dónde se encuentra la estatua homenaje a “panchito”, el parque Pereyra Iraola.
“Pequeña Honduras”, pareciera ser la síntesis perfecta de lo mencionado. Partiendo de elementos grotescos, (medallones gurú) o comunes, (lapiceras mordisqueadas), lo que premia la experiencia perceptiva, es el sol, no las sombras del derrotero del auto-encarcelamiento doméstico.
Así, pasan finalmente “Muchacho Lobo”, y también hay lugar para imágenes de sumergimiento acuático urbano, como “Calamar Gigante Nº8”, (legado iniciado por Bochatón en Peligrosos Gorriones, utilizando metáforas amorfas, para explorar desesperanza o abatimiento).
Finalmente cierran con “El Elmo”, demostrando carácter autárquico como contemporáneos trovadores a través, de dulces melodías de guitarras, dúctiles arreglos de teclados y voces.
Más tarde llegó el turno de los adroguénses, Reyes del Falsete. En un show, pleno de energía los falsete, demuestran que en vivo, se despojan de cualquier miedo o duda, pese a su corta edad, ganando en audacia, valor artístico y madurez en la perfomance.
Más allá de algún que otro problema técnico en alguna de sus guitarras, abren con la “aireada” melódicamente pero con vitaminas de sobra, una vez desplegada con los intrumentos, “Mi Chica”.
Luego le sigue a esta, “Tifi Rex”, “La Fiesta de la Forma” y cierran esta primera parte del show con “Las Cosas como son”.
Coronados en su energía, y declarados mudamente victoriosos, a través de la euforia de los concurrentes, los falsete, se cocinan a través de canciones, que por momentos, parecieran sudestadas de euforia teenager, y por otros, elaboraciones cerebrales y artesanales del buen gusto por la canción.
Así, en la receta de su arte, se premia la pasión (demostrada a través de su cada vez más seguro baterista Tomy), la capacidad de pensar a través de melodías simples canciones personales (como lo demuestran las letras ácidas y de cierta carraspea de Nicólas), y el saber buscar el lugar para que cada canción no termine siendo una melanomanía personal (fijarse en vivo el cruce de guitarras, y la visualización de dónde meter línea de Juanchi, el restante integrante de la banda).
Así, entre falsete, energía eléctrica y voracidad apasionada, por el solo hecho de que la música es su mundo, y sin esta quizá su existencia no tendría el mero sentido, los reyes, siguen sin pausas, hasta el final a través de los sonidos de “El Gran Cohete” (¿decretado ya hit?), y buscando en la contusión continua de sonidos, un lugar para que el oyente no se ahogue y termine subiéndose a su barco musical.
La noche pasó, pero el acto quedó, y la experiencia plasmada tanto por los faunos como por los reyes, recluto a un viaje de alegría infinita a propios y extraños.
Como si los días dorados (esos que hablan de un pasado eterno), encuentren un lugar de suculento amparo, en los actos que salen profundo del corazón, que no miden ninguna vara de rigor. Invitando a cotejarse a uno mismo, y demostrando a través de la expresión (en este caso musical), auténtica, guerrera y apasionada, que la aventura de animarse a descubrirse a uno mismo con alegría, aún es posible en el siglo XXI.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Escena y Sueños Vivos

2008-06-18T03:04:00.001-07:00

El pasado sábado en el club Alumni de Turdera se realizó la primera edición del Turdera Fest., conon la participación de Ninjatrón, Atmosferia, Mármol R, Los Reyes del Falsete y Viva Elástico. Dentro de un clima “amiguista”, dado por los mismos habitúes del club y concurrentes, las bandas desperdigaron sus diversos estilos musicales, para que dentro de la sana competencia artística, se avizore ese sentimiento de escena musical, que hoy pareciera tan añejo e improbable.

Escena: Suceso o manifestación de la vida real, que se considera digno de atención.

Cerca de las 12 y media de la noche, abrió la jornada Ninjatrón. Alojados en grietas de la electrónica experimental y bluegrass, sobretodo a partir de la densidad que le otorgan por momentos los fraseos de bajo, y por otros los frenéticos punteos de guitarra, los ninjas, dieron todo un repertorio de dramaturgia aplicada a sonidos tecnocráticos.
Así arrancan, con una intro gótica que se va complementando a través de narraciones de Vincent Price, (esas que aparecen antes del inicio del video Triller de Michael Jackson). Luego siguen con más narraciones sobre pequeñas hortículas de ruidos.
Así, continuan los collages sonoros musicalizados (“Vigilante”, “Luca Brassi”), logrando que por cada bite de sonido, se filtre una espontaneidad, en dónde literatura, música e improvisación en la perfomance, parecieran dar cuenta de un “dance ecléctico”, desarrollado sobre la marcha, y envolvente por misticismo, sonoridad y obvio también dosis de adrede misoginia ridícula.
Más tarde, llegó el turno de los platenses Atmosferia. Acostumbrado el trío de la Plata, a brindar shows, planos, directos y arrolladores, a partir de la ventilada de guitarra de Tato, y lo envolvente del sonido del bajo y la batería.
Los platenses, arrancaron con “Dedo”, siguiéndole a esta ese remolino emocional que es “Delator”, para luego entre otros, cerrar con “La Maravillosa Antena”. El trío platense demuestre algo claro: que más allá de recortarse dentro del circuito under de la Plata, sus letras, musicalidad y performance esta lejos de arroparse en el lenguaje clásico del indie, sino más bien dentro de un post-rock, que invita al shock hormonal de manera simple, pero contundente en la práctica.
Atmosferia, tiene un pie en el post (pero con el otro se apoya en circuitos de rock), que hacen de la misma, una interesante banda, especialmente a la hora de verlos en vivo, agitando sus carnes y huesos.
Cerca de las 2 de la mañana, llegó el turno de los Reyes del Falsete. Adictos al Happening, y con la soltura para poder llevarlo como si se tratará de esos bizcochuelos que se preparan cualquier domingo a la tarde.
Los reyes, rescataron esas gemas estroboscópicas de desenfado teenager y sutilidad musical, y arrancan con “Tiffi Rex”, a la que le sigue, el “Gran Cohete”, y ese hit en potencia que resulta ser “La Fiesta de la Forma”.
Así, entre delirios de “groupies “envueltas en todo tipo de vapores etílicos, cierran su show a puro “guitarrazo” emocional con “Yabrán” y “El Telefonista Loco”
Cerca de las 3 menos cuarto, arranco el show de la anteúltima banda que se presentaba Mármol R. Volviendo lentamente al formato eléctrico, luego de la transición (cajas de ritmo mediante), mientras se buscaba baterista nuevo.
Los “gauchos sónicos” del rock, arrancan con “Que otra Función del tiempo”, para luego pasar a “Me molestan”. Así, entre “boleadora” de guitarras, trigguers, y ese groove “madchesteriano”, los Mármol, generan la sensación de que cualquier intento de “aggiornar de manera personal y autóctona sonidos foráneos, es mucho más valedero que el cliché “cursi esteta” que últimamente parece adornar a nuestras tierras, en lo que respecta a lo musical. Como muestra de esto, vale la furtiva y desenfadada, “Así no se mata a un criollo”, en dónde lo vernáculo se empapela de esos sonidos 80’ que provenían de las tierras del norte inglés. Bien por Mármol, que vacuna mortalmente cualquier cepa de “fashionismo” y acéfala reflexividad, como forma de retratar emociones y sentimientos más reales y cotejables para todos.
Finalmente, el cierre a puro trapo fue de Viva Elástico. Melancólicos pero llevando la sangre bien caliente, y apoyados en la luctuosa y desesperada voz de Alejandro Schuster, bien seguidos por sus laderos de siempre Mateo (en guitarra) y Santiago (en bajo), sumada a la reciente incorporación de su nueva adolescente baterista apodada “Leoncita grunger”.
Así entre manifiestos previos de catarsis virulenta pero justificada y real, los Viva dieron esos shows épicos en emocionalidad y a puro acelerador en lo musical.
Sin ningún tipo de respiro, y luego de ciertas necesarias “bajadas de líneas”, de su cantante arrancan con una intro dub, para pasar a “El Festejo”, y terminar esta primera parte del show con la corajuda “Somos tan felices”.
Más tarde siguen con “Imágenes de Amor”, esa canción que refleja perfectamente todo una manera de retratar imágenes profundas, siguiendo un legado que bien se delineó en los 80’. Luego, el mejor tema de la noche, “Las Motos”, una canción que musicalmente muestra plenamente el espíritu de los elástico y a la vez, plantea una manera novedosa a través de la lírica, de cómo el frenesí alienante puede ser demarcado, sin para eso caer en esas “sopas grumosas” posmodernas e irritantes, que más bien parecen un manifiesto de “yoísmo” que canciones hechas con dignidad y corazón.
Finalmente el show de Viva, y el Turdera Fest., marcan su punto final, con el tema “Vuelven”, dejando como saldo positivo, además de lo mencionado acerca del concepto de escena lo siguiente:
Cada una de las bandas desempeño un papel, como si se tratará de una obra dramática dividida en 5 partes. Siguiendo una línea emocional invisible, y a la vez, buscando en la caracterización de su arte, brindar un universo único e irrepetible.
Las cosas, como antes, las cosas como deberían ser. Todos los integrantes de las 5 bandas intercambiaron opiniones de toda índole, y todas se escucharon a ver que tenía para ofrecer los demás, como manera de cotejo del otro, y a la vez, para desafiarlo implícitamente cuando era la hora de tocar, para cada una de ellas.
Hoy en día, nucleado el centro cultural en el Palermo, con los excesivos precios y el confort como primacía en lugar del contenido, es hora de descentralizar, esta “palermitud”, que en la solemnidad de creerse modernos, confunden progreso con aptitudes de reflexividad creativa y simbólica, llevando el concepto de contracultura a un nivel de ridículo e insensatez como pocas veces se observó en la historia de la música.
En suma, para que los festivales no sean un “ringtone de sueños rotos”, y si un
lugar de plena expresión carnal y sentimental.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Happy end"

2008-06-18T02:58:00.000-07:00

Los reyes del falsete presentaron el pasado martes, aprovechando el feriado del miércoles. En casi 30 minutos, brindaron un show, contundente, aplicando en su repertorio esa dosis de happening, que tan bien le queda a su hilarante musicalidad.

El tío Bizarro, estaba caluroso y la concurrencia del público era numerosa aprovechando el feriado.
El recital de los reyes fue directo, parejo y pleno de algarabía juvenil, de esa necesaria para que el exceso de credulidad de una banda de rock, no termine pecando de egoísta en su compromiso con el público y especialmente consigo misma.
Así pasadas la una, abren con “La Fiesta de la Forma”, (una vez más en formato eléctrico clásico, es decir guitarras y batería).
A continuación viene uno de los mejores temas de la noche, tanto por el mundo que la letra despliega como por el armado de acordes, que destina ese sonido sixtie-beat con su personal dosis de lectura de la alternatividad denotada en guitarras: “Las cosas como son”.
Luego, con invitados amigos, que colaboraron en voces (masculinos y femeninos), paso lo mejor de la noche en el sentido de realizar los temas, con la idea de lograr que el público se preste al juego juvenil de sentirse plenamente partícipe, y logrando un recorrido artístico directo y pleno, sin ninguna demora o pausa, que disipe la atención.
Así prosiguen, “Tifi-Rex”, “El telefonista Loco” y otro tema dónde falsete, y lo personal de las guitarras, se unen para darle forma al festivo, “El Gran Cohete”.
Así, siguiendo la fiesta de “su forma”, tanto musical, etaria y de sonidos, los reyes del falsete, consiguen cuando cierran con el último tema, “Nectae”, una “happening”, minimalista en producción pero bastante lleno en contenido, logrando que la jovialidad, tome primacía, sobre formas más elaboradas, que quitan frescura y comodidad a la proyección de su música.
Así pasaron una vez, más los reyes en la noche de Burzaco. La primera crónica hace casi 8 meses que realice sobre ellos, (luego de 6 meses de seguirlos anteriormente), hablaba sobre un mundo particular, en dónde el exceso juvenil, calaba perfectamente con sus formas prácticas, utilizando dosis de ironía, grotesco y un sutil hedonismo, recuperando cierta lectura “kitsch” que parecía olvidada en el recuerdo de bandas vernáculas de rock.
La evolución, de septiembre del año pasado al abril del presente año, pareció siempre respetar una línea bien acabada, siempre y cuando momentos los momentos de pretencionismo, en realidad sean una vuelta de rosca, que lleve a un progreso en sus formas musicales, para evitar que la frescura siempre los mantenga a salvo de cualquier pecado de juventud.
Ese personalmente, será el final con bandera feliz, que los reyes deben tener siempre como meta.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Garagera y Elegante"

2008-06-18T02:44:00.000-07:00

El pasado Jueves en el Ateneo, Rosario Bléfari, se presento en el Ateneo, en el ciclo denominado “Mes de la Mujer”. Gratificada por un público que va desde el adolescente ilusionista hasta el cuarentón perdido, demostró una vez más, a través de su seductora explosividad de performance, como la energía puede ir tranquilamente de la mano de música dulce, melancólica, chispeante y sumamente personal.

Luego de las presentaciones de Flopa y Hana. Esta ultima comandada por Florencia Ciliberti, (aquella del conocido “hit”, que narraba “tengo un parque de diversiones en mi casa”). Prototípica “girlfront” “posmo”, Hana, dispara canciones pegadizas en un marco de electro pop standar, teñido de programaciones de sintetizadores, que se adaptan al molde de su dulce de su voz.
Más tarde, Rosario Bléfari subió al escenario del Ateneo, para brindar un show enérgico de esos que acuña su “power femenino” interior.
Así, estrenando coqueto platinado, abre con “Privilegio”, seguida de “Mejillas” para entre otros, cerrar esta primera parte del show con “Esclavos”.
A continuación y dentro de su estirpe “garagera” que tiñe sus performances en vivo, dió paso a dos de sus temas más logrados como solista, “Vidrieras” y “Lobo”.
El escenario se despeja y solo queda su guitarrista Javier Marta, y ella. Para a través de un dueto de guitarra distorsionada, acompañada de la inefable voz de la ahora blonda ex Suarez, brindan en dicha parte del show, un acto minimalista en recursos pero gratificante en contenido.
Luego, la nave musical de Bléfari, retoma aprovechando la veta más rockera a la que parece inclinarse, luego de editar “Misterio Relámpago” y “Versiones Relámpagos”, temas de la hondanada musical que navegó con Suarez, como “Ánguila” y “Los veo aparecer”.
Así, con la participación de Suarez, (al igual que en los 90’, un “zoombie” por el escenario, pero con la justeza y precisión instrumental que siempre destilo durante aquella década), Bléfari termina su actuación a 1000 km por hora, como nos tiene acostumbrado, y dando cuenta que más allá de la edad, la esencia no se pierde, siendo quizá esa sea su mayor virtud y por ende su compromiso, mientras la sangre caliente sus venas.
El kilometraje final del show, dispara “Campanario”, “Ahora entendí”, y finalmente cierra con “Navidad”.
Rosario Blefari es un claro ejemplo de un artista que conlleva un legado personal y auténtico. Ya sea como revolucionaria en el concepto del papel que la mujer argentina jugo históricamente en el rock, sin ningún tipo de padrinazgo musical, y sin levantar bandera de ningún tipo. Contándole al mundo su verdad, experiencias y sensaciones, a través de canciones, de esas que nutren las tardes de melancolía y porque no también de algarabía. Salud por Rosario, y sus espumantes canciones que nos suavizan los oídos dentro de la barbarie cotidiana y el mutismo comunicacional, que cada vez con mayor fuerza, nos cerca nuestro “rancho” sentimental, al cuál desde pequeño creímos ingenuamente intocable.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"Recordando tu expresión"

2008-06-18T02:32:00.000-07:00

El pasado sábado, en el cierre del ciclo de la revista digital Avantt Magazine, en Uniclub. Mármol R, como Viva Elástico, demostraron a través de música introspectiva, dulzona, catártica y juguetona, que generalmente la intuición en la práctica hace a la frondosidad espiritua

Sábado, a la noche, lugar de mil pecados y también de mil perdones. Así, entre los murmullos de la gente entrando hacia el boliche, abrió la noche Viva Elástico.
Ayudados debido a la veta acústica del show, por cajas de ritmo, y teclados, Viva encabezado por Alejandro Schuster abre con el instrumental “Matemático”, (de geométrica resolución tal como lo indica su nombre). Luego los viva, empiezan a recorrer su universo personal, de ensoñación de imágenes de retiro espiritual hacia un lugar más ameno para el corazón y uno mismo, con la nueva canción, “Hablar de a dos”.
Luego le siguen “Dicha” y “Volvió a casa”, y toda ese metáfora implícita de los viva, narrando trayectos que narran un cierto temor oculto por los regresos abatidos, por la esperanza que da el tiempo diario, (especialmente cuando es mediodía y todavía falta para que la noche aceche), tratan de canciones que toman una veta filosófica de ensoñación casi “Hemingwayana”, (en referencia al escritor Ernest Hemingway), en dónde la desesperanza a la vez, genera marcos de acción de retiro hacia un horizonte infinito de posibilidades, que la misma vida otorga.
Tampoco en Viva Elástico, hay una constante debacle espiritual, sino que también asoman imágenes pictóricas de recorridos fotográficos románticos y actuales, como parecen ser “Imágenes de Amor” o “Las Motos”. El amor o afecto profundo es tomado como un viaje profano y a la vez sagrado, fuera de todo espíritu amarillista o sensacionalista.
O sea, buscando en base, a una poesía clásica, pequeños momentos o destellos, de amenidad, comodidad. Intuyendo que lo más profundo de alguna manera se construye de a dos, más allá de que la fórmula simple, siempre otorgue resultados complicados o no esperados.
En búsqueda de lo diáfano, de la claridad para simplificar momentos gratos, y también del laberinto sin salida, que con el paso del tiempo eso se vuelve, es quizás el magma musical personal y más valioso, que Alejandro en voz, bien secundado por Santiago en “sintes”, y Mateo en guitarra, hacen de Viva, una banda que reencuentra en canciones que narran una búsqueda de reconversión buscando en imágenes que expresan, que lo carnal y profundo, vale más que cualquier bajo vuelo, dónde el desenfreno, hace que por lo general, solo que probemos, pedazos pequeños de personas y cosas, que bien podrían haber sido, todo un nuevo rumbo, pero por miedo y negligencia actitudinal, nunca le dimos la chance merecida.
Más tarde llegó el turno de Mármol R, ubicados cómodamente en el universo de cajas rítmicas, y teclados (debido a la falta de baterista aún), el show de Mármol, pareció una fotografía contemporánea de rock, al servicio de lo contagioso y simplemente divertido.
Ya desde los golpes “ninjatrónicos” de Juan Milanese, desde la caja rítmica, y recuperando el sonidismo juguetón con la vuelta de Martín Salas en teclados, Andres Eloy, y los suyos, desempeñaron, su papel de performes irónícos de un sonido que ya es plenamente “cumbia manchesteriano”, demostrando que más allá de la genética, entre Flor de Piedra e Ian Brown, no hay mucha diferencia a la hora de entender la música a nivel expresivo y gestual.
Así, abren con “Viajar”, le sigue la cumbia mix “Siempre hay rincones”y cierran esta primera parte del show, a puro “swing” “tropi-electro”, con “Es pura Casualidad”.
Después viene la catarsis energética de ese “Hit” que no respeta targets ni Fm, que resulta ser “Así no se mata a un criollo” y cierran finalmente con “Sonrisas Tuneadas”.
La búsqueda de imágenes de Mármol, es claramente purgatoria, pero dando cuenta que lo que separa, la ilusión de la realidad, esta determinada por la capacidad, de no rendirse de las personas, mientras el aire lleno los pulmones, más allá del resultado final.
Hay romanticismo, pero puramente biológico y enérgico, de ese que sale de las huestes de la desesperación sin temor a terminar golpeándose la cabeza, mil y una veces, contra la pared.
El sábado paso una vez más, y la noche dejo toda una nueva lección para los románticos perdidos, y también para los cuervos voraces e infectos. La clave tanto para Viva como para Mármol, es que ambos brindan a su manera un reencuentro con espacios e imágenes sentimentales, que recuerdan a los mejores tiempos del rock argentino, cuando lo importante era cantar canciones que retraten hechos y personas, parecidos a uno, y no un “yoísmo” atroz, fuera de cualquier contexto real y fácilmente identificable.

Bernardo Damián Dimanmenendez

La "media" de Victoria

2008-06-18T02:21:00.000-07:00

El pasado jueves Victoria Mil se presentó en el Teatro Victorial. Pioneros en definir una bandera anímica musical a través del reviente toxicológico, el recuerdo lúdico de experiencias suburbanas y personales, la pesadumbre frente al frenesí posmoderno y obviamente las fotografías de tragedias griegas pero actuales, en ese teorema sin resolución que es el amor. En síntesis, Victoria Mil, plasma en su historia y en las performances cansinas y displicentes en vivo, la “otredad” real, que decadencia cultural mediante vernácula, cambio sutileza por fácil bravuconada.

“ La media de Victoria”
Uno ve el cambio de coyuntura para la clase media argentina, a partir de más de 30 años de ininterrumpida decadencia económica. Así trajinados sus bolsillos, merman para peor sus históricos valores referenciales sociales, culturales y espirituales. Más allá de que el destino estaba escrito, a veces urge la pregunta: ¿Qué hubiera pasado si alguno de los hilos mediáticos que sirven al bastión de usurería espiritual y filosófica, por milímetros temporales y contextuales no hubieran triunfado (más allá de lo monetario)?.
La respuesta es siempre abierta, pero quizás las flexibilidades o chances prácticas de toda una generación analfabeta “social, sentimental y práctica” hubiesen crecido.
Quizá Victoria Mil, más allá de lo diverso de su obra, y de cierta aceptación, (“abrazo de judas” mediante), de parte del edulcorado vintage “palermígena”, responde a una otredad en dónde la catarsis de hacer música, expone el sueño quebrado y roto, del antiguo “swing” para aceptar y jugar con la decadencia de la hoy, irreconocible clase media argentina.
Como la TV muchas veces esconde ideológicamente las reales falencias sentimentales, por un banal “polstergeist” de silicona, que a la vez, busca el lado más animal y básico del ser humano. ¿Qué hubiera pasado si Tato Bores hubiera tenido un par de años más de vida, y con su “guiño irónico” discursivo hubiera purgada de toda hez o halitosis mental, a la futura generación acéfala, misógina y reaccionaria que Tinelli delineo en complicidad con el mosaico financiero que Menem y sus secuaces iban tejiendo en la gran mayoría de la población argentina?.
En fin, el triunfo fue de Marcelito y los “gauchos en pose forzada”, como Cordera, así Victoria Mil, formando parte del último hormigón del rock sónico, con un discurso de “reviente volátil”, quedo en un panorama desolador. No obstante en su desarrollo, su particular lírica, capacidad de metamorfosis creativa, introspectivos himnos musicales e intuición para avizorar el camino sensible del talento, hizo que su transición a un cierto lugar de reconocimiento, se de por la capacidad de saber lidiar con los malos momentos, y hacer de dichos estados anímicos imperfectos un gran acierto.
Así entre los temas y nuevos, tocados en el repertorio, hay data para dar cuenta de cómo “la tonalidad doméstica, romántica y espiritual” de toda persona, que pertenezca a un hábitat de clase media, (ya sea media baja, media media, o media alta), hoy en día encuentra un lugar de resguardo en Victoria Mil.
Temas ejecutados en el Victorial como “Estoy Bien bien”,“El Rock Vive de mi”, “Me Miraste Fijo” o esa bomba musical que es “G-13”, muestran que en parte, la emocionalidad que viene de sus sonidos, se da por la particular manera de encarar sus letras a partir de la aparición súbita de antónimos o similar acústica fonética.
A la vez, no hay fastuosidad instrumental, ni tampoco gestual, sino que la trascendencia se da a partir de la hábil capacidad para tomar un “núcleo” de acordes, y saber repetirlos según las dosis adecuadas. Obviamente que para llegar a esto, intervienen a favor sus dotes naturales para la programación de sintetizadores, y la muñeca robótica de su baterista Leo Santos.
Toda banda, que inscribe un marcado mundo personal artístico, y que deja un legado con el correr de los años, también debe tener esos temas que por explosividad, parecen guadañazos de rechazo y a la vez, reconversión, de experiencias prácticas que se dan en un marco acotado. Entre las varias que tienen en su armario sonoro, los Victoria, tres de las ejecutadas, en el show, sirven de fidedigna muestra. “No Nos”, “Acá esta todo mal” “Ying Yang” o “Dulce Hastío”. Los dos primeros forman parte del álbum más combativo y “al frente” de su carrera que resulta ser “Armas” (2000). En una época de total descalabro económico y cuando en la fiesta de los 90’, solo se veían todo tipo de cuervos devorándose las últimas y rancias migajas culturales, “el caballito de batalla” de los Victoria, se da por focalizar que en la desesperación, el afecto profundo y sincero, resulta ser el mejor remedio contra todo mal. Así, “No Nos”, le otorga al mundo desencantado, “besos y abrazos mediante”, una “canción universal”, por la catarsis hipnótica que despliega. El juego parece similar en “Acá Esta todo mal”, en dónde en lugar de apelar a “veborragias demagógicas”, (recuerdan la canción “Se viene el estallido”, tan cantada por esos tiempos), busca la “chipa divina” personal, para reconocer que en el fondo, la sangre que recorría al criollo de esos tiempos, hervía para todos por igual, perola sensibilidad y sutileza seguía separando, que afección era válida y cuál pura pose. “Consejos de Arriba”, forma parte del álbum más confesional de la carrera de Victoria Mil, “Este Cielo de Estrellas Caerá” (2003). Así, entre la ironía del encuentro del bonaerense con la cosmópolis de Capital, el foco más idóneo parece del lado del supuesto “campesino”, debido a la discapacidad funcional y espiritual que presentan la mayoría de los habitantes de la mole de cemento.
Disco teñido de geometría sonora, revestida de excesos narcóticos, reconversión espiritual y contextual, y que planta todo un primer pantallazo, sobre el fin de lo que fue el “sueño de los sónicos de los 90’”, y su difícil readaptación a la presente década, con las mañas nuevas que la misma presenta.
Aceptados, a priori por “comoditie estético”, (no de contenido), Victoria Mil a partir del 2004, pisa más de plano, el “aséptico pop” que trasciende en la Capital Federal. Quizá narraciones, como “Ying-Yang” y “Dulce Hastío”, (ambas dentro del álbum que más ventas le otorgó, “Estoy Bien Bien Bien” del 2005), sirvan como muestra de que saboreando cierta crema, el gusto de la misma le sabe amargo. Si bien hay cierto paralelo contextual, la mirada natural de personas del conurbano, jamás la dejarán atrás, más allá de que algún otro permiso, quizá por edad, (la mayoría de sus integrantes ya ronda los 35 años), pero dando cuenta, de que si hay traición, esta debe darse solo como maduración, no como intento de acomodarse al patinódromo de “drogui-dancers” o “Fly-pass”.
Ya en el 2008, y en vísperas de su nuevo álbum de estudio, Victoria Mil, a través de los temas nuevos presentados en el Victorial, como “El Oro”, “Sid”, “Cambiar” o “Resplandor”, siguen esa búsqueda personal de desmantelar todo intento de “fetichización de su obra”, (recordemos que en su momentos fueron pioneros del redescubrimiento del Kraut allá por los 90’ y hoy en día parecería que hacer Kraut-rock, es políticamente correcto). En suma, aportando a un universo artístico que se despliega en la búsqueda de sensaciones posmodernas, abúlicas, toxicológicas y de sensaciones profundas y a la vez contradictorias, como toda persona sometida la perturbación espiritual que resulta ser estar vivo en el siglo XXI.
Condimentados diariamente por una cultura mediática y artística, en dónde, parecería que la confesión del miedo y al error, que nos haría más reales y humanos, fueron dejados de lado, por un “hombre universal” de “falo” sempiternamente alto, tanto Tato Bores, como Victoria Mil, cuando pasen los años, podrán ser juzgados por su obra, y ocurrirá que según el ojo y la vara que los mida encontrará aciertos y errores cabales a todo ser humano.
Lo que es inamovible, tanto para los dos, es que en la forma de contarles historias al mundo, la ironía y aceptación de crudas realidades, juegan con un patrón de sensibilidad hoy en día, deformado y pisoteado para la ex clase media. Qué en su falta de vergüenza propia y coraje para poder desmistificarse, enhebró una telaraña tan burda de valores, que la gracia que le da ese antiguo “swing”, a los jóvenes de dicho sector, para poder repensarse como seres humanos falibles y cotejables, los terminó transformando en lobos iracundos y torpes, que “guturean”, las mieles infectas de bravuconada. ¿No será tiempo y hora de asumir, de que los defectos se puede hacer algo perfecto, y que el rock se tiene que vivir como un lugar de curiosear con lo “profundo”, en lugar tomarlo a este como una vidriera estética, en dónde sólo interese el hecho de la pertenencia simbólica y no de contenido o mejor dicho, el “hecho de pertenecer por pertenecer”?

Bernardo Damián Dimanmemendez

Laterales y Auténticos

2008-06-18T02:10:00.000-07:00

La agrupación Latexx, se presentó en el tío Bizarro. En una actualidad, dónde el término “alternatividad” suena ridículo, hay varios aspectos de esta banda de zona sur, que podrían ubicarla dentro de un lugar lateral en el rock actual. Ese mismo que no busca bandera de consagración alguna, y a la vez, música mediante, queda recostada en un lugar personal y particular.

El viernes pasado el Tío Bizarro despilfarraba humedad por todas partes. Entre los últimos calores del año, e intensas lluvias posteriores, Los Latexx, agrupación oriunda de la localidad de Temperley, y con casi un lustro de trayectoria, ejecutó un repertorio sólido, parejo y pegadizo.
Banda prototípica de lugares donde abunda lo post, o momentos de transición del rock. Tal como ocurrió con el intermezzo que se noto en el post-punk de fines de los 70’, en el pre-grunge de la movida de pixies y cía, en los 80’, o el madchester de esa misma época, que después fue moldeado hacia formatos musicales más directos, con el Brit-pop de los 90’.
Latexx, se contextualiza en una época donde no hay concepto sonoro alguno, tampoco escena musical alguna que marque algún tipo de rumbo a seguir. Así dentro de su “deformidad” sonora, las canciones suenan simples y recortan todo un universo personal.
Este mundo artístico o creativo propio, busca algún tipo de frecuencia en bandas de fines de los 70’, como The Damned, Richard Hell and The Voidods, o Magazine.
La estructura sonora suena deforme, histérica por momentos y más cruda por otros.
Así, como en toda banda “post” del rock, la batería (a cargo de “Ghandi”), es directa y pareja, para que la guitarra (Hernán Velásquez), juegue a disparar todo tipo de riffs o acordes movedizos, pegadizos, luctuosos o disonantes. El bajo (Fino Crivelli) dibuja, aprovechando la soltura que se le otorga, al no tener acordes llenos en la mayoría de las canciones.
Su cantante (Pablo Pensado), busca el histrionismo gestual, a través de tonadas “New wave” o “latigazos” vocales desesperados que tiñeron el post-punk de fines de los 70’.
Así, comienzan su show con “Menos de 80”, a la que le siguen en esta primera parte, “Voy a explotar”, “Traje Húmedo”, y “Las Arañas”.
Así, entre acordes partidos, y emotivo despliegue gestual, le siguen “Me Canse”, “Luces” y “Qué esta Pasando”, con el guiño de estructura musical en su intro, al “London Calling” de los Clash.
Así, entre el “swing” melódico, la llovizna de riffs acelerados, y la deformidad otorgada por la base, tocan “Disco” y finalmente cierran con “Me haces Mal”.
Hay rastros claros en Latexx, de lateralidad sonora. Para ser más exactos, parecería que en sus letras buscan imágenes paródicas personales o posmodernistas. Sus canciones son las que siempre les gustan tocar desde chicos, y finalmente parecería que para ellos lo que realmente importa es tomar extractos de grotesco sentimental, palabras que remiten al hastío, (tan anoréxico para el corazón) son moneda corriente en sus letras.
En síntesis, Latexx, conjuga en parte un sentido de alternatividad, que no tiene que ver con lo musical, sino con la praxis que implica dicha palabra. Lo alternativo no sólo sirve para definir un aspecto de la música, sino que también podría trasladarse a la forma de demarcar una conducta, códigos de socialización y hábitos personales.
Hoy en día que el acceso del escucha a la música es plano, todo término reinvindicatorio que soslaye cierta música como intocable, es fácilmente lapidado, al ver la cantidad de “alterno-countries” (esos del corte “brit”, y remera polista), que camuflan estilización estética mediante, su estirpe de cipayos naturales y su sentimentalismo de baratija.
La música que escuchamos debe ser en parte, un reflejo de lo que nuestro tracto diario, nos marca de manera implícita. Los Latexx, en la “lateralidad” que ocupan en el mundo de la música, son dignos poseedores de un discurso personal y auténtico, que más allá de los réditos que le depare o no a futuro, saben bien que va de lo que no. ¿O sino se imaginarían a Ian Curtis, después de un show de Joy Division yendo a cenar a las Cañitas?.
Bernardo Damián Dimanmenendez

La Utopía es personal

2008-06-18T01:52:00.000-07:00

El pasado sábado, Mármol R y El Carro de Yaggernat, se presentaron en el Centro Cultural “El Surco”, en Boedo. La división del rock, por lo general de manera reduccionista, deja nichos musicales de particular composición. Mármol como el Carro, se depositan en dicho lugar, generando personales maneras de sonorizar la vida.

La música argentina puede ser vista, a simple vista como un muro, en dónde los cuadros genéricos musicales, que ubican a diferentes bandas según su estilo, parecieran a priori, definidos de antemano. Así, tenemos, punks, rockeros clásicos, metaleros, alternativos, electrónicos, etc. No obstante si nos acercamos con una lupa de mayor grosor al muro, algunos de los diversos estilos mencionados, parecen agruparse en dos bloques: “indie” y “mainstream”.
Hoy en día, más allá de las contradicciones que el “mainstream” pregone, es hora de que el “indie”, después de naufragar durante varios años, entre subterfugios de oscuridad y “naif” sentimentalismo, enfoque sus discursos hacia vivencias que deben recorrer musicalmente y líricamente, a toda una juventud argentina que no para de refugiarse en los primeros “títeres” que los medios enfocan.
Primer caso para una utopía musical: Narrativamente se debe ser poeta “virulentamente” infectado por el desfalco sentimental. Contar y narrar las vísceras espirituales, que nos alimentan, y que forzadamente digeridas nos hacen más fuertes.
Mármol R: “Hay muchas formas de rechazar un planteo, Así no se mata a un criollo. Semanas y semanas de respuesta virtual, eso no es de hombres. Me dijiste que no sabías, sabías actuar, que eras llena de ingenuidad, no, no, no, Yo te lleno de...”
El Carro de Yaggernat: “Creo que fueron los últimos días acá. También creo que fue que el vacío, nació del invierno. Y nunca dudes frente a una niña que goza, y nunca dudes frente a una niña que piensa. Porque quiero que pienses que tus últimos días no estarán dentro del placard”.
En el “dolo”, en lo no legible del sexo opuesto, hay resurrección a través del arte. Pero sin empache de honestidad, sino solo con lecturas simplistas que atañen a lo irresolutivo de muchas cosas que rozan el “querer”, pero chocan contra el no poder.
Segundo caso para una utopía musical: Hacer converger de manera sumamente personal, toda la música que aturdió nuestros oídos desde chicos.
Mármol R: Sin batero, y en una época de transición, recuperando el “sonidismo” de teclados, gracias a la vuelta de Martín Salas, y apoyados por los golpes “ninjas” de caja rítmica de Juan Milanese. La voz, desesperadamente pervertida de Andrés, cala perfectamente en las guitarras juguetonas que tiñen sus melodías. El “cockatil” de recuperación de toda esa confesionalidad moderna y desolada, que tanto dió que hablar en grupos argentinos de los 80’, y que mal leído fue en los 90’ por los poetas que caminan las veredas, descansa en un “habitat” sonoro peculiar, y exento de cualquier latifundio expresivo.
El Carro de Yaggernat: Personales, desde la voz afectada de Aníbal Paz, y las guitarras entre “etéreas” y “volátiles” de Alejandro Valdez. El carro, es el sueño de cualquier arquitecto que luego de contar sus frustraciones personales manejando un taxi a pasajeros ocasionales, se deposita en algún bar de dudosa reputación, y necesitado de música que sintonice con sus vaivenes anímicos, esta lo impulse a dibujar proyectos postergados que algún día serán realidad
Tercer caso para una utopía musical: Hacer que la agrupación sea única. Tanto por motivos o necesidad imperiosa de contarle al mundo, historias tan reales, que marginados que nadan a la deriva en los laberintos de la vida misma, o afectados por la falta de estímulos básicos, (amor real, ese que contadas veces se encuentra); localicen un almohadón de sonidos, que fuera de toda clase, color, religión o filosofía, forme una “pangea musical imaginaria”, tan abarcadora, que la conexión expresiva invisible, se haga infinita hasta china y porque no Taiwán.
Mármol R y el Carro de Yaggernat: confesiones biológicas, analfabetismo sentimental, disfuncionalidad social, histerias animadas en el exceso de sensibilidad, rompimiento de frecuencias pretenciosas o fuera de lo que la cúpula celeste, nos depara diariamente. Ese borrón y cuenta nueva, (ese nicho escondido en la pared), que todos nosotros mientras la sangre circule caliente, nos debemos mínimamente alguna vez, en la vida. Para que los sablazos recibidos y las cabezas “rotas” contra la pared, puedan cicatrizar heridas profundas, y las marcas escritas en el cuerpo, sirvan como testamento de que salvo la muerte, todo tiene solución, y las flores, con garra y pasión, nos esperan a la vuelta de cualquier esquina.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Veredas Opuestas

2008-06-18T01:41:00.000-07:00

El pasado domingo en el anfiteatro del Parque Recreativo de Hurlingham, dos estilos opuestos se encontraron. Parando por un lado el Carro de Yaggernat, y por otro Trazo Fino, su antena acústica que los para de diferente manera a la hora de practicar música, la tarde apacible se fue musicalizando a través de la “conga rock” de los Trazo Fino y el pub-rock de El Carro de Yaggernat.

Hurlingham, parece desde su fisonomía natural brindarle un pequeño honor a su denominación anglosajona. Así entre brotes de aire húmedo, el vigoroso césped que recorre sus veredas se vuelve tan intenso, al punto tal que llegado un momento, uno supone que tirando una semilla al mismo pasto cualquier tipo de planta, crecerá en cuestión de segundos.
El Parque recreativo de Hurlingham, con su Anfiteatro circular con capacidad para casi 250 personas, fue el anfitrión de dos propuestas musicales opuestas. Por un lado aparecen los Trazo Fino. Banda que rastrea el lado clásico suburbano del oeste más pudiente, (Hurlingham, Palomar, San Miguel) y lo mecha con la indiosincracia contextual de dicho sector. Así, entre historias cotidianas, de “Romeos y Julietas del conurbano”, toxicología blanda, y añoranza de fraternidad construyen su organismo musical.
Comandados por la voz ronca y desencajada de “Matas”, seguidos por la compacta base de bajo de Facu, (siguiendo el legado de fraseos dinámicos que otorgo allá a lo lejos, Arnedo), la prolija batería de Pastel, y los decorados de guitarra y percusión (Chino y Maxi respectivamente), la banda articula su musicalidad en la genealogía de reggae y ska ortodoxo de aquellos primeros Fabulosos Cadillacs, con otras canciones más puristas de rock, que responden al ya añejo y desgastado “rock chabón”.
Así, entre el repertorio tocado, destacaron “Praderas”, “Estallar” y “Azul”.
Su musicalidad aparece respetable por convicción natural, más que por “background” cultural, siendo plenos poseedores de un lugar válido como práctica ilustrativa de lo que llevan en la sangre, no como discurso “contracultural”, que pueda ofrecer algún tipo de historia nueva al rock. No obstante su sonoridad “amiguista”, es bien llevada sobretodo en los temas que buscan cierta complicidad rítmica, en los aleatorios ritmos jamaiquinos, que tanto inspiraron al rock vernáculo hacia fines de los 80’.
Más tarde, llegó el turno del Carro de Yaggernat, Ubicados en la circularidad romana, del pequeño anfiteatro. Poetas, arropados entre el exceso fisiológico y la mordacidad del lobo agazapado, para poder caer siempre bien parado, miran al público buscando algún punto de encuentro, entre su “yo” interior, y el exterior divisado y abren con la canción “Invierno”.
Luego pasan por “Xul Solar”, para terminar la primera parte con “Reggae Nº1”. Forasteros contextualmente en el lenguaje cosmopolita que manejan, su música destilo chispazos acaramelados mientras las estrellas, y los últimos gritos de niños ya insolados, se dirigían a sus casas.
Con capacidad para flexibilizar y estilizar, su musicalidad según el “convite” ofrecido, el desempeño del carro fue parejo. Fluyendo entre la dosis de melancolía y algún que otro resplandor de esa secreción acertadamente penosa que musicaliza imágenes de la desolación del juglar experimentando en tierras lejanas.
Luego del “Cúmulo”, finamente cierran con “La Célula”, demostrando que el incendio artístico es numerosas veces, más acertado que cualquier intento de caricaturizar al rock, a través de ritos, estandartes, prácticas e insignias, como manera de refutar un camino que ya en la música esta plagado de pozos ciegos.
Así cerró la noche, entre dos polos opuestos, que a su manera cuentan su verdad, y manera de expresar o musicalizar su inserción en la vida misma con las confituras y amarguras que la misma depara. Sin embargo, y más allá de esto siempre es válido que la verdad de uno, se logre cotejar con los estímulos visuales y auditivos, que nos cruzan en el siglo XXI, porque para “híbridos artísticos” o “mainstream estéticos”, el rock ya no tiene vueltos, y sino que el último tire la piedra o cierre la puerta, ¿Se entiende porque sigo diciendo que son de más los trapos y banderas?.

Bernardo Damián Dimanmenendez

"No quiero una porción, de espacio"

2008-06-18T01:10:00.000-07:00

El pasado sábado los Reyes del Falsete se presentaron en Ludovico, localidad de Temperley. En el desarrollo ecléctico que su música pregona, a veces hay excesos permitidos, siempre que estos aporten a una mayor versatilidad de su obra, y no termine denostándose su esencia natural.

Ludovico, casa chorizo de los años 40’, permite que el espacio sea aprovechado por jóvenes para poder oír nueva música. Así, la función que en tiempos anteriores ocuparon los potreros para el desarrollo de futuros cracks de fútbol, y que hoy en capital escasean, (debido al lobby de mercadotecnia estéril nocturna), permite que aledaños músicos de la zona se expresen. Esto sería entonces, “papy-rock”, con los veinteañeros Reyes del Falsete, tratando de definir grados emocionales y músicales, para que su primer disco resulte una necesaria vitamina a escuchar, y no una golosina que se compra solo por la necesidad de sacar cambio para el colectivo.
Ubicados en un universo de “grotesco enfant”, los reyes supieron marcar su propio juego musical, a partir de un “happening melódico”, que media entre el desenfado y la emocionalidad confesional “post-teenager”.
En el post, entre noñatez y maduración se desplegaron acertadamente hacia esta última, a partir su particular caudal vocal y su versatilidad autodidacta instrumental con perlas ya conocidas y ofrecidas en el repertorio del sábado, como: “La Fiesta de la Forma”, “El Gran Cohete” “Yabrán” o “Las como son”.
Cuatro ejemplos demarcan cómo su mejor “afinación creativa”, viene de la mano de acordes limpios, que se cruzan entre las dos guitarras, y caen como “gatorade”, al final del cualquier evento deportivo, para sus voces. La batería de Tomas Corley, acompaña siempre, a veces en cuotas excesivas, pero al no haber bajo, el cuerpo de base jamás queda empachado.
Así, lo noblemente pictórico de los reyes, fue siempre rastrear desde un formato entre “Beat-sixty”, algún punto de encuentro actual con sonidos más contemporáneos y su nata versatilidad de “performers” en vivo.
Sus “shows”, por lo general, ahondan en imprevisibles destinos para las formas conjugadas en sus temas, como en la idea sonora anterior que los contenía, y todo basado en un cúmulo simple de acordes. Así, entre la hondanada de evocación sentimental, experiencia toxicológica blanda, eufemismos personales e historias “atemporales” válidas para el oyente, lubricaron todo un horizonte creativo y válidamente original, y sin pedir permiso a cualquier tipo de “haber” musical constituido.
En el proceso de formación, a partir de algunos temas nuevos ofrecidos en el show de Temperley, como “Monseñor Dirá”, quizá haya un respiro a las formas que lo contuvieron anteriormente, y un rumbo musical más visceral, pero no tan directo. Esta nueva asunción en sus formas “poiéticas”, no los deja mal parados por ductilidad instrumental, pero los nuevos caminos siempre deben ser transitados con cuidados.
El cuidado, viene que de la mano de la evolución, (como alguna vez mencioné), no haya feroz traición al pasado, sino readaptación, como signo de que el paso del tiempo biológico se termina manifestando en todas nuestras prácticas, ya sea sexuales, artísticas o reflexivas.
Así, como data vale que temas como, “El telefonista loco”, (con el cuál cerraron el show). A través del “ring” vocal, y los acordes que se van sucediendo es contundente, por la simpleza con que la melodía busca un final de catarsis personal. Por otro lado, el tema nuevo “Monseñor Dirá”, si busca un tipo de vértigo similar, pero en la construcción, parece haber todo un exceso de acordes, que hace que la melodía, nunca termine de despegar hacia esos puntos de encuentro acertados melódicamente y compositivamente. O sea, capaz el “meollo” del asunto pasaría por revisar dónde le pifiaron varias “promesas tronchas” de la presente década, que por querer despegar hacia universos sonoros excesivos, o por jugar siempre al mismo número, todos sus segundos discos fueron sencillamente deplorables. Ejemplos rápidos entre varios, puede ser el segundo disco de Franz Ferdinand en el plano internacional o el segundo de Alfonso El Pintor, en el plano nacional.
Los Reyes del Falsete, encabezan generacionalmente y por dotes musicales, el sueño adroguénse de Victoria Mil, de que en la “otredad” de ser suburbano, la eficacia, sensiblidad y nuevo contenido musical, sea más real que cualquiera que venga trovado, de la ya abúlica y chata Capital Federal.
Los Reyes, son una cabal muestra de un sonido denominado actualmente “Adrógue Después”. El “después”, viene tanto por representar voces e ideas generacionales nuevas, sin referencia o dependencia de algún estado pasado o actual de la música norteamericana o sajona. Si hay experiencias de cinismo sexual, contextual, mediático o de adicción.
A la vez, su capacidad de regenerar formas simples y llevarlas a un plano personal, los hace válidos de un discurso artístico que cuenta un punto de vista original. La incógnita a despejar, sería que ese “después”, no termine en algún tipo de “pozo ciego”. De hecho su gran logro fue que ese “happening musical”, no este rozado de pretencionismo, lo que devendría en una especie de “infanticidio”, del cuál pocas veces hay retorno.
Como palabra final, quizá el resumen más exacto sea la letra de esta canción. Exceptuando la frase referida al entorno, (ya que de este se nutren, cotejándose con sus pares musicales), pero demarcando por capacidad propia límites que dan cuenta de su válido mundo personal. “Sin ver venir, todo será increíble. No quiero una porción, despacio. No hay nada que dependa, el entorno es lo que nos marea, devuélveme mi piel a su estado de origen. Entrégala al andén, hasta lo impredecible. No quiero una porción, de espacio”.*
*Letra de “A la deriva”, de Victoria Mil.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Gauchos Sónicos

2008-06-17T20:14:00.000-07:00

En el Carguero Mármol “R”, ofreció un show juguetón y divertido, en donde el “groove”, en lugar de alistarse, en lugares donde siempre brillan las luces de hedón, esta vez pareció iluminar los recordados “bares-cafetín” de esquina.

El Carguero, ubicado enfrente del ya clásico Tío Bizarro, (del otro lado de la estación), parece uno de esos típicos bares del conurbano, de arquitectura clásica y disposición predispuesta al desborde etílico en cualquier rincón del mismo.
Los Mármol “R”, brindaron un show acústico, debido a la transición luego del alejamiento de su ya ex baterista Emiliano Martinelli. Entonces esa propuesta “bípeda de su música”, que por un lado le daba ese baile pomposo, (en bajo y batería), y por otro, los arreglos minimalistas de guitarra, la voz de Andres Aloy, le daba esa esencia de corazón roto que “meta matraca” a la vida, consagraba a esta, como un lugar donde en el fondo mientras se respire, todo es superable.
Pero eso es pasado, hoy sin batero, y cajas de ritmo mediante, el acústico de mármol, pierde algo de la otrora febrilidad rockera , pero a través de pequeñas dosis de “ruidismo” disparado a través de las cajas de ritmo, logra mantener en su confesionalidad y abatida poesía.
Arrancan con “ Eso me contas”, siguiendo con “Es Pura Casualidad”, para finalizar esta primera parte del show, con la versión “cumbiatrónica” de “Siempre hay rincones”.
Fuera de todo hedonismo existencial que caracteriza históricamente al “Adrógue-Sound”, y buscando a través de su “Empedrado Sound”, un encuentro más cercano con la historias escondidas que nutren mudamente empedrados y esquinas, donde las arboledas son cómplices testigos de flirteos y besos, que invocan por siempre el altillo de recuerdos púberes y joviales.
Mármol “R”, galopando las astillas crudas de los corazones rotos, promueve una especie de variante a la filosofía clásica en como se conoce al rock de barrio. Dando cuenta que todo ser humano, su lado de fiabilidad fisiológico es errabundo, como también de que la diversión o agite queda pactada por un guiño irónico corporal más que por la violencia de este mismo.
Clave para entender esto, es la narración confesional que otorga “Me Molestan”, dónde lo visceral y confesional, habla de un mundo propio, adornado por arreglos que intenta marcar un “beach-chester”, (confluencia de los estilos musicales playeros, y del famoso “Madchester” de los 90’), logrando en su composición sutilidad, gracia y perverso e irónico filo discursivo.
Más tarde llega el turno de “Ansiedad”, “Muy Bien” y finalmente cerrar a todo “happening” festivo con el pública agitando maracas con la nueva “Sonrisas Tuneadas”.
Ese “tunning”, en el sentido de denostar todo fetichismo estético, práctico, filosófico y espiritual, narra el particular estilo “gauchesco” y criollo de Mármol “R”, para reubicar las cosas en su debido lugar fuera de todo exceso “anglofilico” y demagogia populista. Como el añejo gaucho pampeano, que no negó la manufactura importada, pero que jamás permitió que el té inglés, reemplace la vernácula yerba de su mate.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Carne 1-Rock 0

2008-06-17T02:59:00.000-07:00

En estos tiempos de puro “fashionismo”, dónde la moda parece enmarcar a gran parte del rock, se demostró que la voz apasionada de este, pierde hidalguía, garra y corazón, cuando se pone cerca del simbolismo estéril y frívolo del “arte de la elegancia”.

Yves Saint Laurent, cuando acercó a la moda al mundo del rock, a través de su estilo Mondrian, mixturizando diseños psicodélicos y andróginos, con la estética y el ideario que se mamaba por esos tiempos en la música, aclaró algo fundamental, para evitar reclamos a posteriori: “La moda no es arte, pero para realizarla hay que ser artista”.
Originalmente la moda iba de la mano de la vanguardia que se daba en otras disciplinas, como el rock, el cine, y otras más. No obstante el flujo dinámico que fue adoptando el capital financiero, hizo que la escisión sea cuestión de tiempo, y el valor de novedad de la moda que se dio a través de diseñadores de vanguardia en los 60’, rápidamente pasó a ejercicios de burda mercadotecnia, con la única excusa de que para exhibir ropa, siempre esta debe ir acompañada de “carne de fino corte”.
El rock, por su parte cada vez más acéfalo en ideas, inició una retirada en su rol práctica contracultural, para finalmente terminar flagelado por matices estéticos que poco aportan, como si fuera una pieza del domino maquiavélico que el corporativismo impone.
Así llegamos hoy al presente, en dónde la real pulsión que conmueve masas, viene de las “femmes” estilizadas y elegantes o el “Polstergeist de la silicona”, en lugar de la vibra de cuerdas, teclados o baterías.
El Buenos Aires Fashion, fue una fidedigna muestra de lo que pasa hoy en día, y eso se noto plenamente y a simple vista, tanto en las performances de Michael Mike y DDT.
Ubicados en dos containers superpuestos, los Michael apenas eran visibles, teniendo que hacer malabares para que el sonido no sea solo escuchado, por las palomas que volaban por encima del techo de la Rural. Pese a esto, sonaron correctos destacando “Gente Preciosa”, “Rojo + Que Negro” y “Charly Border”.
Su música que en otras presentaciones, parecía ser el mandamás de los movimientos corporales y oculares de la gente que los escuchaba, esta vez, pareció estar perdida entre el infinito de fatídicas piernas largas y sobrios portes, que en masivo número concurrieron al Buenos Aires Fashion.
Así en la primera propuesta, la batalla de querer mezclar al rock en un evento de moda terminó siendo rotundamente ganada por esta última.
Relegados los Michael a un lugar de decorado, no pudieron desplegar su acostumbrado hedonismo escénico. La música pareció solo una excusa para los encargados de la organización,“guiño de judas” mediante, ya que en lugar de abrirles las puertas al rock, parecieron ofrecer una salidera de perro o gato.
Más tarde, llegó el turno de los DDT. En este caso se trato de un set de rock, en donde a través de las bases grabadas, el dueto compuesto esta vez por Sharly en voz y guitarra y Mauro Riccieri en batería, musicalizaban versiones más laxas, adaptándose a la dinámica de un desfile de pasarela.
Así pasaron entre otros “Weekend”, “Esterlina”, “Flamboyat High School”, , entre otros. Así, toda la filosofía “aristovilla”, que emano Sharly en los 90’, y luego readapto en lo que va de la presente década, evidenció de que más allá de la buena idea, de musicalizar con rock en vivo y en directo un desfile, a la hora de exponer su catarsis incendiaria, solo se otorgaron chispazos.
Readaptación de las letras y versiones cantadas a medias, su lenguaje pareció aséptico por momentos, más allá de que “salvaguarde” a las coquetas doñas Rosas, de la posible incontinencia verbal.
En suma, algo claro quedo después de todo: Si bien la moda no es arte, se jacta de exponer su discurso posmoderno de manera plena y autárquica, de hecho, su práctica es la actividad que más dinero mueve en el mundo, exceptuando el mercado de los petroleros.
La música, vociferando que era arte pura y hormonal, esta llegando a un punto en el cuál, sino se arriesga a un ridículo valeroso de tomar el toro por las astas, hará con el correr de los años más valuable a los sonidos de “ringtones”, que a las otroras guitarras eléctricas que la decoraron durante años. O sino, pregúntense hoy en día. ¿Quién genera más cosas en el imaginario de la gente, Nicole Neuman mostrándose desnuda por el Obelisco, o cualquier trovador que se jacte de ser músico, pero que en el fondo solo intenta conmoverse a sí mismo, escatimando la verdad práctica y valiente filosofía en algún momento implicó hacer rock?

Bernardo Damián Dimanmenendez

Tácticas y Estrategias de Mouse y Monitor

2008-06-15T23:10:00.000-07:00

El Slalom es un deporte practicado en silla de ruedas cuyo objetivo es superar un número de obstáculos determinados en el menor tiempo posible. Posee un recorrido obligatorio y otro optativo. A la vez que el mismo se divide según distintas superficies a superar.
¿Qué tiene que ver todo esto más allá de la coincidencia del nombre de la banda adroguénse Slalom, con esta práctica deportiva?.
Mucho, aunque para eso hay que hilar fino, y no tener el ojo sesgado a la cuadratura geométrica que muchas cosas de la vida parecieran a priori ser.
Para empezar, para realizar música electrónica el cuerpo se dispone cómodamente en una silla frente al monitor.
Así, en la capacidad por habilidad e intuición de los practicantes, (en este caso Martín Salas y Marcelo Díaz Mayer, cerebros de Slalom), para que las teclas, el mouse, los teclados y las programaciones, elaboren un disco en dónde la climatología espesa de “ruidismo multimedia”, indica un camino de sonidos poliformes, que por si solo construyen un personal andar musical.
Así, utilizando todo tipo de sonidos y deformándolos hasta el extremo, la táctica de elaboración de este dueto adroguénse electrónico, hace que los obstáculos o dificultades que pueda tener el oyente al escucharlos sean fulminados.
Los ondas sonoras cumplen una especie de función subliminal que en un in-crescendo, irán hipnotizando al oyente.
Por momentos uno siente que los temas reconstruyen sonidos que remiten a primitivas imágenes neardenthales (“Concentración”), por otro se trata de un expresionismo envolvente marcado por la misma sugestión sonora (“Gol de Arquero Vale Doble”), y también hay tiempo para sentirse depositado en el vértigo de practicar algún deporte de alto rendimiento, dónde la capacidad milimétrica de construcción musical, logrará que no se impida el acceso victorioso hacia el objetivo final planteado (“Doble Amarilla”).
Así, entre pasadizos sonoros de vértigo, introspección, aceleración, alineación y relax, se van desarrollando las 15 piezas musicales que componen el disco.
Dejando la sensación final, de que en el juego creativo implícito propuesto, a partir del nombre de las canciones, no se trato de ningún off-side o “cliché” artístico, al que estamos acostumbrados en la actualidad dentro del ámbito de la electrónica.
Más bien el disco, pareciera un acertado antojo de necesidad expresiva, con el objetivo de envolver a la música (genéricamente denominada electrónica) en un ámbito de popularidad, sensibilidad, intuición y creatividad.
Sin discriminar ningún tipo de acceso al escucha, y parodiando al título del “álbum”, sin ningún tipo de necesidad de quedar en algún tipo de “posición adelantada”, con respecto a la idea, de que monitor mediante, los sonidos también pueden excitarnos y a la vez cotejarnos, de una manera inteligente y sana.
Bernardo Damián Dimanmenendez

El Inicio

2008-05-30T15:03:00.000-07:00

Hacia el 2003, la escena del rock local, se encontraba frente a interrogantes de acción de todo tipo. Por un lado, la transición de los grupos del nuevo rock sónico había quedado definitivamente truncada. Por otro, la nueva generación musical atosigada por el extremismo filosófico que suele bañar nuestras tierras, se agrupaba lentamente en un cierto existencialismo fatal y naif, que producía que la distancia entre el universo que la música que dichas bandas proponían, se ubique en un lugar abismal, en relación a como los oyentes podrían cotejar sus sonidos con sensaciones terrenales y emocionales personales.
Esa mala lectura del legado innegable que Tom Yorke y los suyos habían dejado para siempre a partir de OK Computer parecía quedarle exigente a los oyentes de un país “tercemundista como escucha”, a nivel masivo.
Así, el indie-rock, veía como su exceso de languidez, era aprovechado por el rock barrial, de manera contundente y diversas bandas se ponían al frente de un exceso sin retorno que llevaría al ya consabido fatal desastre del año 2004.
El mato a un policía motorizado, utiliza un lenguaje indie, pero lo enfoca plenamente hacia lo emocional de las canciones (esas que levantan brazos y almas sin cesar).
Así, con la vigorosidad del punk bien trabajado, sin caer en clichés ya trabajados en décadas anteriores a nivel local, plantea en este primer disco editado allá por el lejano 2004, y reeditado recientemente, que el rock se construye siempre con una mirada en dónde las cosas que brotan más fértilmente, son esas sensaciones que nos marcan diariamente en el corazón.
Buscando en ese sentimiento de soledad, que aliena diariamente al joven, ya sea desde sábados abatidos en la cama (“Sábado), amores no correspondidos (“Tormenta Roja”), y el auto-incendio personal como forma de reconversión (“Prenderte Fuego”).
Sumado a través de riffs, yeites, y la base pesada de bajo y batería, la banda estructura geométricamente el armado de las canciones. Ya sea desde la capacidad milimétrica para que a través de riffs simples, se disparen las guitarras, y utilizando una lectura sumamente inteligente de lo que fue el legado del grunge, y que acá no se utilizó tanto.
Con esto me refiero a que si uno escucha Nirvana, (la banda que más puntas musicales tira sobre lo que fue la filosofía grunge y también lo que no), se dará cuenta de la astucia de Cobain, para medir las frases, para que en los silencios vocales, la guitarras despilfarren su huracán sonoro.
El mato a un Policía Motorizado, inteligentemente recorre esa praxis, para que la lírica transmite sensaciones paralelas a la contusión de guitarras. Sumado al sonido particular que remite al kraut de los proto-punk alemanes Neu! o Faust!, hace que el mundo propio musical construido, derrumbe legados musicales fetichizados y a la vez, acabe por siempre con todo ese mar de lamentos sin ideas que por esos tiempos inundaba el rock local.
En síntesis, quizá el concepto que abrazo musicalmente el disco, este definido desde la misma tapa, con un cuadro de fotos que muestra la implosión del albergue Warnes. Con la diferencia, que de la implosión del antiguo lugar marginal de la Capital nada nuevo surgió.
Por el contrario con el derrumbe simbólico que se apoya en lo musical y artístico El mato a un policía motorizado comienza a marcar varias pautas de redescubrimiento artístico para el rock argentino (como el Kraut-rock), y arengar a toda una generación joven a construir musicalmente con garra y pasión fuera de todo cliché anglosajón que tiñe al rock local.
Y quizá, lo mas importante: La sensación de que es posible formar una banda con amigos, y hacer de la misma un producto artístico personal y sumamente valioso, que marqué toda una era. Algo que los fanáticos de la música como ellos, anónimos o yo personalmente, siempre anhelamos y soñamos desde chicos.
Bernardo Damián Dimanmenendez

Trovadores del lustro "K": Los Reyes del Falsete

2008-05-29T01:17:00.000-07:00

1¿Por qué Los Reyes del Falsete?
2¿Cómo definirían su música?
3¿Qué bandas de la actualidad les parecen interesantes en el plano local y en el internacional?
4Desde sus inicios como “Maravillagesell”, parecería ser que han pasado de un especie de aflicción adolescente, como se denotaría en “Alarmas”, para luego con los Reyes del Falsete, haber una primera aceptación de sí mismos con “Contále al Mundo”, y finalmente ampliar su horizonte musical a través de cierto fastidio e ironía, como podría ser la letra de “El Gran Cohete”. ¿La música para ustedes pareciera ser un lugar dónde podría rastrearse el árbol genealógico que los fue construyendo como personas, o la evolución se da de manera autárquica e inconsciente?
5Desde “Äcido Camboyano” en los 80’, pasando por los Brujos, hasta llegar a Victoria Mil, parecería ser que los mayores intentos de riesgos en la música local provienen de zona sur, (especialmente del triángulo Turdera, temperley, Adrógue), ¿Cómo se explica esto, hay una construcción adolescente diferente, al no haber tanta “cultura shopping” como pasa en capital, o tiene que ver más con que al ser estas localidades lugares menos poblados, los habitantes se van pasando de pequeños los “mismos cassettes”, que escucharon sus antecesores, y así definen que línea sonora tiene más validez y cuál no?
6En su sarcasmo estético y artístico, hay una clara referencia peyorativa a todo lo consagrado como “intocable”, por el “mainstream” del rock, (denomínese Cerati o Indio Solari). ¿No tienen miedo de que a partir de una cierta exposición a medios masivos (como por ejemplo la “Revista Viva”), el concepto simbólico- artístico de Los Reyes del Falsete, termine “inflándose”, depositándose en un lugar de cierta “cursilería snobista”, en dónde decir, que escuchar a los Reyes del falsete, queda bien, más allá de que los hayan oído o no?.
7¿Cuáles son las metas o expectativas a futuro?

1- ¿porque no?
2- Como una gota de nafta en un charco, brilla, hace colores lindos y no se mezcla
3- En el plano local: Victoria Mil, Viva Elástico, DChampions, El Hagabal, Travesti, Placer, Reina y los Cancheros del mundo, Paoletti, 107 Faunos, El mato a un policía motorizado
Realmente en el plano internacional hay muchas bandas onda artic monkeys que nos tienen las bolas llenas.
4- Creemos que siempre hay una evolución aunque sea inconsciente, entre las cosas anteriores que hicimos y los reyes hubo un salto enorme e inesperado para nosotros.
5- Creemos que la cultura shopping no tiene nada que ver en este caso, tiene mas que ver con que la gente de nuestro barrio hace música que esta buenísima y tenemos la suerte de poder compartir cervezas con ellos en los bares de por acá y poder invitarlos a tocar a nuestra sala, ir a ver a travesti al tío bizarro nos quemo la cabeza (en el buen sentido) y nos hizo darnos cuenta de un par de cosas.
Existe una relación entre todas las bandas de acá y no tiene que ver con un género, tiene que ver con todo lo demás.
6-Realmente si porque creemos que es algo que esta fuera de nuestro alcance, ese símbolo va a cambiar todo el tiempo y nosotros tenemos que intentar seguir haciendo la música que nos gusta, y que la gente entienda de ella lo que quiera.
7- Tener nuestro disco terminado y seguir experimentando con nosotros y con los demás.

Trovadores del lustro "K": Soundblazter

2008-05-25T21:30:00.000-07:00

1. ¿Por qué Soundblazter?

Por la marca de las placas de sonido de la computadora. En el momento que lo decidimos nos pareciò que era un guiño al estilo de mùsica que pretendìamos hacer en ese momento, mas electrònico que ahora.

2. ¿Cómo definirían a su música?

Rock – sample/collage

3. ¿La música es para ustedes, un refugio alucinógeno o una extensión de su propia realidad?

Es una extensión de nuestra propia realidad. Nuestras canciones hablan del mundo en que nos movemos y de las cosas que nos gustan.

4. ¿Qué bandas de la actualidad les parecen interesantes en el plano local y en el internacional?

De Argentina: Falso Primer Ministro y Tenista. De Mèjico: Dapuntobeat, DJ Aletz, Ponki Roxtar, Dixybait y Faca.

5. ¿El rock “ya fue” o para ustedes se dirigió hacia un lugar de dudosa reputación moral, que pone en jaque hoy en día, el cabal y antiguo lugar que antes poseían bandas y oyentes?

Si tomamos al rock, desde el punto de vista ideològico, como contracultura y lucha contra lo establecido… se podrìa decir que al dirigirse a un lugar de dudosa reputaciòn es lo que hizo que “fuese”. El rock actualmente es sòlo un gènero musical mas, diferenciado de los otros por la ubicación en las bateas de las disquerias. ¿Es mas sincero el rock que cualquier otro gènero? Seguramente habrà que revisar cada caso en particular, pero generalizando no hay diferencias.

6. Ser de la parte sur del conurbano, ¿Es una bandera de cierto “ghettismo”, o realmente sienten que la pertenencia a esos pagos, les da una dinámica diferente con respecto a los músicos de otras partes del Gran buenos Aires o Capital Federal?

La banda se formò en Lomas de Zamora, y los dos integrantes fundadores nacieron ahì, crecieron ahì e idearon a Soundblazter ahì, aunque el destino quiso que terminásemos radicados en La Plata. No es una bandera ni un “ghetto” decir que somos del conurbano, es la pura verdad… desde el corazòn.

7. ¿Cuáles son las metas o expectativas a futuro?

Hacer mas canciones, mas películas y mas videos, tanto musicales como cortometrajes. Hacer shows multimedia interactuando las imágenes proyectadas con la banda tocando. Grabar, recortar y pegar, compaginar y sacar más discos.

Trovadores del lustro "K": Marmol R

2008-05-21T06:13:00.000-07:00

1. ¿Por qué Mármol R?
2. ¿Cómo definirían su música?
3. ¿Qué bandas de la actualidad les parecen interesantes en el plano local y en el internacional?
4.La “insatisfacción” ya sea sexual, temporal y contextual, sumado al nombre de la banda, hablan como si se tratará de un paraje musical, dónde hay “deseo roto y pisoteado”. A partir de esto, ¿su música se construye de una mejor manera frente a la decepción de la experiencia práctica o lo álgido también es importante en su fuente de inventiva?
5.La mujer claramente es expuesta como un “yin” negativo, en dónde solo lo efímero a ella puede confiarse. Resumiendo, el “dolo romántico”, ¿no esconde por momentos en sus letras, cierta oculta perversión, por el solo hecho de no poder acceder a ciertas “dosis” de necesaria misoginia?
6.Mármol, es como el lado “B”, de la elegante Adrogué, en el sentido que sus casas son más humildes y a la vez hay, un menor narcisismo como sujetos sociales. ¿Estaría en lo correcto y por qué, si digo que la música de Mármol R, tiende un puente a una cultura vecinal “amiguista”, en lugar del “cocktail” de reviente que históricamente levantó el “Adrogué Sound”, dónde por ejemplo se enmarcaron Victoria Mil y otros?
7. ¿Cuáles son las metas o expectativas a futuro?

1Mármol R remite a nuestro barrio, a una contradicción, a un barrio con zonas bajas y altas, residencial y no tanto. Es una reivindicación de lo barrial como forma casi fenecida de construcción de identidad. También es una burla a Belgrano R.

2Nuestra música es un reflejo de la época que vivimos: pueden parecer alegres y risueñas pero encierran una tristeza subyacente. Es decir, es una época, la actual, cambiante donde pasás de la alegría a la tristeza en pocos segundos.
3En el plano local nos atrae Slalom, Frescolate, Michael Mike, Placer, Los Reyes del Falsete, Viva Elástico, Norma, Emisor, Soundblazter y los Decadentes, desde siempre. Y de afuera no estamos muy interesados por lo que está pasando ahora. Sí nos gustan Happy Mondays, Stone Roses, The Clash y Big Audio Dynamite, Lee Scratch Perry, New Order, entre muchos otros.

4 Generalmente, en la realización de toda obra artística, siempre juega una falta, un vacío que se trata de llenar pero es llenado. Y esa incomodidad es la que genera la producción y su efecto. Toda canción así sea una melodía muy pegadiza tiene que incomodarnos o hacernos reaccionar en algún punto. Nuestra forma de crear está muy relacionada con eso, es decir, con la "insatisfacción" y el deseo no concretado. Por ende, las minas que nos rebotan, rebotaron y rebotarán.

5 Misóginos no somos, el problema es que amamos demasiado a las mujeres, entonces, el no concretar, a veces, nos desespera. Sí, hay cierta perversión en las letras, en los sonidos y en el groove mármol. La perversión hace un poco más divertida nuestra existencia.

6 Sí, claramente nuestro hedonismo no necesita de drogas. Y marcamos una diferencia con esa concepción muy de los noventa del reviente. Hoy, para hacer rock no necesariamente tenés que ser un reventado. Más allá de que a nosotros nos guste o no esa escena.
Con respecto a lo barrial, Mármol marca una diferencia que es característica nuestra, debido al barrio en el cual vivimos. La localidad de José Mármol no es igual a Adrogué si bien las dos están muy cerca. Mármol es más tranquilo y vive en un eterno domingo, hay muy poca gente en la calle a diferencia del más citadino Adrogué.
Igualmente, nosotros no sobreactuamos esa diferencia, no tenemos los clichés del rockstar ni tampoco los del antirockstar.

7 Este año queremos tocar y tocar y poder grabar un disco, esa sería nuestra meta. Más allá de ese objetivo, no estamos dispuestos a dejarnos el bigote para lograrlo (risas).

Trovadores del lustro "K": Travesti

2008-05-20T11:07:00.000-07:00

1.¿Por qué Travesti?

1.Todos somos travestis
Hay una anécdota en la que grabando nuestro primer ep llevamos un travesti en el remís que nos traía de vuelta. Ese fue una especie de bautismo. Aparte era una época de mucha noche, mas q ahora, de discotecas , muchos “drags”, “transformers” y exploración sexual. En síntesis, una palabra con glamour y repulsión a la vez

2.¿Cómo definirían su música?

2.Música - neuronal - sensual-onírica-sexual y religiosa

3,¿Qué bandas de la actualidad les parecen interesantes en el plano local y en el internacional?

3.De acá me gustan grupos q ya no existen o no tienen nada editado y el último disco de emisor. De afuera me gusto el ultimo disco de skinny puppy, en otro plano los discos de Burial y Skream, kode 9 y todo lo que hace Boyd Rice

4.La música de Travesti, pareciera ser una manifestación artística, en dónde
el concepto típico de entender a bandas de rock, pareciera “a priori” lapidado, ya sea desde la forma de encarar sus perfomances en vivo, hasta en la afección particular, que rodea la construcción de sus albúms. ¿Esa sensación de “otredad” se debe a que la música en realidad es lo que menos importa en sí, sino que lo relevante es la catarsis que la misma genera?

5.Nosotros empezamos con el concepto de ser un Laboratorio Alucinatorio que reemplaza directamente al “songwriter” de una banda.
Nunca hicimos lo que una banda hace: ensayar, tener una lista de temas etc
En cambio optamos por tener reuniones donde encarar el sonido y las palabras como estrategias de acción . No nos consideramos a nosotros mismos como “NO MÚSICOS”, sino como Artistas Plásticos del Sonido

6. En “Axito”, pareciera musicalizarse una especie de “Music hall de desidia urbana”, en cambio en las “Tinieblas del Romance”, no hay escozor existencial ni toxicológico, sino que se trata de un viaje, en dónde la añoranza por lo que no fue, aparece purgada por vapores etílicos y sensaciones de confort y pesadumbre. De hecho, si uno viaje escuchando el disco al encuentro de una ex novia “gringa”, (como personalmente me paso), parecería que cada track, indicaría el “kilómetro sensible” de una relación amorosa, hasta la bandera final, en dónde todo se acaba, ¿Podría entenderse entonces las “Tinieblas del romance” como una especie “road-albúm” romántico, en dónde la travesía musical, sirve para fotografiar los estadíos con personas que nos han marcado sentimentalmente, más allá del resultado final?

6.Las tinieblas del Romance son un soundtrack emocional en tiempo real
Quiero decir que es un album que se gesto y finalizo lo que una relación duro, no veo diferencia con Axito
Para mi mas allá de la temática y otros abordes musicales las cosas que no funcionan están en los dos.De los dos discos ahora a la distancia prefiero Axito. Las Tinieblas del Romance es un albúm muy egoísta aunque mucha gente me diga que en momentos difíciles de su vida, ese disco era un bálsamo. Gracias a todos ellos.

7. Hoy en día, la “asepticidad”, en las perfomances en vivo parece abrazar a la mayoría de las bandas, en el sentido de no apelar en sus shows a elementos que desborden lo ya presupuesto, (ej: banda tocando, publico mirando). Travesti parecería que intenta manejar “un grotesco inteligente”, que mezclado con cierto histrionismo personal, hace de cada show, una especie de negra liturgia musical. ¿Intentan recuperar de algún modo esa dosis de genuina y vivaz espontaneidad, como ocurrió en los “happenings” de los 60’, o durante los primeros años del rock argentino de los 80’ hasta llegar al salvajismo kitsch y delirante que se vio en los 90’, cada vez que los Brujos tocaban en vivo?

7. Siempre dije “somos un grupo de los 60’s” teníamos un tema que se llamaba happenning. Preparamos los shows como si fueran de café concert,
todo estipulado Comedia Musical en el mejor sentido Dada, eso es lo que siempre hicimos. De los 80’ me quedo con la radio y los brujos no me gustaban ni un poco

8.¿Cuáles son las metas o expectativas a futuro?

8. Por lo pronto vamos a tocar el 8 de marzo en el nacional con unos amigos que se llaman Plan Austral, eso es lo confirmado.En mayo vamos a grabar un nuevo albúm que se llama TUNING o EL ÉXITO DEL EXCESO ES LA ESCATOLOGÍA. Vamos a seguir trabajando para el progreso del país, desde la luz de lo oscuro, para llegar a una espiritualidad travesti.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Trovadores del lustro "K": Viva Elástico

2008-05-19T07:23:00.000-07:00

¿Por qué Viva Elástico?
1-Es un simple juego de palabras que nos resulta atractivo
¿Cómo definirían su música?
2-Definiríamos nuestra música como la capacidad de poder realizar una bajada sonora de ciertas imágenes que se generan en nuestras cabezas. Cada una de nuestras canciones es como el dibujo de una nube, cada uno le adjudica la forma que quiere, algunos ven elefantes y otros ven armas. Creemos que en una misma canción hay sentimientos positivos, de alegría, mientras que también de tristeza, nostalgia y en muchos casos arrepentimiento. Nos interesa esta mezcla de sentimientos.

¿Qué bandas les parecen interesantes en el plano local y en el internacional?
3. En este aspecto hay más discrepancias que coincidencias, pero podríamos hablar de Eukariota en la escena local, un proyecto conceptual a cargo de Nicolás Blanco, y los reyes del falsete, banda con la que tocamos varias veces y que este año sacan su primer disco. En el plano internacional nos gusta mucho todo lo que está haciendo Stephin Merritt, ya sea con los MagneticFields o como solista, además de Television (Banda sonora de las reuniones elásticas en las que nunca falta cerveza).

En su música y letras, pareciera haber una mirada del tipo “Hemingwayiano”(en referencia al escritor), en el sentido, de esa búsqueda por fuera del desenfreno del presente y la consiguiente retirada una hacía “pacificación espiritual”. Palabras como “volvió”, “Mar”, “agua”, se repiten constantemente ¿Podría ser que la fuerza creativa de la banda se da a través de una “añoranza” de esos momentos de simpleza afectiva, como lo pueden ser, el ir de la mano de la mano de una mujer deseada, o de los recuerdos e imágenes que se desprenden de ello?
4. No, en realidad hay miles de cosas latentes a la hora de crear. Nos inspira un simple recuerdo, una situación cómica o un viaje en colectivo, en fin.

Ese cuestionamiento al “desafecto” del presente, ejemplificado en “motos”, “Ringtones”, “virulentos new-richs”, etc, hace pensar que para Viva Elástico, la verdadera revolución esta claramente fuera de todo “tecnologicismo” o acumulación, (“no tengo nada”, narran en “Somos tan Felices”). ¿Por dónde pasaría hoy en día la revolución para “Viva Elástico”?
5. Es cierto que escapamos al "tecnologicismo" y a la "acumulación", estamos más cerca de la valoración de los impulsos naturales, la espontaneidad y el dejarse llevar por un lado emocional que de una actitud frente a la vida que tenga que ver con la idea de “progreso”. Si existe una idea de revolución, esta pasa por el hecho de escaparle a la masificación en cualquiera de sus formas, liberar sensaciones y derribar mitos.

Su música en el plano local, podría rastrearse a partir de los “artilugios” metafóricos que “Palo Pandolfo”, cantaba en “Don Cornelio y la zona”. De hecho, hay imágenes parecidas a las que se encuentran en sus canciones, en temas como “Ella vendrá”, “Tazas de té chino”, o “El Rosario en el Muro”. Hoy en día, ese estilo de narración ha desaparecido, por un retrato pueril e indulgente, como si el rock fuera “música de calesita”. ¿Son conscientes de que de alguna intentan a poner en juego esas sensaciones descarnadamente reales y sinceras, que construyeron en los 80’, bandas como los “Don Cornelio”, antes mencionados, o el “Virus” luctuoso de “Superficies de Placer”?.
6. Las letras de Viva describen desinterés en muchos casos, un desinterés que esta cargado de emoción, algo así como tirar una piedra al agua por bronca y que cuando te das vuelta la piedra hace tres piques en el agua y pensás que después de todo hiciste patito, nos hace sentir bien el hecho de poder largar sensaciones así como así y construir partir de ellas, por eso decimos que “con todo lo que hay podrías construir un barco”, nosotros decimos cosas que no intentan mostrarse gigantes sino mas bien sencillas a veces con sentido y a veces sin, lo que pensamos es que la única forma de vivir contento es buscándole el sentido a las cosas que no lo tienen, y por eso todos podrían construir un barco con lo que viven a diario, nosotros construimos barcos tirando palabras simples, y no es que nuestros barcos sean grandes relaciones o teorías, son simples formas de explicar lo que nos pasa. Por otro lado, consideramos que los 80 es una década en la que la música parte concretamente de sentimientos simples que a la vez son profundos como por ejemplo el hecho de salir a bailar o sentarse a captar impresiones como dice “superficies de placer” de Virus, que para nosotros es la banda de los 80.
¿Cuáles son las metas o expectativas a futuro?.
7- Tener la continuidad para hacer música y la honestidad de creer que esta es el fin último.

Bernardo Damián Dimanmenendez

New Chabon

2008-04-29T19:57:00.001-07:00

Quizá la dislexia funcional del rock argentino de los 90’, que llevó luego a su posterior estancamiento, se debió a la falta de encuentro de los dos polos estéticos-artísticos en pugna. Por un lado, la camada alternativa-sónica, ofrecía un lenguaje musical innovador, pese a lo intangible de su prosa para el imaginario local.
Por el otro, el rock-barrial, brindaba una visión más terrenal, pero su música caía en el exceso de las formas arcaicas.
El hedonismo sónico, con su grotesco y versatilidad estética, no podía lograr que sus impresiones se inscriban con naturalidad en la crudeza de la “vereda argentina”, a la vez, que el clasicismo del “rock” del barrio, generaba sujetos pudorosos, de mostrar algún tipo de ironía renovadora, cayendo estos, en una demagogia populista que descartaba todo lo que sea diferente. Así, entre el “ghettismo” forzado de unos, y el “patoterismo vecinal” de otros, el punto de encuentro, que dispare un nuevo rock argentino quedo vacío.
Mármol, es a priori, un lado “B” de Adrogué. Sus casas denotan menor fastuosidad, hay un menor narcisismo en sus habitantes, sin por eso escatimar al arte como posibilidad de contarle historias al mundo. Todo ese aire de “amiguismo” vecinal, que recuerda añejas épocas, sumada a la particular gesta de música que se respira por esos lados, predispone a Mármol R, a inscribirse en el rock de una manera peculiar.
Rozados por el “Adrogué Sound”, pero sin abrazo posible, debido a su delimitación “psico-dinámica” fuera de toda oniria existencial. Abortan también, caer en la “petulencia callejera”, para que las historias contadas no tengan temor a la exposición carnal y desnuda, sin por eso escatimar sensibilidad y creatividad.
La música de Mármol R entonces puede verse de como una extensión de su denominación, apuntando sus sonidos, ha algo simple y que sirve como barómetro mudo de la cotidianeidad, pero que en la confusión el rock barrial no tomo en cuenta.
La referencia es para el aire que se respira en las calles, que narran amores escondidos, caminatas dónde se purga el dolo afectivo, a la líbido que de las mismas surgen, y de la cuál solo el asfalto es fiel testigo.
En el caso de los “marmoleros”, al ser una localidad pictórica, suburbana y fuera del frenesí cosmopolita, el pavimento no lo simboliza tanto, sino que aún queda lugar para el romanticismo del empedrado.
En suma, estaríamos hablando de “Empedrado Sound”, determinado por el aire suburbano, la dinámica conversacional y el mismo conventillo que esto genera, fuera de todo desenfreno compulsivo, egoísmo o mutismo generalizado de sus habitantes.
Su música bípeda, le permite un grato andar. Así a cada paso de bajo y batería acelerada y rimbombante, le sigue otro, de arreglos juguetones de guitarras.
Así en el patear, se descubren “relojes biológicos” fuera de tiempo, efímeras alegrías corrompidas por extensos quejidos sentimentales. La poesía musicalizada parece una catarsis de batallas afectivas en dónde el “ying”, le ganó al “yang”, en el destino circular de la vida misma.
Intentando retrotraer esos dolos fisiológicos que pierden la batalla frente al tiempo y que durante los 80’, tan bien supieron retratar Federico Moura o Miguel Abuelo, entre otros, destacan en su primer Ep Homónimo, “Qué otra función del tiempo”, “Extraña, inquieta”, y “Yo me volví”. Esta última de notable in-crescendo emocional en la intro, actualizando en plano criollo y en su “climax” musical, aquellos parajes impetuosos que el “Madchester”, de la mano de Ian Brown y Shaun Ryder, construyó hacia fines de los 80’.
Así como Roberto Arlt, a través del grupo Boedo, supo llevar a niveles más laxos, la poesía elegante pero equidistante de la realidad contextual del Grupo Florida, de Borges y Cía, Mármol R, en su despliegue musical, parece cambiar la brújula del estereotipo del “pibe de la esquina”. Los “birrines” y la “fantochada”, son dejados a un lado, por poesía doméstica y rupestre, de temores y eternas dudas, acercando un punto de encuentro más real, entre el exceso futurista y el tradicionalismo clasicista, a través música que podría ser considerada como el primer diagnóstico de un “New Chabón”.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Veredas Opuestas

2008-04-29T03:26:00.000-07:00

El pasado domingo en el anfiteatro del Parque Recreativo de Hurlingham, dos estilos opuestos se encontraron. Parando por un lado el Carro de Yaggernat, y por otro Trazo Fino, su antena acústica que los para de diferente manera a la hora de practicar música, la tarde apacible se fue musicalizando a través de la “conga rock” de los Trazo Fino y el pub-rock de El Carro de Yaggernat.

Hurlingham, parece desde su fisonomía natural brindarle un pequeño honor a su denominación anglosajona. Así entre brotes de aire húmedo, el vigoroso césped que recorre sus veredas se vuelve tan intenso, al punto tal que llegado un momento, uno supone que tirando una semilla al mismo pasto cualquier tipo de planta, crecerá en cuestión de segundos.
El Parque recreativo de Hurlingham, con su Anfiteatro circular con capacidad para casi 250 personas, fue el anfitrión de dos propuestas musicales opuestas. Por un lado aparecen los Trazo Fino. Banda que rastrea el lado clásico suburbano del oeste más pudiente, (Hurlingham, Palomar, San Miguel) y lo mecha con la indiosincracia contextual de dicho sector. Así, entre historias cotidianas, de “Romeos y Julietas del conurbano”, toxicología blanda, y añoranza de fraternidad construyen su organismo musical.
Comandados por la voz ronca y desencajada de “Matas”, seguidos por la compacta base de bajo de Facu, (siguiendo el legado de fraseos dinámicos que otorgo allá a lo lejos, Arnedo), la prolija batería de Pastel, y los decorados de guitarra y percusión (Chino y Maxi respectivamente), la banda articula su musicalidad en la genealogía de reggae y ska ortodoxo de aquellos primeros Fabulosos Cadillacs, con otras canciones más puristas de rock, que responden al ya añejo y desgastado “rock chabón”.
Así, entre el repertorio tocado, destacaron “Praderas”, “Estallar” y “Azul”.
Su musicalidad aparece respetable por convicción natural, más que por “background” cultural, siendo plenos poseedores de un lugar válido como práctica ilustrativa de lo que llevan en la sangre, no como discurso “contracultural”, que pueda ofrecer algún tipo de historia nueva al rock.
No obstante su sonoridad “amiguista”, es bien llevada sobretodo en los temas que buscan cierta complicidad rítmica, en los aleatorios ritmos jamaiquinos, que tanto inspiraron al rock vernáculo hacia fines de los 80’.
Más tarde, llegó el turno del Carro de Yaggernat, Ubicados en la circularidad romana, del pequeño anfiteatro. Poetas, arropados entre el exceso fisiológico y la mordacidad del lobo agazapado, para poder caer siempre bien parado, miran al público buscando algún punto de encuentro, entre su “yo” interior, y el exterior divisado y abren con la canción “Invierno”.
Luego pasan por “Xul Solar”, para terminar la primera parte con “Reggae Nº1”. Forasteros contextualmente en el lenguaje cosmopolita que manejan, su música destilo chispazos acaramelados mientras las estrellas, y los últimos gritos de niños ya insolados, se dirigían a sus casas.
Con capacidad para flexibilizar y estilizar, su musicalidad según el “convite” ofrecido, el desempeño del carro fue parejo. Fluyendo entre la dosis de melancolía y algún que otro resplandor de esa secreción acertadamente penosa que musicaliza imágenes de la desolación del juglar experimentando en tierras lejanas.
Luego del “Cúmulo”, finamente cierran con “La Célula”, demostrando que el incendio artístico es numerosas veces, más acertado que cualquier intento de caricaturizar al rock, a través de ritos, estandartes, prácticas e insignias, como manera de refutar un camino que ya en la música esta plagado de pozos ciegos.
Así cerró la noche, entre dos polos opuestos, que a su manera cuentan su verdad, y manera de expresar o musicalizar su inserción en la vida misma con las confituras y amarguras que la misma depara. Sin embargo, y más allá de esto siempre es válido que la verdad de uno, se logre cotejar con los estímulos visuales y auditivos, que nos cruzan en el siglo XXI, porque para “híbridos artísticos” o “mainstream estéticos”, el rock ya no tiene vueltos, y sino que el último tire la piedra o cierre la puerta, ¿Se entiende porque sigo diciendo que son de más los trapos y banderas?.

Bernardo Damián Dimanmenendez

White trash criollo

2008-04-25T14:29:00.000-07:00

“La Bomba Sucia” de El PerroDiablo, podría ubicarse en la línea de pedidos de haberes renovadores para la juventud argentina, y que marcando una línea cronológica podría comenzar en el primer disco de Los Violadores, en el “Patria o Muerte” de Don Cornelio y la Zona, o en “En el Simpatía por los Demonios”, de Demonios de Tasmania.
La diferencia se va a dar porque el reclamo aquí efectuado, no va a pasar por la opresión dictatorial, (Los Violadores),falencias democráticas (Don Cornelio) o sobredosis de demagogia cultural.(D.D.T.), sino por querer demarcar al rock, como un discurso directo, plano y arrollador contra cualquier hibridez cultural o frívola ideología.
Ya desde el arte de tapa, (con el camión Mercedes Benz a punto de arrollar a un esbelto y semidesnudo cuerpo femenino a bordo de un moderno monopatín), los PerroDiablo recortan una especie de musicalidad “tunera”, dónde cualquier aerodinámica estética y cómoda para la música será arrollada, sin pedir perdón y tampoco sin medir grado alguno de lesión.
“La Bomba Sucia” pareciera entonces, un alarido misógino de “white trash” criollo, que funcionaría como remedio caústico para paliar el “vampirizaje” artístico, espiritual y filosófico que baña a gran parte del mundo musical de hoy en día (público inclusive).
Ya desde el primer tema, “Invasión Infinita” y a partir de un decálogo de riffs, punteos y acordes de rock “garage”, “punk” o “country-hard”, la ruta sonora de los PerroDiablo, se despliega de manera unidireccional fuera de todo estéril intelectualismo y como mostrando a esa “otredad”, (mujeres, música pop, ghettos estéticos y snobs), como algo que en lo posible debe ser denostado o al menos modificado.
A la vez, ese otro mundo calumniado, sirve conscientemente como “magma” creativo para su venenosa poesía que pareciera narrar imágenes escabrosas y escatológicas que asoman ante la falta de alguna línea moral que clarifique el andar de los jóvenes por el siglo XXI.
Las letras de Doma, parecen estar impregnadas de beligerante veborragia dejando a cada frase heridas sanguinolentas, que son profundizadas por las guitarras (Chaume y Manu), y la latosa base que conforman (Alfhonse en batería y Pata en bajo). Así cada uno cumple su rol “de verdugo con cuchilla bien afilada”, para que la música tome una combativa línea y se adapte perfectamente a las tajantes imágenes narradas por Doma y su agitada voz.
El recorrido aplanador sin retorno que se va desarrollando al escuchar el disco, parte de una desenfadada insurrección en la cuál, se van a ir cotejando de manera personal y autárquica, experiencias sensoriales y sexuales de todo tipo.
Si Federico Moura cantaba su oda a la masturbación describiendo “mieles y lunas entra las manos”, Doma y los suyos van a destilar un sabor paródico más rancio y crudo. Así al hablar de neurosis fisiológicas, más que una metáfora del lenguaje, lo que hacen es utilizarlo a este mismo, como un simple elemento al servicio de su “motín” artístico. Vale como referencia de esto la letra de “Rebote”: “Pervertí tus rebotes en mi imaginación, trazos desenfadados, trazos de sedición. Me estas convirtiendo en un arquitecto de los pretextos”.
La aceleración musical impresa por los PerroDiablo, brinda indicios ciertos de la falta de un contexto armónico y claro, para el desarrollo de algún tipo de sociabilidad amena. Entonces recortados, defenestrados y chamuscados por el frenesí del posmodernismo, la vivencia es puro presente, sin temor al dilema moral a posteriori. Como ejemplo válido, de todo esto, asoma uno de los mejores temas del disco, “Todos los No”. Pieza musical que esta en la frecuencia de “tunning” que asoma por la tapa del disco, y cuya sonoridad se asemejaría a una especie de “sudestada” de pleno arrojo “Hoolighan”. La letra se acopla con osadía al dial y dice: “Algo rebelde, contagiosa, decidida, nocturna fragilidad cretina. Te invito al ciclón con un señuelo, bebamos espíritus ajenos, en el desorden del asiento trasero. Ella dijo que sí, que sí..., ella dijo que...”.En una época donde la planicie de acceso a la música, que se da a través de la internet, rompe con el ritual que antes enmarcaba al oyente y banda, surgen cofradías o subulculturas musicales laxas y oscilantes hacia un cierto ladinismo espiritual. El PerroDiablo no solo las cruxifica a través de su música, sino que además levanta su bandera fálica virulenta, para demarcar bien lo que va, de lo que no. Así corrosivamente, aparece, “Malas Preguntas”, en dónde a través del “esto esta lleno de putos”, de su estribillo, vacunan mortalmente con su cepa artística, cualquier “gripe” ideológica que atañe al rock y al coventillo, que el mismo genera. El resultado de las mayorías de las prácticas musicales actuales da generalmente por resultado, los “ni”, o “so”. “La Bomba Sucia”, representa todo un paso adelante, en función de cómo impunemente toda esa agria sensación, que pareciera marcar en serie todo tipo de forma expresiva musical, es negada a través de un “Si” rotundo. Eficacia que se enmarca en la actitud de sus integrantes de tomar el toro por las astas, demarcando la ideología que recorren sus venas y que sin pedido de licencia alguna,“vomita” atrevidamente al oyente Tal vez, para Doma y los suyos, el quid de la cuestión pase por atravesar la bronca sobreponiéndose a toda pestilencia moral, intentando construir su propio lugar en el mundo, más allá de que en el fondo este siga girando de la misma forma

Bernardo Damián Dimanmenendez

Periféricos y Sagaces

2008-04-19T09:22:00.000-07:00

El pasado viernes en el Tío Bizarro se presentaron las agrupaciones platenses El Perro Diablo y Soundblazter. Arropados bajo una catarsis plena de energía los perro’ y en un ritual de “tecno-multimedia tercermundista” los blazters’, la noche resulto plena de energía, de esa que hoy en día escasea en el rock.

El Tío Bizarro tuvo la grata idea de desmontar el añejo escenario de madera, y directamente reemplazarlo por cerámicas nuevas. Así se dispone a bandas y público en el mismo nivel postural, para que el contacto entre oyente y espectador sea pleno y directo.
Alrededor de las 2 y media de la mañana, arrancaron los PerroDiablo. Los platenses parecen alojados en una musicalidad que aparenta “aggiornar” el antiguo “white trash”, que Mc5, y Stooges comenzaron a lo lejos allá por los 60’. Su performance es descarnada, virulenta y sin respiro, intentando a través de “bofetadas” sonoras, despabilar al oyente, para que este lleve su atención y cuerpo, a un nivel frondoso de vigor actitudinal.
Así camuflados en una “ira poiética”, su alarido de misoginia musical, evita caer cómodo con los oyentes, a los cuáles parecen salpicar sin temor provocar algún tipo de “naúsea” en su gusto o código social. Si alguna vez, comenté que el Carro de Yagernatt ubica su poesía en el plano del poeta salvaje, que sabe de sus miedos, y expulsa una especie de “semén trágico y divino”, los Perro Diablo, parecieran eyacular un “semén caústico” que derrite todo a su andar, evitando cualquier facilismo satírico.
Así pasan entre otros, “Estrella”, “Club de Solas”, hasta llegar a la frenética “Ella Dijo”.
Parecieran jugar al límite del “guiño irónico”, hacia el espectador, ya sea, desde la filosofía que impregna sus letras, pasando por las punzadas sanguinolentas de guitarras, y la gestualidad de “crooner” desafiante, epiléptico y neurótico que resulta ser, su cantante Doma.
Así entre paseos por el público de Doma, los PerroDiablo, tocan ese especie de “Himno Anti-Lánguido”, “Malas Preguntas”, en dónde lo mordaz de su estribillo, (que repite “esto esta lleno de putos”), en realidad es un llamado de atención entre tanta cofradía banal y acéfala que hoy predomina en el rock.
Finalmente cierran, con “Amiga”, demostrando que si uno quiere embarcarse en algún plano clásico del rock, las chances creativas son claras, siempre y cuando se hable de cosas que “derriten” la paciencia del joven actual, y no de crear un espectro genérico, en dónde más allá de la música, la narrativa que las acompaña pareciera contar imágenes extraídas de algún mal “rockumental de rock”, de esos que hoy tanto rotan por cadenas musicales de tv, contando un mundo más cercano al de Heidi y su abuelito.
Perro Diablo, ubicado en el plano del frenesí del rock “hipra-expresionista” (Stoogies, Mc5, New York Dolls), trata las cosas como son, a su manera, y quizá con excesos, pero que en el fondo, sirven más que cualquier “abrazo de judas”, que solo deja un legado de “halitosis” mental.
Más tarde llegó el turno de Soundblazter. Trovadores de un idioma galáctico, cuyas estrellas y planetas inspiradores, parecieran formar parte de un cielo infinitamente grotesco y tercermundista. Su propuesta “tecno-villa”, se enmarca en un ritual didáctico, en dónde ridículo, talento, desborde y desobediencia conviven perfectamente en la musicalidad sample-collage que enmarca sus temas.
Comandados por Cristián, (camuflado en una gorra que pareciera ganada en un concurso de la FONAVI), y en dónde a través de una locución corporal “dance-extravagante”, sus pasos parecen bajar a tierra ese concepto de parodia “gronchofílica”, que la banda emana. Así, pantalla multimedia mediante, que hace de soporte a la música, Cristián parece acertadamente un pintor, fertilizado por “vino patero”, concursando en algún baile de discoteque de los 70’. La banda abre con “Jauría”, le sigue “Rockero” y cierran la primera parte del show con “Los Olvidados”.
Soundblazter es una banda que invita al descontrol, festejando el puro presente, sin pecar en artilugios demagógicos, y acelerando los ritmos según lo que el contexto amerite. Su jactancia musical, es tan contagiante, que provoca el baile, sin respetar target o perfil socieconómico.
Desde “El Nuevo Amor”, pasando por “Scum”, “Forastero”, hasta llegar a “Radio Studio Dance”, toda verticalidad discursiva artística fue valiosamente corrompida con el público bailando de manera tribal alrededor de la banda.
Así entre “sample va, sample viene”, la banda detiene finalmente su transitar desaforado, con “Vía Circuito”, y habiendo logrado su objetivo de deglutir toda neurona insípida, a través de una dinámica, flexible y vigorosamente hipnótica música.
Así cerró la noche en Burzaco, con dos propuestas diferentes, que hacen de las falencias y dilemas que otorgan la experiencia de vivir en un país periférico como Argentina, un original magma creativo. En el caso de los perro’, virulencia artística al servicio de purgar todo “naif” cultural constipante, y en el de los blazter’, parodia expresiva, para dar cuenta de que el dance, también puede ser escuchado en cualquier monoblock del país.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Arte y Expresión, debe y haberes

2008-04-17T15:24:00.000-07:00

Una muchas veces se pregunta cuales son las cosas que determinan que una generación sea diferente de otra, ya sea en gustos, costumbres o actitudes. Bueno básicamente lo que siempre resalta en todo esto parecieran ser los estímulos “audio-visuales”, con los que lidiamos especialmente en los primeros años de nuestra existencia.
De ahí que la decantación de nuestros actos, se declaren en un universo diferente ya que nuestro mapa de acción de manera invisible fue alterado por diferentes masajes nuestras neuronas.
Como ejemplo vale decir, que no es lo mismo la constitución de los adolescentes del 60’, estimulados por la Familia Falcón, el ácido lisérgico, y los Beatles, que los 70’, con Rolando Rivas Taxista en TV, militares castrenses y rock progresivo.
La diversidad de los 80’ que se dio en Argentina, tampoco surgue porque si. Al advenimiento de la democracia, la cocaína, la TV color, y la “New-wave”, hace que el posmodernismo grité presente por estos lares.
Así llegan los 90`’, en dónde algunos de los ítems mencionados a partir de una mirada retro, se actualizan, drogas y la música mediante, (función ritual similar entre el LSD, y el éxtasis, Nirvana y Oasis, entre otros, con la mirada en padrinos punks y de los 60’). Los 90’, en Argentina, se nutren de todo eso, y obvio, la decadencia económica sin retorno, que terminaría en el famoso “cacerolazo”, del año 2001. La TV brinda la última mirada sobre la hoy fósil clase media, con “Son de 10”, para luego terminar aggiornando su discurso al presente, a través de tiras laxas como “Gasoleros”.
Así, llegamos a los 2000, década en dónde el rock, se adapta a una formalización discursiva virtual, y al no plantear los repertorios o géneros dentro de lo concreto e inesperado de la vida misma, hace estéril por lo general cualquier intento de fresca escena estética y musical.
Así, en este cambalache grotesco, entran los Reyes Del Falsete. Quizá en su por momentos “carcajada musical”, las cosas se lean a primer escucha como irritantes, o teñidas de cierta “poesía snob surrealista”. Por eso para evitar confusiones vamos a tratar de recortar su genealogía musical, antes de que algún “dinosaurio de la opinología”, los deposite en escatológicos precipicios.
Los Reyes del Falsete, representan una extensión particular del “Adrógue Sound”, (ese que Victoria Mil y otros definieron hace casi 10 años atrás). Esa peculiaridad se debe a que no hay rastros claros de hedonismo, (quizá la corta edad de sus integrantes o también porque hoy ni siquiera existe la chance práctica de poder llevarlo a cabo). Tampoco pareciera haber indicios de suntuosidad instrumental y menos de una filosofía enmarcada en “sueños hippies construidos en plaza Francia”.
Así, pareciera que los Reyes, son un trío musical que le canta al mundo, desde una particular perspectiva. No hay formación clásica, (son dos guitarras y batería), no hay una línea sonora en los temas, y tampoco parecen pertenecer a ese “naif punqueque irritante”, que tanta atañe al adolescente argentino y tampoco esas ganas de querer brindar adultez, ocultando miedos y dudas púberes.
Entonces la cuestión pasa por una especie de “infanticidio”, desarrollado en un tracto de toxicología adolescente, cinismo púber y una “musicología”, que no levante bandera alguna de solemnidad, obteniendo como resultado positivo una frescura ridícula pero no carente de reflexión.
Desde el primer tema que tocaron “Tifi Rex”, (el único en el cuál pareció haber algún tipo de defasaje en las guitarras), pasando por el derrame efervescente que resulta el “Gran Cohete”, a partir de sus acordes iniciales, hasta la siempre metamorfosis práctica que se da en la “Fiesta de la Forma”, pasando por esa especie de “cordillera hormonal” del desparpajo que resultan “Pacheco”, “El telefonista loco”, hasta el cierre con “Yabrán”, queda claro que las imágenes retratadas, hablan de un mundo doméstico, donde el fastidio, adopta formas directas de demostrarlas (“Me caes mal, realmente mal”,), enuncia la letra de “El Gran Cohete”, ironía, (“el pelo se cayo, la cara se cambio de forma”en “La Fiesta de la Forma”. También hay dejo para lo “sexy-nerd”, evidenciado a priori, en “Mi Chica”, (“mi chica esta borracha, mi chica esta en bombacha”).
Fuera de toda normatividad “farisea estética”, (que tanto constipa hoy al adolescente argentino), y expresando dosis claras de justeza y vileza tanto musical como lírica, los reyes, no abordan la primera nave, que los lleve hacia destinos manejados por “androides palermígenas”, ni tampoco en carretas musicales, que olvidaron los autopistas y túneles de la actual contexto moderno.
En su práctica, su música encuentra un espacio, un lugar, en dónde se marca claramente que en cuestión de arte, el relativismo e hibridez en dónde nada tiene explicación es sólo el discurso “cualúnque y sifilítico” de personas que por una cuestión de obligada pertenencia, darían la sensación hoy en día, de que “la ignorancia se paga con arte”, (ej, la ola abusiva de nuevos fotógrafos digitales, etc), cuando en realidad, las cosas que realmente cuentan, son esas búsquedas personales y autárquicas, de un posible territorio, definido de manera fina y sutil.
En suma, “Los Reyes”, determinan conscientes o no, que lo valuable, debe estar bien lejos siempre, de cualquier recurso extraído de “leprosario botiquín”, ya que más allá de los remedios, la cura y purgación, que el arte a priori da, nunca llegará.
Bernardo Damián Dimanmenenendez

Música para Untar

2008-04-15T14:56:00.000-07:00

En los 80’, el universo de renovación y reviente, entraba sin excesivos trámites burocráticos, en los hogares de la clase media, como en las ya añejadas guaridas hippies, pasados 6 años de cruda dictadura. Así el rock argentino, sin escapar al flujo dinámico de los 80’ (comienzo de la globalización y del auge del capital financiero), pareció dividirse siguiendo los lineamientos de una góndola de supermercado de esos años.
Teníamos a las bandas que por su crudeza podrían situarse dentro del stock de bebidas fuertes como la Ginebra Bols, (Sumo, Los Redondos), otros que parecieran ubicarse en el lugar de las nuevas bebidas “diet” y modernas, (Soda Stereo, Virus, Los Encargados) y otros que apuntaron a modernizar o resignificar el consumo de productos clásicos , como sucedió con la margarina Dánica Dorada, (Suéter, Los Abuelos de la Nada).
Así partiendo de esta idea de demarcar un terreno de “perfil músical-consumidor”, y enmarcados dentro de los “productos clásicos”, los Arroba, construyen su góndola musical, sin quiebre ideológico sonoro alguno, pero apostando al buen gusto por la canción.
Las melodías de sus canciones se ponen al servicio, de melómanos de la primera “Fm” que encuentren a mano, como también de transeúntes noctámbulos en busca de “amiguismo” nocturno, entre “anónimos abrazos etílicos”, ya sean, masculinos o femeninos.
Así la banda cobra vitalidad, especialmente cuando los machaques de guitarra salen disparados en temas como “Buen Día Día”, “La Contrariedad” o “Comida China”, retrotrayendo la idea de fuga emocional vehicular, que Andrés Calamaro constantemente retrataba en sus videos por la General Paz, en la época de “Por Mirarte”(1988).
También hay lugar para arpegios matinales de esperanza, tan cercanos a ese “soft” pop, que bien se construyó vernáculamente en los 80’. Necesidad que nace, de explorar sentimientos simples pero no por eso poco profundos, antes de que la sensualidad se vuelva pragmáticamente pornográfica, y el ideal de belleza femenino se encontraba medianamente lejos del “polstergeist” de silicona de hoy en día.
Bajo esta óptica aparecen “Más, más y más” o “Reino de la inocencia”, con el final buscando la frecuencia de los “raps funks” del Fito Paez de “Tercer Mundo”, (aunque el color foráneo que se rastrea en la voz del final, le haga perder un poco de calidez y validez, a la vez).
En síntesis la música de Arroba, suena clásica pero fresca, como si fuera el testamento fidedigno de un añejo rollo Kodak de hace 20 años, que retrata lo últimos momentos gratos para la ya lapidada clase media argentina. Época dónde la revolución pasaba entonces, por algún “boite vintage”, antes de que “hiperinflación” mediante, el rock se volviera lucrativo simbolizando la esquina del barrio y los “new rich” reemplacen las supremas de pollo por comida china.

Bernardo Damián Dimanmenendez

El trueque con Gary

2008-03-31T06:46:00.000-07:00

Uno levanta la cabeza y ve una cúpula celeste, que recubre nuestra cabeza durante el día y se torna más oscura al caer la noche.
El sueño de Gary Numan, inconsciente o no, fue idear a través de su space-rock, una forma de musicalizar todo ese espacio sin gravedad que se encuentra más allá de la atmósfera terrestre, donde todo se mueve a paso lento, en un espacio infinito, como si los sonidos de su música gravitaran en las ondas inosféricas terrestres a la misma velocidad del espacio sin ninguna correspondencia con las vertiginosas terrestres.
Así consigue atrapar a oyentes a través de una densidad por momentos milimétrica y seductora, sobre todo a partir de su disco Telekon (1979).
Atmosferia en su tercer ep (Búsqueda), gravita otra dimensión espacial y contextual: La del siglo del arrebato sentimental, en dónde el ayer, pareciera haber sido consumido hace siglos.
Ubicados en guitarras que se disparan vigorosamente, (Tato), seguidas con un sonido gordo y pesado de bajo, (Matías) y una batería (Diego), que ajusta el velocímetro a la diligencia de estos dos, la resolución de su música resulta acertada por impacto emocional y sordidez sentimental, tal es el caso del comienzo arremolinado que se da en “Maravillosa Antena”, dónde el efecto neblinoso del principio (buena lectura del industrial post-punk de los 70 y el dream pop de comienzos de los 80), se despeja hacia parajes agradables a través de los arpegios de guitarra y fraseos de bajo, en dónde la cadencia melódica va rápidamente hacia el lugar anímico que el tema plantea, así y una vez, se repite la fórmula, hasta llegar al final.
En “Delator”, un tema de genealogía más simple y pop, la banda platense reduce las fórmulas de riffs, arpegios o acordes disparados, para dar una bocanada musical que descansa en la canción, fuera de toda climatología apresurada, y con el objetivo de que la tonada destaque por sí misma, fuera de todo artilugio instrumental
Finalmente cierran con “Perfección”, buscando algo de la energía violenta del primer tema antes narrado, y logrando que esos sonidos disparados (desde sintetizadores), caigan perfectamente en la tormenta eléctrica, disponiendo una especie de tobogán donde la bajada es grata por turbación y sin temor a posibles coliciones.
En síntesis, más allá de la raigambre musical, diferente, Atmosferia parecería ser una inversión lábil y acertada, de la propuesta espacial, y pasmosamente atractiva de Gary Neuman, pues el universo que este quería retratar se mueve con secuencias estimulares dirigidas por cuerpos celestes, que parecen flotar eternamente.
Atmosferia, por el contrario, retrata el constante movimiento de cuerpos calientes, en dónde la afección estimular audiovisual, llega a altos niveles de urgencia conductual, lidiando una batalla la biología contra lo espiritual, infinita y eterna, que construye en su misma disputa, el lado heroico de los hombres, que desafiaron al mundo a través del arte, en lugar de exorcizarse a través de la servidumbre de la comodidad ficticia que resulta ser la falta de curiosidad, en este mosaico pestilente e indescifrable que aparentan ser los primeros años del siglo XXI. Como narra Tato en “La Maravillosa Antena”, “No vas a salvarte, si te paras delante, las almas se nutren, convénceme”. .

Bernardo Damián Dimanmenendez.

Obras y Hombres

2008-03-25T21:10:00.000-07:00

El Mato a un Policía Motorizado y Los Reyes del falsete, cerraron un año en dónde, a través de canciones frescas, juveniles y personales, demostraron en una actualidad dónde las obras ya no parecen marcar a las personas, que no todo esta perdido aún.

Históricamente, los grandes logros de la humanidad se construyeron gracias a personas, que supieron intuir en dónde esta la punta de iceberg de cuestiones que se encontraban marginadas por la falta de exploración o ganas de mostrar que el sentido de la existencia no viene a uno, sino que las mismas personas deben salir a buscarlo.
Los Reyes del falsete, banda que acuña una expresión en dónde el rock es tomado como un elemento que no se merece ningún tipo de respeto, y el cuál hay que “latigar”, hasta el final para volverlo a despertar. Considerados a partir de canciones que mezclan acertadas dosis de “golfo” práctico con una buena geometría para la melodía desfachatada, taciturna y sobretodo, expuesta a un viaje donde la deformidad, encuentra su molde acertado
Así abren con “Mi Chica”, en dónde el falsete se pone al servicio de la ventilada de guitarras, dando la sensación de que el tema se construye desde un “beat”, perfilado hacia el eco de la alternatividad sónica propuesta en su momento por Brian Jonestown Massacre, junto con pequeñas dosis de un cierto minimalismo experimental, constituyendo un combo único por originalidad y cautivador por proyección.
Luego pasan entre otros, “Yabrán”, “El Gran Cohete” y llega la demostración elocuente de lo antes remarcado, en el sentido del valioso fustazo que la banda aporta con la intención de “sodomizar” todo intento de entender al rock como elemento intocable, cuál pieza de museo.
El tema en cuestión es “La fiesta de la forma”, dónde la aformidad misma de su composición, vapulea toda cuestión de que en las grandes canciones mandan siempre los buenos estribillos, y que por el contrario en su misma ejecución sin necesidad de un patrón claro, muchas veces se esconden gemas sonoras, en esto que entendemos por rock.
Cierran con “El telefonista loco”, y mas allá de cierto “hypeo”, que pueda suceder con ellos, partir de cierta exposición en masivos medios, lo concreto es que su obra hasta aquí se tiñe de un vanguardismo cabal y sincero, sin intento de snobismo que los lleve a cierta indulgencia musical.
En el plano musical, El mato, demostró como la “perestroika”, de languidez inocua que caracterizó al indie, puede ser repensada desde un punto de vista dónde emoción y certeza musical, vayan de la mano, conjugando un “cocktail”, dónde emociones primales y vivificantes, autentifican el presente de un rock, opacado por la falta de credibilidad.
Así, en su rol de redescubridores inconscientes (y no tanto), de huellas claves que le otorgan al rock, crédito como arte valiosamente expresiva y contemporánea, demuestran en su planicie musical, canciones (“Navidad en los Santos”, “Amiga Piedra”, o “Viejo ebrio y perdido”), de estribillos y musicalidad concretamente simples y sentimentalmente catárticos, exponiendo un mundo personal y principalmente actual, demostrando sin temor alguno, que el rock no tiene ningún tipo de bandera y especialmente que lo único asegurado que hay en él, es lo infinito de su exploración más allá de las formas que haya para abordarlo.
Infinitamente el 2007, será recordado como el año, en que los platenses hicieron de su pequeño mundo, un imaginario artístico sincero, personal y especialmente renovador por la forma en que lograron restaurar aquello de que lo no “maistream”, debe ir por el lado del chauvinismo sexista o postural.
Los 2000, parecen ser la década en dónde nada quedo claro, acaso el rock “ya fue” o mejor dicho “fue”, pero nadie sabe bien hacia que lugar o prisma en el cuál sus miembros y público gocen de algo, en el cuál el sentimiento de pertenencia a ese “algo”, no definible (por suerte), les haga más plácida la existencia en un mundo pleno de desencanto.
Lo que queda bien en claro, luego de lo mostrado por Los reyes del falsete y El mato a un policía motorizado, es que entre el sueño y la realidad, entre lo dulce y lo áspero, siempre la curiosidad, explorada a través de la práctica (artística, científica, o deportiva),determina con el paso de los años, que hombres fueron más valientes, para no perderse en un camino lineal y monótono, el cuál solo conduce a un “muro de lamentos”, sin retorno.
Aplausos por Los Reyes y El Mato, por avisarnos, que el mejor camino a seguir, son las obras personales, que salen bien de adentro del corazón, con garra y pasión, sin temor a que haya guía o mapa conductor, sabiendo que la vida es una sola y al mundo hay que tratar de devorárselo, o en todo caso morir en el intento.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Rezo y Rección

2008-03-19T01:44:00.000-07:00

En Burzaco, Travesti cerró un año de transición pero positivo.
Dónde ya no hay promesas sino hechos concretos y tangibles, su música destila una alegoría de sueño roto, pero sin recaer en estereotipos de narcisista víctima o abatimiento fariseo, sino dando cuenta que la música en sí y por si sola no importa, sino lo que es realmente destacable en ella, es como a través de su práctica se describen una línea invisible de vivencias que hacen de ella un elemento que eterniza a través de sonidos huellas indelebles que dejan una cicatriz eterna, más allá de que la historia prosiga por los siglos de los siglos, y recuerdos y seres, sucumban frente a la rueda arrolladora del tiempo.

Muchas veces hay bandas que pese a su universo musical, quedan como rezagadas en lo que respecta a reconocimiento en la misma línea temporal de su arte. Así luego redescubiertas por oyentes debido a que cierta frecuencia sonora de algunas bandas que un momento destacan, pertenece a una genealogía musical pasada, transforman la negación del presente en una futura evocación, que deposita a dichas agrupaciones en la categoría denominada de culto.
Travesti, plantea desde su denominación un impacto por transmutación de valores, que se pliega correctamente a su música.
Si bien el adjetivo de vanguardia hoy en el rock, parece más cerca de una pose snobista que de algo genuinamente buscado, hay tres factores claves, que recorren el arte de ciertas bandas que han pasado a ocupar este sitial en el mundo de la música.
Primeramente, su capacidad de crear un universo sonoro no del todo claro, sino por el contrario, que en su praxis se haga perder a los oyentes en ciertos laberintos idiomáticos musicales, donde la geográfica marque un territorio lleno de imprevistos oportunamente buscados.
Como ejemplo de esto, vale lo hecho por agrupaciones que iniciaron ese camino de “otredad” en el rock y que comienza con el “ultra-fetichizado” (para bien y mal), disco de la Velvet, “The Velvet Underground and Nico”, pasando por la relectura callejera del “glitter”, que hicieron los New York Dolls, en su primer disco, (denominado homónimante), hasta llegar (entre otros), a quizá el último disco de vanguardia en la historia del rock, que es “Loveless”, (con su “shoegaze” llevado a una jungla sonora de densidades infinitas), de My Bloody Valentine.
En este plano, ver a los “travas”, ejecutar en vivo temas que tienden hacia estructuras musicales que desbordan, la pieza original grabada, y acentúan la fuerza impregnada en Eps o Lps, dan cuenta de una virilidad musical que no peca de misoginia.
Tal resulta ser el caso de “Bloody Marie”, dónde el inicio de sintetizadores de algo que parece ser un tema de cierto “dreampop-industrial”, rápidamente destroza esta primera sensación para pasar a una velocidad supersónica de “noise”, y finalmente perderse en una acelerada carretera infinita musical, dónde la bandera de llegada, (feliz por cierto), solo la disponen sus integrantes. Lo mismo ocurre cuando suena “Efedrina”, densa y volátil, una nube oscura tenebrosa que crea una atmósfera única, disponiendo un ácido y lúgubre ambiente, como intentando reactualizar el olvidado legado musical del “happening”, o en todo caso, “aggiornándolo”, en el grotesco posmoderno, de esta ruleta rusa que es el actual planeta tierra.
El segundo, es la capacidad para que los temas compuestos, generen cierta anómala curiosidad de los oyentes, sabiendo con altura y sin temor, exponerse a un crédulo ridículo. Mezclando dosis de animalidad plena con dulces sorbos de afabilidad musical.
Como ejemplo vale para esto, escuchar la capacidad de algunas de las bandas mencionadas para pasar por estos dos estados, (el caso de la “Velvet”, transitando la dulcinea artística con “Sunday Morning”, o la púa “poiética” con “Heroin”, o el caso de los agraciados “Intermezos” de loveless, (favoritos como cortinas de sonido en programas de relajación mental y deportivos en Gran Bretaña, hacia principios de los 90’), por un lado, y por otro, esos bramidos de jungla, (efectuados a través de la guitarra), como lo es, el caso de “Touched” (loveless).
Travesti se encuentra arropado claramente en esta línea ecléctica, tal es el caso de cuando ejecutan, “Poder Florecer”. Bucólica y de sugestivo dance, al punto de que la canción, aparece resuelta, ya en los bajos que asoman desde sus sintetizadores, (más allá de la cadencia vocal resignada de Floxon, y el minimalismo de la guitarra, se ajusten perfectamente), para pasar después en la presentación en vivo, a temas “laicos”, en lo que respecta al formato “curista”, (según el cuál los mejores temas, son los que duran entre 4 o 5 minutos), con esa especie de dómino psicodélico-industrial de post-rock, que resulta ser “ILOVEROLLINGSTONE”.
Por último, y quizá lo más importantes es la capacidad de que a través de sus temas, el sonido evoque una instantánea de reminiscencia o patrón referencial, rápido, único y concreto, (tal sería el caso, de cuando escuchamos un tema y decimos, “mira esto es...”.
Indeleble es ese hábitat sonoro, y solo puede ser representado por ellos mismos, (más allá de intérpretes que posean una mayor habilidad como ejecutantes).
Ejemplo claro, sería lo mal que sonaría un tema de riffs simples de los New York Dolls, realizado por algún músico de conservatorio, pues la febrilidad y el entusiasmo de lo curioso, sin ningún tipo de sonroja, siempre dio lugar a la evolución por primacía creativa fuera de todo molde, (de hecho los Rolling Stones, jamás fueron excelsos ejecutantes y de las bandas originarias del rock, fue quizá la que hasta “Steel Wheels” (1989), mantuvo una frescura, que otros colegas de época debido a su perfeccionamiento instrumental, habían perdido para abordar con descaro a la música.
Travesti realiza una “rección”, (término gramatical que sirve para romper con el estructuralismo, en el cuál se pensaba que el individuo adquiría su lenguaje según sistemas de pensamiento y actuación rígidos e intocables). Trasladado esto al plano de la música, bandas como “la velvet”, “los dolls” o “los valentine”, realizan un minimalismo en lo que respecta a estructuras de ideas, (no prácticas, especialmente “My bloody Valentine”), entonces su arte al no tener esquemas de antemano a seguir, construye ese universo único, un poco por omisión y otro por inconsciente intuición.
Lo mismo parece haber en temas como “Cuidate”, o “Vibraciones del Confort”, o el nuevo tema “Rumbo al brujo” las cuáles podrían ser bandas de sonido de telenovelas de lugares tan disímiles como Transilvania o Caracas, rompiendo todo dogma o manera de entender el romanticismo y sin por eso faltarle el respeto.
Finalmente cierran la noche, con un “cover” de la banda Ácido Camboyano, denominado “No estudies”demostrando su flexibilidad para expropiar versiones ajenas y caer siempre bien parado.
Así cerró el año una banda, que con casi 8 años de trayectoria, siempre se para en esa válida “otredad” que recorre a destacables bandas en la historia del rock. La idea o el rezo, sería que la plegaria de su arte, no sea rescatada mucho tiempo después perdiéndose (como paso con bandas como DDT en los años 90’), el público, la posibilidad de cotejar de manera contextual, el real peso de su arte.
Así se otorga a estos, la posibilidad de entender su faena en tiempo presente, (y no en restrospectiva), brindando al oyente una dimensión más exacta de su obra, (al dársele la chance estimular del acto presente), y no la fantasía utópica de la alegría por rememoración.
En síntesis, un rezo porque el deseo sea vea plasmado, y un aplauso por la rección ejercida.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Erupción y Cenizas

2008-03-16T23:17:00.000-07:00

El Carro de Yaggernat, brindó un recital auto-incendiario, en el bar El Imaginario, como si a través de cada contusivo tema, quisiera incinerar todo el mar de fantasmas que recorre su poesía teñida de sueño roto y quijotesco andar por la vida.

A eso de las 11 de la noche, en el sótano del Imaginario, una estela de sonido arrancó y solo tendría final, 50 minutos más tarde cuando los “carruajeros”, den por finalizada su explosiva performance.
Banda que tranquilamente podría ser soporte de en algún recital de jazz experimental, (por los dotes virtuosos de sus integrantes), como también de algún grupo colegial, debido a la capacidad de lograr una metamorfosis en su accionar, y demostrando que su “palanca cambios”, creativa es adaptable a todo tipo de terreno.
Arrancan con un “Jam”, para luego pasar a desgarrar cada grieta abierta de dolor y fermentar la infección de sentirse solo y perdido, en el siglo XXI, con el interior abatido y la esperanza en el futuro, a través de los temas “Globo Sonda”, y “Once”, perfecto retrato, esta última, del mosaico multicolor y amorfo, que cada vez con mayor intensidad, baña la megápolis de nuestros días.
Saboreando conscientes las mieles amargas, que hacen a su motor creativo y sabiéndose plenamente conscientes de ellos, despachan un combo ecléctico y eléctrico, que comienza con “Xul Solar”, continúa con “Reggae Nº1” y cierran con “El Cúmulo”.
Homónimo es lo que se despacha históricamente en los “outsiders”, o sea, el cúmulo de penurias sabiéndose a pasos de la gloria por capacidad propia y cuando pareciera que se posa sobra las manos de heroicos héroes anónimos, casi como un premio divino, lentamente se escapa, como el puñado de arena de conquistadores malogrados sobre desérticas playas.
Así el paraíso se ostea y al consagrarlo como un lugar biológicamente imperfecto, la utopía tiene el heroísmo del presente y el consuelo tiene solo el saberse que mañana habrá una chance más, por el solo hecho de estar una vez más en el planeta tierra.
Esta aceptación y crucifixión a la vez, es el claro motor que se desprende en las letras de Aníbal Paz, y en la manera con que es acertadamente acompañada por el resto de los integrantes, (Alejandro guitarra, Gastón batería y Sofía bajo).
Así rozados conscientemente por un cierto fatalismo y sabiendo que la parranda del andar diario solamente es salvada mediante la expresión plena y profunda del corazón y empujados por los fantasmas invisibles que recorren el fin de año, “El carro”, apura a pleno su andar, al punto que “Wait”, adopta rasgos en dónde el pub-rock es llevado a un marco de hard-rock, para terminar echando toda la leña al fuego ya propuesto con los temas, “Cresta del miedo” y “La célula”.
El Carro de Yaggernat, ya desde su denominación hasta por su contenido artístico, es claramente una de esas bandas, que se depositan a un costado, sin levantar banderas filosóficas que llevan a las cofradías dónde abundan los “abrazos de judas”, ya sea en marcos frívolos o en ambientes demagógicamente populistas, que por estos tiempos recorren claramente, el universo del rock argentino, (por un lado, la “asepticidad” estéril del “Buen Día”, por el otro lado el arcaísmo de rituales maquiavélicos de populosas bandas de estadio), de hecho su mejor lugar es ir subiendo la cuesta, peldaño a peldaño, como ocurre luego de soportar el jolgorio diario, sin temor al derrape, pues cada resbalón los acerca a un paso más de lo buscado: La Gloria Anónima.

Bernardo Damián Dimanmenendez

La Niebla

2008-03-12T23:53:00.000-07:00

Alplakx, proyecto solista de Mauro Riccieri, realizó una reciente gira por Córdoba. En sus presentaciones en la capital meditárreanea, a través de un minimal electrónico, (gélido y envolvente), pareció teñir las noches de misteriosos sonidos, como aquellas nieblas tenebrosas, que nos recuerdan algún trágico personaje de Edgar Allan Poe.

Los seres humanos, de la actualidad, se encuentran en la diatriba de volverse con la virtualización de la vida cotidiana, cuerpos producidos en serie, que más allá de su biología natural, ejercen una praxis social, envuelta en un automatismo de anarquía sentimental, que por lo general, los deja con una sensación mustia y lúgubre, a la hora de depositar su cabeza contra la almohada.
Esa falta de juego lúdico, pareciera ser explotada por Mauro Riccieri, en sus sets, para hacer de sus canciones un juego ártico y de transición, dónde la música es apropiada, como fuerte remo, para luchar contra la corriente de la vida misma..
Luego de la intro, asoma “Rectar”, de un “ambient” ameno y pausado, para luego pasar a la sórdida galaxia de sonidos, que resulta ser “Exacta”.
Le siguen “Antel”, y el mejor tema de la noche, “Exedra”, dónde la percusión, sumado a los golpes de pads ejecutados, se asemejan a un ritual caníbal y futurista, pleno de inquietud a través de la constancia de los golpes y como interpelando al oyente, por perseverancia musical, fuera de toda propuesta en dónde el eclecticismo, pregone algún tipo de momento previsiblemente festivo.
Comienza luego una especie de retirada, hacia el más allá que se describe también en el nombre de los temas.
Huída de pleno desaliento que comienza con “Adverso”, “Sublingual” y cierra con “Póstuma”, reflejando conceptualmente, como esa falta de juego sin ningún tipo de lucro (simbólico o económico), genera un autismo social, flagelante y sin ningún tipo de retorno.
La niebla, no sólo es un fenómeno atmosférico, sino que filosóficamente es tomada como un lugar de confusión dónde las cosas no pueden verse claras, y pareciera la persona estar a metros del despegue o del derrumbe definitivo, en síntesis, la niebla, como un momento de transición personal, ya sea para bien o para mal.
Traspolado esto al universo musical de Alplakx, parecería ser que con cada rocío de su bruma musical, se desprende una obra marcadamente personal, en dónde las dosis de vacío sentimental o dificultad expresiva, se enmarcan en un universo sórdido, con la meta de llegar un mejor lugar, el cuál, pareciera ganarle a todo “marcatismo” psicotrópico y expropiador de la cabal naturaleza humana.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Swing Navideño

2008-03-11T00:38:00.000-07:00

Michael Mike, cerró el año en el local de Castorera. Ofreciendo un repertorio dónde la juerga y el desborde “posmo”, son ejecutados con pulcra sobriedad, partiendo de una destacable dosis de versatilidad de sus integrantes, y construyendo todo un universo personal, de festividad y hedonismo.

Diciembre cierra cosas y abre otras, pero quizá lo que es ineludible para todo ser vivo, es que el almanaque con sueños rotos y promesas cumplidas, corta sus últimas hojas para siempre, y ya es tarde para poder volver las cosas hacia atrás.
Michael Mike, quizá la agrupación capitalina, que con mayor fuerza potenció, ( en base a la creatividad de sus canciones), una relectura de lo mejor de la lejana “alternatividad”, que deslumbró por mediados de la década pasada.
Así, buscando que el modernismo coloquial de sus canciones no quede descontextualizado, inician su show con “Trampa de Amor”, para explotar, una vez abierto el cortinado, con una versión al palo de “El Amante Latino”.
El “swing” históricamente caracterizó a las personas por la capacidad de hacer de su propio cuerpo un elemento elegante, único y original, en la ejecución de su respectiva práctica, (ya sea golf, música o ballet).
A partir de esto, resulta entendible que temas como “Gente Preciosa”, ( reviente hedonista al servicio de una matemática y risueña ejecución), porque los Michael, logran poner la diversión en un lugar de representación personal creativa y no en, el botiquín de recursos “naif” o comodities culturales al que estamos acostumbrados.
Le sigue a esta “Rojo + Que negro”, y luego un tema nuevo que pareciera ostear un horizonte más electro dónde las guitarras quedan recortadas (no mutiladas), por los disparos de sintetizadores y teclados, denominado “Ir al Baile”, ( en la misma línea sonaron las nuevas, “Edding” o “Mi Cd”.
Si en los últimos diez años, las novedades de la capital se limitaron a tomar al rock, como un obispo presbiteriano nazi, el cual más allá de los pecados que haya cometido este hay que respetarlo como si fuera el “matrix de una invisible dictadura castrense”, en lugar de someterlo a lascivo y sodomita castigo, y dando como resultado final, que el arte sea una producción en línea de ideas, que acaban por auto-incinerarse, y logrando que sus habitantes terminen siendo construidos por burdos ejercicios de mercadotecnia, el pedido de novedad, que asoma, frente a la “agarofobia existencial”, parece germinar en la notable, (por hipnosis y seducción rítmica) “Novedades de la Capital”, consiguiendo que el reclamo, asuma la dosis justa de práctica creativa, para constituir a la agrupación como partícipe pleno de algo nuevo, o al menos intentarlo.
Así entre otros, pasan “Charlie Border”, “Introversión” y cierran con la nueva (antes mencionada), “Mi Cd”, dónde el cierre de instrumental de casi 5 minutos, da la bienvenida directa a las personas concurrentes a comenzar el baile, sin necesidad de ningún obligado parate.
Quizá la mayor virtud de Michael Mike, pase por su fuerte dosis de personalidad desvergonzada y voluptuosamente parrandera, que acompañada por la sensibilidad y habilidad natural instrumental de sus integrantes, los posiciona como una fuerte promesa dentro de una escena plena de “fetiches sifilíticos”, en lo que respecta a lo imaginario en la música.
La cintura de sus integrantes dirá con el paso del tiempo, cuál será su legado artístico a desarrollar, siempre teniendo en cuenta, que la dosis de “acéfalo fashionismo”, los acechará por un buen tiempo, y progresivamente su exploración musical terminará por definirse, ya sea para bien o para mal.

Bernardo Damián DimanMenendez

Trovadores del lustro "K"

2008-02-29T09:40:00.000-08:00

Si Miami (el último gran disco de los Babasónicos), allá por el año 99’, era una guía más que fidedigna, de cómo luego de 10 años de explotar como nunca el lado más chauvinista de los argentinos, la fiesta dejaba en el camino, más sandías rojas, caladas y podridas, que agraciadas rosas.
Hoy luego de un lustro de “Kirchnerismo”, las promesas de mejora social siguen siendo solo eso, promesas. Sumado a la cepa de decadencia menemista, las cosas se han tornado aún más crudas, frente a la ficticia tendencia oficial de progresismo social, que no puede escapar a las huestes de una decadencia socio-cultural, invisible pero fulminante, en dónde, ni siquiera el almohadón ficticio del uno a uno de los 90’, le permite escapar a los argentinos, hacia un lugar de confort consumista.
“El Plan Alborada”, (denominación empleada para un proyecto de viviendas prefabricadas de la Plata), es quizá el primer mapa serio de la década acerca de los estereotipos que Kirchner y los suyos, van fumigando sobre territorio nacional.
Ubicados en una musicalidad, que marco esos mundos grotescos y bizarros, que menguaban entre la utopía futurista y la añoranza anterior, (como lo pueden ser el mismo “Miami” o “Babásonica” de los Babasónicos), sumado a un estrobóscopico y ácido tecno, (dónde scratching, electrónica, guitarras e instrumentos no tan convencionales para el rock (como el “Llamador de Ängeles), conviven armónica y acertadamente, febrilidad de guitarras mediante, (tan aceleradas como en las mejores épocas del rock sónico de los 90’).
El paralelo con Miami, se establece por la visión panorámica y justeza lírica, pero en “El Plan Alborada”, la descripción va a apuntar hacia una mirada forastera plena sobre la argentinidad, pues a diferencia de Miami, no hay fin de fiesta, sino que simplemente esta jamás se llego a efectuar durante dicho lustro (2003-2008).
Entonces el voluptuoso reviente de los 90’, que los Babasónicos bien narraron en Miami, encontraba una lamentación por el tiempo en vano y no productivo, (escuchar “El shopping”). Pese a esto, los babas’, tuvieron su contexto para jugar con un cierto panorama de desarrollo contextual, emocional y sexual.
De hecho la quintaesencia del disco, se construye con el hit, “Desfachatados”, en dónde pese a la decadencia narrada, todavía existe la chance del reviente sexual y estilizado, en arquetípicos clásicos argentinos, (“El playboy”), y pareciera ser más que claro, que pese al grotesco de valores imperante, se aspiraba a ideales de reconocimiento simbólicos, algo que se desprende de la letra de “Sumún”. Tanto el “groncho”, como el “argento” prototípico, querían ser resueltos galanes en el “teleatro” de la vida misma.
Su nivel de juego paródico, podía ubicar a Miami, como estandarte del sueño vacacional de la clase media argentina durante los 90’ y a la vez, panteón de consagración de los “New Rich”, de la pizza y el champagne, (aunque en el fondo su despliegue filosófico, no pueda atravesar la General Paz).
De ahí que la aparente Miami, que se ubica en la portada, en realidad es Misiones, ( la provincia mesopotámica argentina), apostando a un acertada ironía, con respecto a la necesidad presuntuosa, con la cuál se construyeron los frívolos estereotipos del menemismo.
Ubicados hoy en el año 2008, y devaluación mediante, el sueño de reviente hedonista, aparece plenamente roto, porque tanto “gronchos” como argentos, se encuentran en un lugar en el cuál el acceso a un confort febril, aparece negado plenamente.
Así ferias de canje mediante, viviendas prefabricadas, psicotrópicos “lumpen” (paco), o globalizados (éxtasis) y fallidos intentos de volver a darle a los trenes, la antigua importancia que tenía en años pasados, sumando la negativa virtualización de los afectos y sentimientos, no urge una necesidad de pertenencia alegórica, (solo se convive en multiculturalistas ghettos, como hoja que arrastra el viento), pues la fiesta jamás se recompuso del todo, y todos los ebrios de la parranda, quedaron finalmente al margen de todo amparo, y con la llama de “egonomanía” bien apagada.
En una portada de colores futurista, se esfuman la figura de dos madres que portan sobre sus cabezas los clásicos pañuelos de la clase obrera argentina.
Aquí, pareciera haber una clara dualidad del torpe maquiavelismo “Kischnerista”, en dónde los derechos humanos son planteados como recuperación para museo (llámese ESMA, denomínese standarización de las “abuelas de la plaza de mayo”), y no como tangible bienestar para los habitantes del presente, que siguen conviviendo con las misma penurias estructurales, (económicas y sociales), que se arrastran desde hace 30 años (el “chabón”, se convirtió en “ciberchabón”, pero su imaginario y expectativa de inserción social solo se da a través del monitor).
El “auto-apartheid”, solo permite universos micros plagados de violencia y escamoteo para sobrevivir al día diario. Los soundblazter los decodifican perfectamente y así surgen temas como “Cuarenta y ocho”, dónde las saturadas guitarras y la acelerada base del tema, dan cuenta del cruel anonimato con el que convive el argentino de hoy, en dónde la motorización de proyectos pierde, frente a la falta de medios.
La letra narra: “Para saber que estoy muerto, pídeme que vaya al centro y voy adónde estoy. En medio del mar abierto, el veneno va subiendo, flotando mi tumba a mi alrededor. Marcho sin regreso, rumbo al cementerio, porque ahí me espero yo”.
No hay retorno, el agua hasta el cuello para todos, respirando sólo hasta que no se pueda hacer pie, y el centro, cónclave de febril nocturnidad, es sólo un cartel, y nada más que eso.
Sin indicio alguna de felicidad momentánea, la ley pierde toda validez, y el “descone”, por cualquier medio, es el voto de castigo autoinfligido. Así la traición, el golpe bajo, la saña por la saña, y el mutismo emocional cobran un valor de correspondencia cultural, que construye fieras anónimas hambrientas de crueldad. Esta mutación para peor de los sujetos ya deformes de los 90’, para hacer pie en “Radio Studio Dance”, a través del intranquilo órgano en su ejecución a contramano de la línea del tema, al cuál vigoriza con un sonido certeramente alarmista. La canción encaja con la idea rencor sentimental antes descripta, y dice: “Como un rayo de luz, cruzando la ciudad, un bólido de potencia. Fuera de la ley federal, alarmante y fatal, pega sin avisar”.
Rotos los sueños, sin haberes morales, y condenados a un “ghettismo cavernícola”, se huele la violencia, y la sangre derramada en vano, tiene el valor de una oferta de “auto-mac”, generando un paisaje de decadencia romana, dónde pastores de abrazos “a lo judas” y los jóvenes, asoman como cobardes chacales, a los cuáles no les importa atacar a cualquier oveja indefensa, según su antojo.
Los soundblazter parecieran hacer de esto, un digno y actual retrato a través de la música presurosa, que dispara el track, “Vía Circuito”, y dónde la letra, habla de los circuitos neuronales rotos del lustro “K”, “Tirado sobre el asfalto hay un vecino degollado. De la guerra de la pandillas a la armada evangelista, que te salva de ser fruto del pecado. Los rateros y punteros, codo a codo con los ciegos..... Y vos, vos sos de otro lado, y yo, yo soy del conurbano. Hoy los chicos de la esquina, compiten con las de Lima, por el puesto “number one”, del más buscado”.
Así cierra un disco que pareciera, narrar una primeriza idea sobre la genealogía moral argentina actual, (dual y contradictoria), tal como ocurrió durante los 10 años de “gorilismo menemista”, dónde el acceso a un confort vacuo, irrisoriamente determino el destino político de un país.
Hoy en día tampoco pareciera avizorarse algún tipo de alborada, ya sea para “gronchos” o “argentos”, cuya heladera o segundo auto en cuotas, finalmente termino siendo vendido de oferta en algún desarmadero del Gran Buenos Aires.
Sin confort, sin fiesta a la vista, y despojados de toda utopía terrenal, solo les queda de consuelo, que el día les haya sido lo más liviano posible, y el sol que los ilumina frente a sus ventanas, dispare sus últimos rayos, antes de decirle a la luna, “Buenos Días hasta mañana”, (como cantan los soundblazter en ese “carnavalito tecno” que resulta ser “Amanecer de los Valles”), más allá de que el miedo, (tanto para lo “ex gronchos” como para los argentos), por figurar en la lista de personas desalojadas y depositadas súbitamente en la lista de personas a la espera de hogares prefabricados por el gobierno nacional, ronde día y noche sus mentes.

Bernardo Damián Dimanmenendez

Juventud descascarada

2008-02-26T14:33:00.000-08:00

El rock siempre trata de dar cuenta de una síntesis de vida con las emociones que esta inmiscuye. El contexto como habitáculo de cocción del futuro arte a desarrollar, más allá de que los ingredientes que condimenten la vida diaria no sean de lo más apetecible.
Entonces la clave para que lo culinario de la música, (que toda banda prepara a partir de ensayos, shows y tiempo personal dedicado), sea satisfactorio, será tratar de sacar los mejores réditos, mostrando un necesario coraje, y la astucia de saber cuando actuar en el momento correcto, para que las acciones estipuladas, den el resultado anhelado..
El noroeste del conurbano siempre fue proclive históricamente a disparar bandas que respiran la fiebre de clásico rock and roll. Es como si la virulencia agreste que se respira en la zona, sea absorbida por la música, la cuál a través de cada acorde desperdigado, nuclea una sintomática atmósfera guerrera y combativa.
La respuesta creativa va a venir entonces, de la mano de una “ofebridad” para tratar a la música como panacea de descanso y catarsis emocional a la vez, buscando en la raíz purista artesana y filosóficamente creativa, ideada inconscientemente por el legendario campesino Menocchio, y oponiéndose a todo intento frívolo de “Taylorización” del arte, que sirve más que nada para caer en el mero ejercicio de mercadotecnia que agobia al rock actual.
Reptilia, es una agrupación formada en el 2006, compuesta por Javier Montiel en voz, los hermanos Lopez (Carlos y Adrián) en guitarras, Ariel Erriquez en bajo y Cristián Albornoz en batería.
Su primer EP “Fuerza”, sirve para clarificar las ganas de modificar el estado de reposo, a través de un rock básico y bien llevado a través de todo un manual de riffs, yeites y punteos que van del mejor Mick Robson al más febril Angus Young.
No hay disputas ideológicas generacionales fuertes en juego, ni tampoco ganas de cambiar las cosas, la música solo se usa para ilustrar pequeños pincelazos y personajes pictóricos que transitan la vida misma (escuchar el tema “Aquí Bajo”, como metáfora de pertenencia a personas y lugares que parecen imperturbables al paso del tiempo).
El lenguaje usado en las letras no quiere crear ningún tipo de dicotomía, así las palabras empleadas son sintéticas sin caer en ningún lodazal conceptual, y siguiendo la bajada de línea directa y efusiva de la música.
En el potente rock “Reactivate”, las guitarras suenan parecidos a ciertos pasajes del mejor “Big Star”, quedando clara la idea de que no hay ningún resentimiento con los debes de la vida misma, sino que justamente el pacto con la misma música sirve como escudo y lanza a la vez, para frenar y atacar todo incidente afectuoso que depara el difícil “match”, que resulta ser animarse a crecer.
Así, como pequeño guiño a su nombre, la banda intenta reptar entre la hojarasca marchita de la acefalidad sentimental, la impotencia del no progreso y la certeza de saberse perdido pero intentando buscar el camino, con el corazón y la música al volante.
Como punto final, siempre queda la incógnita con las bandas de zona oeste, desde la muerte de Luca Prodán, de que si una vez superadas las primeras formas de arte que emanan un rock directo y vigoroso, puedan ir en contra de todo cliché musical, buscando en la vanguardia y la experimentación sonora, el camino que Luca, hizo que Joy División, encontrara su sucursal criolla en Sumo, la cuál hasta hoy en día, y a punto de cumplirse 20 años del fallecimiento de este, permanece aún vacante.
Bernardo Damián Dimanmenendez

Laboratorio Dance

2008-02-18T21:31:00.000-08:00

El pasado viernes, la agrupación neoyorquina Battles se presento en Niceto. En un mes en el cuál bandas que supieron llevaran la esencia rockera a las pistas de baile, (desde la vertiente más punk-funk de los Rapture, y LCD Sound System, hasta llegar a los cerebrales Battles). En una hora de show, la banda expusoa través de un tormentoso y calculado maremoto de sonidos, porque son una de las últimas gratas sorpresas del sello Warp Records.

Cerca de las 23 hs, la agrupación norteamericana Battles, quién cuenta con 3 Eps (“C”, “B”, y “Tonto +”, y un LP, que ha despertado durante el presente año numerosos elogios, denominado “Mirrored”, (llegando incluso, a posicionarse Nº 70, en el chart de UK).
La propuesta de Battles, dentro su aluvión musical, parece enfilarse desde el vamos a una carrera acelerada, metódica y calculada de sonidos.
Como si el mismo viaje que propone el show, se asemejará a un triatlón, dónde cada nota expelida es esencial, para provocar un clima enérgico e hinóptico a la vez, teniendo la sutileza de no caer en el abismo sonoro excesivo y confuso, que provocaría el cansancio en los oyentes con el transcurso de los temas.
El triatlón musical, abre con “Race In”, cuyos arreglos vocales quisquillosos y acelerados pasajes melódicos, recuerdan a ciertos temas de los recordados Van Deer Graff Generator.
A continuación, como si se tratará de un laboratorio donde se producen piezas musicales en serie, asoma “Tij”, de sonido constante y lapidario, matizado con algún que otro arreglos de sintetizadores.
La batería a cargo de Jhon Stanier, de impecable vigor guía el tema, en dónde los arreglos vocales suenan como si se tratará de un ritual tribal, (algo a que los Battles apelan numerosas veces en sus temas, para darle ese frenesí epiléptico y bailable a la vez), siguiéndola a esta “SZ2”.
A continuación siguen con “Tras”, en dónde un riff de cierta dinámica punk, es decorado con agudos arpegios de guitarras, y agudos sonidos de teclados, uniendo la fórmula de hacer experimental estructuras musicales simples, (buena lectura del legado post-punk experimental).
A continuación un tema clave para entender el magma musical de los neoyorquinos, su hit “Atlas”.
El tema comienza con una base “motorik”. (ritmo de 4/4, cuya pionera fue Mo Tucker, percusionista de los Velvet Underground), y después llevado a la fama por bandas del kraut alemán, y de cuyo nombre, unido al tecnicismo germano surge la denominación (“Mo-torik”), y las voces tribales adoptan un matiz más electrónico, para finalmente a través de espontáneos riffs de guitarra, lograr seducción bailable, y no frenética danza, como en el caso de otros integrantes de la escena como pueden los antes mencionados Rapture o LCD Soundsystem.
Cierran finalmente con “Race Out” y un el “bis” de regalo “Bad Trails”, en dónde se destacan las paredes sonoras, construidas mediante un interesante uso del feedback.
Nueva York, ciudad cosmopolita clave para entender la cultura moderna de los últimos 60 años, sigue deparando sorpresas musicales gratas, (ya sea desde la cultura asfáltica que proponía la “Velvet”, pasando por el rock “Glitter” de los “New York Dolls” o el “pub-rock” de Televesión, hasta llegar al presente, y demostrando que pese a que los intersticios para generar propuestas medianamente novedosas sea cada vez más reducido, los habitantes de dicha ciudad, siempre tienen más allá de su estatua y mole de rascacielos, algo nuevo para contarle al rock.
Bernardo Damián Dimanmenendez

María Antonieta del Rock

2008-02-17T17:17:00.000-08:00

El pasado Domingo, Sr Tomate se presento en Plasma. La agrupación platense demostró en media hora, porque la dosis de su música psicótica y realista, sopla como una brisa retroactiva en lo que respecta a lenguaje musical, recuperando autenticidad lírica y sarcasmo compulsivo, y sin caer en el muro de lamentos “fashionistas”, al que a menudo como oyentes nos hemos acostumbrados, sobretodo a la hora de oír voces femeninas.

El domingo era cálido pero no tórrido, cerca de las 22 hs, Atmosferia, trío que busca una línea de composición en un power pop mezclado con ciertas dosis de climatología musical que atañen al post-punk de fines de los 70’.
Catárticos, sin pecar en languideces poéticas, y en dónde a través de dinámicos acordes de guitarra, que son seguidos por fraseos agudos de bajo y compacta batería, le otorgan como resultado musical final, temas de cierto ardor musical, sin llegar a auto-incendiar, (como muchas veces suele pasar con las bandas que buscan un cierto “epicismo” en los estribillos), en dónde destacaron, “La Maravillosa Antena”, (hipnóticos los arpegios de guitarra) y “Perfección”, dónde hay contundencia sonorosa directa y plana, que permite que la canción desde el inicio hasta el final, mantenga su sintonía enérgica, musical y celebratoria del mismo frenesí propuesto desde el vamos, (el tema es compositivamente lineal de principio a fin, sin por eso, pecar de monótono).
Más tarde, llegó el turno de los también platenses Sr Tomate. La agrupación cuenta con dos Eps editados, “La fruta desquiciada” (2004) y “Júbilo y sorpresa” (2005).
Los “Tomate”, suenan como si se tratará de una agrupación circense y “happeninera”, (en el sentido de que cada uno de sus integrantes cumple un rol fino y delicado en la banda y la forma de plantear la musicalidad de los temas, parecen despojarlo a uno de su rol pasivo de escucha, y sumarlo a una especie de festín irónico y sarcástico, dónde la polución sentimental posmodernista, parece ser limpiada a través de la dosis mordaz que parece ofrecer su repertorio lírico y sonoro).
Mucho se ha hablado de las influencias de Sr Tomate, personalmente pienso, que la banda tiene una línea de comunicación creativa, similar a la que sucedían en las cofradías del rock de fines de los 60’, en San Francisco, (Grateful Dead, entre otros), no en el sentido de su genealogía sonora, sino que a partir de la fraternidad de experimentar sus integrantes conjuntamente experiencias similares, en un contexto determinado, se va a determinar su linaje musical.
Los Tomate, abren con “Ritmo de vida” y “Mente Peligrosa”, hasta llegar a ese himno a la holgazanería que es “Tu Tumba Cama”.
Luego de la dulce guitarra del principio, la letra va describiendo, toda una situación dual, de confort y desagrado, (la cama, como símbolo de seguridad frente al agobio exterior), pero también como síndrome de inacción, para poder cambiar esa hostil realidad, y para que el tema detente un crédito aún mayor, la voz grave de Poli, encaja perfectamente con la sintonía musical que el tema abraza.
Poli, parece asemejarse, a una especie de “María Antonieta del rock”, (renegada y visceral por unos momentos, como pueden ser la letra de “Tu Tumba Cama”, o “Manías”, y afable y esperanzadora por otras, como en las canciones “El control” y “Adónde vas”).
Si en los 90’, Suarez a través de Rosario Blefari expresaba, las esperanzas y penurias, a través de descripciones volátiles que buscaban sosegados lugares de encuentro y redención sentimental, (cuya huella indeleble quedo registrada en temas como “La Niebla” y “Saludos en la Nieve”), Sr Tomate, a través de Poli, encuentra en la parodia del retrato de “fotografías” actuales, de embote y constipación mental a las que las personas del siglo XXI están acostumbradas, un punto de partida hacia un cambio de rumbo, más sincero y afectuoso, pero sin buscar el escape hacia lugares o situaciones por fuera de la topografía terrestre, que hace al tracto dinámico del ser humano actual, sino a partir de la autorreflexión, de las situaciones descriptas o narradas. .
Así, “los tomate” prosiguen con su contagioso repertorio musical, destacando “La Palabra”, “La Tempestad”, “Infarto”, entre otros, y destacando esa capacidad para generar artilugios sonoros como son el uso de la melódica y trompetas (a cargo de Giovanni y Pedro Millenaar, respectivamente), para finalmente cerrar con la paródica, “Doña Doctora”.
El lugar que ocupa la mujer en el mundo del rock,(a partir de describir mayormente estas en su magma creativo, situaciones sentimentales lánguidas y previsibles, produce como resultado general final, que las damas participantes en este ámbito, sean lapidadas por la estructura machista del mismo.
La solución o remedio vendría por el lado de contextualizar su furia uterina, mezclando ironía cómplice y ensoñación carnal, y dejando de lado, todo repertorio estético “fashionista”, que sólo ayuda, a ponerlas en un lugar de “tropo” sexual y servilista.
Así, su música servirá como remedio cáustico frente a las voces opresoras fálicas, con las que muchas veces son despretigiadas, las “femmes” que se animan a contarle al mundo sus historias, sonidos mediante.
Algo de eso pareció asomar a través de la voz de Poli, y el aporte de los demás integrantes del conjunto, que hacen a la semilla creativa y musical de Sr Tomate.

Bernardo Damián Dimanmenendez